Artemision Scultura IN Bronzo Gara Cavallo E Fantino Euboia Grecia Ellenica

Artemision Scultura IN Bronzo Gara Cavallo E Fantino Euboia Grecia Ellenica Questo foglio informativo sul prodotto è stato originariamente stilato in lingua inglese. Si prega di consultare appresso una traduzione automatica dello stesso in lingua italiani. Per ogni domanda, si invita cortesemente a contattarci.

  "Il cavallo e il fantino di Artemision: un monumento equestre in bronzo del periodo ellenistico" di Sean Hemingway.

  NOTA: Abbiamo 75.000 libri nella nostra biblioteca, quasi 10.000 titoli diversi. Le probabilità sono che abbiamo altre copie di questo stesso titolo in condizioni variabili, alcune meno costose, altre in condizioni migliori. Potremmo anche avere edizioni diverse (alcune in brossura, alcune con copertina rigida, spesso edizioni internazionali). Se non vedi quello che vuoi, contattaci e chiedi. Siamo lieti di inviarti un riepilogo delle diverse condizioni e prezzi che potremmo avere per lo stesso titolo.

  DESCRIZIONE:  Copertina rigida con sovraccoperta.  Editore: Università della California (2004).  Pagine: 222.  Misura: 10 x 7¼ x ¾ pollici; 1¾ libbre.  Riepilogo:      Chiunque visiti il ​​Museo Archeologico Nazionale di Atene ricorderà vividamente il suo pezzo forte, i bronzi di Cavallo e Fantino che furono recuperati in pezzi dal mare al largo di Artemision nel 1928 e nel 1936. Le sculture in bronzo erano popolari in tutto il mondo ellenistico, la più famosa è il Colosso di Rodi, ma oggi ne sopravvivono pochissime e la maggior parte di quelle che provengono da naufragi.

  Il cavallo e il fantino è uno dei migliori sopravvissuti e costituisce il fulcro di questo studio ben illustrato e informativo. Combinando "un esame tecnico, stilistico e iconografico dei bronzi con un'attenta valutazione delle testimonianze archeologiche, epigrafiche, letterarie e iconografiche per le corse dei cavalli", il volume discute il salvataggio dei bronzi al largo dell'Euboia settentrionale, la loro condizione iniziale e il restauro prima di descrivere e analizzare di volta in volta ogni parte del cavallo e del suo giovane fantino.

  Hemingway esamina in dettaglio la costruzione della scultura, confrontandola con esempi simili, e valuta i tentativi degli studiosi negli ultimi settant'anni di datare i bronzi e identificarne lo scopo. Gli storici dell'arte hanno ipotizzato che i bronzi rappresentino una scena di caccia o di battaglia, ma Hemingway si schiera con chi la interpreta come una rappresentazione delle corse dei cavalli, "il più prestigioso e splendido di tutti gli sports greci". Il libro si conclude con l'analisi chimica e l'esame metallografico dei bronzi di Helen Andreopolou-Mangou.

    CONDIZIONE: NUOVO. Nuova copertina rigida con sovraccoperta. Università della California (2004) 222 pagine. Senza macchia ad eccezione di bordi molto lievi e mensole angolari sulla sovraccoperta. Le pagine sono incontaminate; pulito, nitido, non marcato, non mutilato, strettamente rilegato, senza ambiguità non letto. L'abbigliamento da scaffale si presenta principalmente sotto forma di "increspature" molto deboli sulla testa del dorso della sovraccoperta e sulle "punte" inferiori (i due angoli inferiori aperti della sovraccoperta, davanti e dietro). Sfortunatamente, tuttavia, il leggero increspamento sulla testa del dorso della sovraccoperta è accompagnato da un debole/piccolo accartocciamento lungo il bordo superiore del lato anteriore della sovraccoperta, e un accompagnamento di 1/2 pollice chiuso, uno strappo del bordo ben riparato sul bordo superiore della sovraccoperta. fronte della sovraccoperta, proprio in corrispondenza della testata del dorso. Abbiamo riparato con cura lo strappo del bordo chiuso dalla parte inferiore della sovraccoperta e l'abbiamo ritoccato con un pennarello a base di olio. Di conseguenza non è un difetto evidente (in effetti è improbabile che venga notato se non si sa dove guardare). La condizione è del tutto coerente con il nuovo stock da un ambiente di libreria in cui i nuovi libri potrebbero mostrare lievi segni di usura sugli scaffali, conseguenza della manipolazione di routine e semplicemente essere accantonati e ricollocati. Soddisfazione garantita incondizionatamente. In magazzino, pronto per la spedizione. Nessuna delusione, nessuna scusa. IMBALLAGGIO PESANTEMENTE IMBOTTITO, SENZA DANNI! Descrizioni meticolose e accurate! Vendita online di libri di storia antica rari e fuori catalogo dal 1997. Accettiamo resi per qualsiasi motivo entro 14 giorni! #8393i.

 

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SI PREGA DI VEDERE LE RECENSIONI DELL'EDITORE, DEI PROFESSIONISTI E DEI LETTORI QUI SOTTO.

  RECENSIONI DELL'EDITORE: 

  RECENSIONE: Nel 1928, e di nuovo nel 1937, parti di un cavallo di bronzo di grandi dimensioni e di un fantino quasi completo furono recuperate dal mare al largo di Capo Artemision in Grecia, dove erano naufragate. Queste originali sculture ellenistiche, conosciute insieme come "Gruppo di cavalli e fantini di Artemision", sono tra le pochissime sculture in bronzo sopravvissute dell'antichità.

  Sean Hemingway è stato autorizzato dal Museo Nazionale di Atene a indagare sul gruppo statuario del cavallo e del fantino come nessuno ha mai fatto prima, e in questo libro, combinando metodi di indagine archeologici e storici dell'arte, fornisce il primo studio approfondito di questo monumento raro e bellissimo. Nuove analisi tecniche delle statue di Helen Andreopoulou-Mangou formano un'appendice al volume.

  Hemingway inizia con un'introduzione alla statuaria ellenistica in bronzo e ciò che sappiamo di questa straordinaria classe di scultura antica. Racconta poi con dettagli avvincenti la scoperta e il meticoloso restauro del gruppo statuario, descrivendo la tecnica della sua creazione e rivedendo attentamente le conoscenze e le speculazioni accademiche su di esso.

  Fornisce anche un prezioso compendio di ciò che è noto sull'antica corsa dei cavalli dell'antica Grecia, il più prestigioso e splendido di tutti gli sports greci. Dopo un'attenta considerazione di tutte le prove disponibili, specula ulteriormente sul significato e sulla funzione originali dell'opera. Il suo studio offre uno scorcio dell'eccellenza raggiunta dagli scultori in bronzo ellenistici e diventerà la risorsa definitiva su questa scultura unica dell'antica Grecia.

RECENSIONE: Nel 1928, e di nuovo nel 1937, parti di un cavallo di bronzo di grandi dimensioni e di un fantino quasi completo furono recuperate dal mare al largo di Capo Artemision in Grecia, dove erano naufragate. Questo lavoro inizia con un'introduzione alla statuaria ellenistica in bronzo e ciò che sappiamo di questa straordinaria classe di scultura antica.

RECENSIONE: Nel 1928 e di nuovo nel 1936, parti di un cavallo di bronzo di grandi dimensioni e di un fantino quasi completo furono recuperate dal mare al largo di Capo Artemision in Grecia, dove erano naufragate. Queste sculture ellenistiche originali, conosciute insieme come "Gruppo di cavalli e fantini di Artemision", sono tra le pochissime sculture in bronzo sopravvissute dell'antichità. Questo libro fornisce il primo studio approfondito di questo raro e bellissimo monumento.

RECENSIONE: Questo sarà lo studio definitivo della storia, del contesto culturale e della composizione artistica di una delle pochissime sculture in bronzo ellenistiche sopravvissute, quella di un cavallo e un fantino di Artemision.

RECENSIONE: Seán Hemingway è Curatore Associato presso il Dipartimento di Arte Greca e Romana del Metropolitan Museum of Art di New York.

RECENSIONE: Seán Hemingway è Curatore presso il Dipartimento di Arte Greca e Romana del Metropolitan Museum of Art di New York. Esperto archeologo, il Dr. Hemingway ha scavato siti preistorici, classici e romani in Grecia e Spagna ed è attualmente lo specialista dei metalli per gli scavi di Palaikastro nella parte orientale di Creta. Hemingway ha assistito alla reinstallazione di gran parte della collezione permanente del Met, comprese le Gallerie arcaiche e greche classiche, le Gallerie cipriote e le Gallerie ellenistiche e romane. Ha anche curato mostre speciali tra cui "Immagini storiche dell'età del bronzo greca" (2011), "Sleeping Eros" (2013) e "The Boxer: An Ancient Masterpiece" (2013). È autore di numerose pubblicazioni accademiche tra cui un libro sulla scultura in bronzo ellenistico, "The Horse and Jockey from Artemision: A Bronze Equestrian Monument of the Hellenistic Period", e un romanzo, The Tomb of Alexander. [Museo Getty].

   

  SOMMARIO:

Elenco delle illustrazioni.

Prefazione.

1. Statuario in bronzo ellenistico: un'introduzione.

2. Uno scavo di salvataggio subacqueo precoce.

3. Analisi tecnica.

4. Questioni di stile e identificazione.

5. Ippica greca antica.

6. Conclusioni.

Appendice: Analisi chimica del gruppo cavallo e fantino da Artemision nel Museo Archeologico Nazionale, Atene, di Helen Andreopoulou-Mangou.

Appunti.

Bibliografia.

Indice

  RECENSIONI PROFESSIONALI: 

  RECENSIONE: Questo è il primo trattamento completo del famoso cavallo e fantino di Artemision. Mai prima d'ora è stata raccontata l'intera storia del salvataggio subacqueo; né è stata pubblicata la storia della conservazione del gruppo. Gli affascinanti disegni dei primi restauri e le prime fotografie sono tutti pubblicati qui, molti per la prima volta. L'analisi tecnica aggiornata di Hemingway, combinata con la sua analisi dello stile e dell'iconografia e la sua discussione sull'antica corsa dei cavalli, rendono il suo libro fondamentale per tutti coloro che desiderano studiare questo gruppo statuario. Infatti, con la sua attenzione alla scoperta, alla conservazione, alla tecnica, alla storiografia e allo stile, il libro servirà da modello per la futura borsa di studio sulla scultura antica. [Carol Mattusch, autrice di "Bronzi classici: l'arte e l'artigianato della statuaria greca e romana"].

RECENSIONE: Una delle sculture più attraenti e popolari del Museo Archeologico Nazionale di Atene è il gruppo di cavalli e fantini in bronzo, che è stato recuperato dal mare al largo di Capo Artemisio, all'estremità settentrionale dell'isola greca di Euboia. Le parti furono trovate per la prima volta nel 1928 con il resto nel 1936. Seán Hemingway ha iniziato a studiare il gruppo in un seminario del Bryn Mawr College nel 1992, includendolo infine nella sua tesi di dottorato del 1997 su tutti i bronzi di Artemision. È ora, meritatamente, il fulcro di questa monografia. Questo libro è l'ultima aggiunta ad altri quarantaquattro nella prestigiosa serie sulla cultura e la società ellenistica pubblicata dalla University of California Press.

  Il libro di Hemingway si compone di cinque capitoli con una conclusione e un'appendice contenenti i risultati delle analisi chimiche e dell'esame metallografico della scultura eseguiti da Helen Andreopoulou-Mangou del Laboratorio di Chimica del Museo Archeologico Nazionale di Atene. Il cavallo e il fantino è speciale per essere uno dei pochi bronzi originali su larga scala datati in modo sicuro al periodo ellenistico. È approssimativamente a grandezza naturale e consiste in un cavallo a metà galoppo, su cui è seduto un giovane fantino, che si guarda indietro.

  Sorprendentemente, lo scultore sconosciuto di questo capolavoro ha catturato l'eccitazione e la vitalità di una corsa di cavalli nel bel mezzo dell'azione. Lo studio accademico e sobrio di Hemingway combina un esame tecnico, stilistico e iconografico del gruppo con informazioni archeologiche, epigrafiche, letterarie e iconografiche sull'antica corsa dei cavalli per dare una migliore comprensione del monumento e dello scopo della sua commissione. Hemingway inizia utilmente la sua indagine sulla scultura nel capitolo 1 con una spiegazione dei metodi di fusione a cera persa cava e una breve rassegna di noti bronzi ellenistici.

  All'interno di questo corpus sono contenute opere come l'Eros addormentato, il ritratto di un filosofo del naufragio di Antikythera e il nascondiglio di statue di bronzo trovate al Pireo nel 1959, inclusa la statua di Apollo, che molti studiosi ritengono autenticamente arcaica piuttosto che un esempio di stile ellenistico arcaistico. La statuaria ellenistica in bronzo serviva fondamentalmente a funzioni pubbliche e, a giudicare dagli esempi sopravvissuti, consisteva in statue di divinità ed eroi, ritratti di sovrani, filosofi e personaggi importanti, statue di atleti e sculture di animali. Il gruppo Horse and Jockey è insolito nel combinare una scultura atletica con un animale.

  Il capitolo 2, "An Early Underwater Rescue Excavation", che fornisce la documentazione di base e la descrizione delle due statue, si legge come un racconto di avventura che coinvolge ladri, tempeste, mari pericolosi e scoperte drammatiche. Viene fornito un resoconto del luogo di ritrovamento e del recupero originale, nonché delle successive indagini sul sito del relitto dell'Artemision. La storia della conservazione delle statue è raccontata con una relazione sui metodi di pulitura e restauro utilizzati. Viene data una descrizione completa dei frammenti conservati, compresi i disegni realizzati dall'autore.

  Il capitolo 3 discute la tecnica di fabbricazione dei pezzi. Un attento esame visivo nel Museo Archeologico Nazionale ha rivelato molte informazioni sul metodo di fusione e successiva lavorazione a freddo delle superfici delle figure. Sono stati effettuati sopralluoghi sia interni che esterni. Una rassegna delle conoscenze acquisite sulle tecniche di fabbricazione di altre statue equestri in bronzo di grandi dimensioni, soprattutto in epoca ellenistica, fornisce paralleli per le tecniche utilizzate per realizzare il cavallo e il fantino. Non ci sono paralleli esatti per l'Artemision Horse and Jockey Group, tuttavia, poiché le statue equestri comparative sono per lo più di tipo "cavalleria" in marcia.

 

  Il capitolo 4 discute lo stile, la cronologia e l'iconografia di entrambe le statue del gruppo e prende in considerazione gli studi precedenti, che offrono una gamma di interpretazioni e date per i pezzi. Un esame dello stile e dell'iconografia di opere comparabili fornisce uno sfondo più consapevole rispetto al quale giudicare il Gruppo Cavallo e Fantino. Poiché il Gruppo cavallo e fantino è una delle pochissime rappresentazioni monumentali di una corsa di cavalli dell'antichità greca, il capitolo 5 è dedicato alla storia della corsa di cavalli singoli.

  Si fanno risalire le origini della corsa unifilare nel periodo orientalizzante (VII secolo aC) e quindi il suo sviluppo attraverso il periodo arcaico e classico fino alla fine del periodo ellenistico. La corsa a cavallo singolo era una caratteristica dei giochi nei santuari panellenici e altrove e sembra essere stata un'attività più limitata rispetto ad altri tipi di equitazione, a giudicare da prove che iniziano già nel periodo geometrico. Oltre alle prove archeologiche, tra cui la scultura, la pittura vascolare e l'architettura sotto forma di ippodromi, ci sono prove epigrafiche, in particolare dediche e liste di victor , e testimonianze letterarie.

  Il capitolo 6 offre una sintesi dello studio e un'interpretazione del gruppo statuario. Sebbene le due parti del Cavallo siano state trovate separatamente e a distanza l'una dall'altra, Hemingway ha dimostrato in modo convincente nel suo studio che appartengono alla stessa statua e che il Fantino va con il Cavallo. Un restauro del gruppo effettuato nel 1972 contiene alcuni problemi: la zampa anteriore destra del Cavallo non poteva essere riposizionata senza danni e dovrebbe essere più alta, e lo stile della coda è troppo rigido. Il Fantino si inclina troppo a sinistra e la sua gamba destra dovrebbe combaciare con la sinistra nel voltarsi per pungolare il cavallo con i suoi spurs .

  Il maggior spessore del bronzo nelle zampe posteriori del Cavallo indica che sarebbero stati i principali supporti del gruppo. Segni di usura sulla testa del cavallo e uno spillo sotto il mento supportano la ricostruzione di un'elaborata briglia, oggi perduta. Entrambe le statue sono state fuse in sezioni mediante il processo indiretto a cera persa e assemblate mediante saldatura a flusso. Gli zoccoli del cavallo e la pelle del fantino erano originariamente patinate di nero. Gli intarsi originali erano gli occhi di entrambe le figure e il marchio di una figura Nike sulla coscia posteriore destra del cavallo. Parte dell'occhio destro intarsiato del Fantino rimane al suo posto, sebbene gravemente corroso.

  Gli studiosi hanno precedentemente datato il gruppo dalla fine del IV secolo a.C. al I secolo a.C. Hemingway conclude che la data più probabile per il gruppo è la seconda metà del II secolo a.C., basata su una combinazione di caratteristiche classicheggianti e realismo in entrambe le statue, e la rappresentazione di un'etnia riconoscibile e la posa contorta del fantino. Le statue sono state attribuite in precedenza a vari scultori, tra cui Kalamis, Lisippo e la scuola di Pergamena, ma Hemingway non ritiene che nessuna di queste attribuzioni possa essere supportata data la mancanza di sufficienti opere originali in bronzo che possano essere datate con sicurezza al periodo ellenistico.

  La fisionomia del fantino e la pelle nera originale sono quelle di un etiope, ma la sua pettinatura è greca, il che implica che è di origine mista. È molto probabilmente un fantino professionista o addestrato. Dopo aver considerato tre probabili contesti per la funzione originale del cavallo e del fantino (funeraria, decorativa o dedicatoria), Hemingway sostiene che la migliore interpretazione è che il gruppo sia stato allestito in un santuario per onorare una o più vittorie nelle corse dei cavalli. Le grandi dimensioni del monumento e l'alta qualità della scultura suggeriscono la commissione di un aristocratico greco reale o ricco.

  La considerazione di diversi relitti tardo ellenistici che trasportavano carichi di sculture (l'Antikythera, il Mahdia e l'Artemision) porta Hemingway a concludere che il gruppo del cavallo e del fantino fosse un qualche tipo di saccheggio. Con un terminus ante quem del 146 a.C. e un'analisi stilistica che colloca la statua nella seconda metà del II secolo a.C., al gruppo viene data una datazione intorno al 150-146 a.C.

  Hemingway deve essere lodato per aver prodotto un resoconto altamente leggibile di una delle statue più avvincenti sopravvissute dall'antichità, e per il suo approccio, che presenta alternativamente un focus ristretto sul cavallo e il fantino, poi ampliato per includere il suo contesto di altri Bronzi ellenistici e relativo soggetto relativo all'ippica greca come una delle manifestazioni atletiche nell'attività di culto dei santuari religiosi. La monografia è una risorsa inestimabile non solo su questo particolare gruppo di statue, ma anche su questi altri argomenti.

 

  Inoltre, lo studio è un modello nella sua presentazione di prove visive: le fotografie sono abbondanti, leggibili e pertinenti; sono inclusi disegni che mostrano in grande dettaglio le giunzioni metallurgiche, le toppe colate, le toppe martellate, i restauri moderni e gli elementi aggiunti come viti, fori e perdite e persino caratteristiche enigmatiche. Questi disegni sono stati realizzati dall'autore stesso di ciascuna delle quattro viste principali sia del cavallo che del fantino. È uno studio scrupoloso che consiglio vivamente. [Bryn Mawr Classical Review].

  RECENSIONI DEI LETTORI: 

  RECENSIONE: Il cavallo corre al galoppo, mentre il giovane cavaliere, indossando una corta tunica, si aggrappa al potere per restare a cavalcioni. Probabilmente ha preso le redini con la mano sinistra e una frusta con la destra. L'opera è un affascinante esempio della passione umana che gli artisti del periodo ellenistico realizzarono infondendo nei suoi momenti più ispirati. È stato trovato in pezzi nell'area di un naufragio al largo di Capo Artemision, nell'Eubea settentrionale, come Zeus o Poseidone. Risalente al 140 aC circa Un libro straordinario che comprende un esame avvincente e affascinante di un notevole manufatto antico.

RECENSIONE: Cinque stars ! Storia eccezionalmente ben presentata e avvincente!

  SFONDO AGGIUNTIVO: 

  RECENSIONE: Il fantino di Artemision è una grande statua ellenistica in bronzo di un giovane ragazzo a cavallo, datata intorno al 150-140 a.C. Si tratta di una rara statua in bronzo originale sopravvissuta dell'antica Grecia e un raro esempio nella scultura greca di un cavallo da corsa. La maggior parte dei bronzi antichi sono stati fusi per le loro materie prime qualche tempo dopo la creazione, ma questo è stato salvato dalla distruzione quando è stato perso in un naufragio nell'antichità, prima di essere scoperto nel XX secolo.

  Potrebbe essere stato dedicato agli dei da una persona facoltosa per onorare le vittorie nelle corse dei cavalli, probabilmente nella corsa a cavallo singolo. L'artista è sconosciuto. La statua è stata trovata in un naufragio al largo di Capo Artemision, nel nord dell'Eubea, scoperto nel 1926. Nel relitto sono state trovate anche parti dell'Artemision Bronze. Le prime parti della statua equestre furono recuperate nel 1928, con ulteriori pezzi rinvenuti nel 1936 e/o 1937.

  La statua è stata riassemblata, dopo il restauro della coda e del corpo del cavallo, ed è stata esposta al Museo Archeologico Nazionale di Atene nel 1972. L'artista originale e le circostanze in cui l'opera è stata creata sono sconosciute, tuttavia, Seán Hemingway ha suggerito che potrebbe essere stata saccheggiata da Corinto nel 146 a.C. dal generale romano Mummio nella guerra achea e data ad Attalo ma persa durante il transito a Pergamo.

  La statua equestre è approssimativamente a grandezza naturale, con una lunghezza di 2,9 metri (9,5 piedi) e 2,1 metri (6,9 piedi) di altezza. È stato fuso in pezzi utilizzando un processo indiretto a cera persa e quindi assemblato con saldatura a flusso. Mancano alcune parti, come la frusta e le redini del cavaliere, e le briglie del cavallo. Il cavallo e il suo cavaliere sono resi realisticamente, come se fossero catturati mentre il cavallo si allontana al galoppo, con i piedi posteriori a terra e le zampe anteriori sollevate.

  Il bronzo delle gambe posteriori è più spesso, a indicare che erano il principale mezzo di sostegno della statua. L'immagine della dea Nike è incisa sulla coscia destra del cavallo, che tiene una ghirlanda con le mani alzate; un marchio per cavalli da corsa nell'antica Grecia. Il cavallo fa sembrare nano il suo fantino, un ragazzo alto solo 84 centimetri (2,76 piedi) e forse di 10 anni, forse dall'Africa in base alla sua fisionomia e alla colorazione della superficie patinata nera originale.

  La sua acconciatura, tuttavia, è greca, suggerendo un'eredità mista. Cavalca senza sella senza sella. Indossa sandali e un chitone corto, e si guarda dietro la spalla sinistra. [Wikipedia]

  RECENSIONE: Nell'autunno del 1928, le statue di bronzo frammentarie di un cavallo, un ragazzo e un dio furono recuperate da una nave affondata vicino a Capo Artemision. Dopo molti studi e restauri, il cavallo e il ragazzo sono stati accoppiati come un unico gruppo scultoreo. Le caratteristiche del cavallo e del cavaliere, e tutto lo studio e il dibattito che li circonda, fanno un meraviglioso studio del bronzo ellenistico e dove è simile e diverso dalla statuaria greca classica. La coppia viene catturata in un momento di grande dramma. Il cavallo ha due gambe sollevate da terra, dando l'impressione che galoppi a tutta velocità.

  I suoi occhi spalancati, le orecchie appiattite e le vene esagerate mostrano vividamente la sua tensione. Le sue ampie narici, la bocca socchiusa e la lingua penzolante consentono quasi allo spettatore di vederlo ansimare e schiumare mentre si spinge fino alla fine della gara. Il ragazzo siede a cavalcioni del suo cavallo, il suo corpo appoggiato al collo dell'animale per controbilanciare l'andatura saltellante del cavallo. In una mano stringe un frammento delle redini preesistenti mentre l'altra mano è pronta a tenere una frusta o un frustino.

 

  Il drappeggio dei suoi abiti semplici e le ciocche dei suoi capelli svolazzano liberamente al vento. La sua bocca è aperta e rilassata, mostrando la sua stanchezza come quella del cavallo. Qui, il bronzo funge da mezzo molto espressivo. La lucentezza metallica della sua pelle e la pelle del cavallo emanano l'aspetto di un sudore scintillante. Le labbra carnose e il naso largo del ragazzo sono considerati da molti studiosi un'indicazione di origine etiope.

  La datazione del Cavallo e del Fantino è oggetto di acceso dibattito tra storici dell'arte e archeologi. Mentre la maggior parte degli studiosi ora concorda sul fatto che il cavallo da corsa al galoppo e il bambino appartengano insieme, molti discutono ancora sul fatto che siano stati creati nella stessa epoca. Nel suo libro, Il cavallo e il fantino di Artemision, Sean Hemingway dedica molto tempo all'esame di queste diverse teorie. Molti concordano sul fatto che il volto del cavallo, così come l'equilibrio e la simmetria della sua posa, riflettano la sensibilità classica, in particolare come si vede nelle sculture in rilievo di cavalli (cioè il fregio del Partenone).

  Altri, tuttavia, sottolineano rapidamente le vene tese e le pieghe della pelle del cavallo, così come i piccoli ciuffi di pelo sulle caviglie mostrano una tendenza ellenistica all'espressione drammatica e ai dettagli decorativi. Il ragazzo è visto più coerentemente come un contributo ellenistico. Ciò è dovuto all'attenzione data all'identità razziale del ragazzo, nonché all'espressivo drappeggio che si srotola al vento e allo sforzo e alla stanchezza mostrati sul suo volto. Chi crede che il gruppo sia in parte un pastiche complica ulteriormente la discussione. Un pastiche è un'opera che imita consapevolmente un'altra epoca.

  Indipendentemente dalle teorie corrette, questo cavallo e il suo ragazzo mostrano un paradigma spesso visto nella scultura ellenistica: la combinazione di ideali classici greci con espressione, dramma ed energia aggiunti. [Università Furman].

  RECENSIONE: Nel mondo greco-romano, i cavalli da corsa erano potenti simboli usati sia dagli individui che dallo stato per esprimere potere, incoraggiare l'orgoglio civico e celebrare eventi speciali. Per i greci, le corse dei carri probabilmente iniziarono intorno al 1500 aC e divennero un elemento centrale delle loro feste più sacre. Un ricordo di questi primi concorsi appare nella descrizione di Omero dei giochi funebri in onore del guerriero caduto Patroclo, durante i quali i re e gli eroi greci corrono una volta intorno a un ceppo d'albero per il premio di una schiava.

  Forse un secolo dopo la fondazione delle Olimpiadi nel 776 aC, le corse dei carri e dei fantini furono incluse nei giochi. Ciò ha offerto alle famiglie l'opportunità di mostrare la loro ricchezza "hippica" - o cavallo - come capitale sociale e politico, spiega lo storico Donald Kyle dell'Università del Texas ad Arlington. Eppure, per i romani, le gare hippie facevano altrettanto spesso parte di stravaganti esibizioni sponsorizzate dallo stato intese a intrattenere le masse.

  Lo storico Livio afferma che il primo e più grande ippodromo romano, il Circo Massimo, fu costruito da Lucio Tarquinio Prisco, il leggendario quinto re di Roma (regnò dal 616 al 579 a.C.), in una valle tra l'Aventino e il Palatino. Sebbene in origine fosse un semplice spazio ovale aperto simile a un ippodromo greco, i romani crearono gradualmente un enorme edificio in stile stadio che, nel I secolo d.C., poteva ospitare forse fino a 250.000 spettatori.

  Mentre c'erano certamente altri eventi piacevoli per la folla come le gare di gladiatori nell'antica Roma, "la corsa dei carri è il primo e più duraturo spettacolo importante nella storia romana", afferma Kyle. [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: I fondali marini custodiscono favolose opere d'arte dell'antico passato. La tecnologia di immersione profonda consente l'accesso alle nostre lontane fondamenta culturali. Una bellissima statua in bronzo di Zeus (o forse Poseidone) è stata recuperata da un naufragio a Capo Artemisio, in Grecia. È un bell'esempio dello stile Severo del primo periodo classico, V secolo aC Questa statua in bronzo a grandezza naturale nel Museo Archeologico Nazionale di Atene è conosciuta come "La Gioventù di Antikythera". Fu recuperato nel 1903 dal relitto di Antikythera. La figura potrebbe rappresentare Parigi che tiene in mano la Mela del Conflitto, riferendosi a un evento mitico che alla fine portò alla guerra di Troia.

  La statua in bronzo composita del cavallo e del fantino fu pescata in pezzi nel 1928 e nel 1936 sulla punta settentrionale dell'isola di Eubea, vicino a Capo Artemisio. La statua risale al periodo ellenistico Il riferimento accademico di riferimento per quest'opera d'arte è Sean Hemingway, "Il cavallo e il fantino di Artemision" (Berkeley: Univ. della California Press, 2004). La testa di un'altra statua in bronzo è stata recuperata dal naufragio di Antikythera, noto come il Filosofo. I sommozzatori greci raccolsero altri componenti della statua durante il salvataggio del relitto nel 1903. Anche questo è in mostra al Museo Archeologico Nazionale di Atene.

  Molte favolose opere d'arte del mondo antico sono state recuperate da siti sottomarini. Le statue di bronzo, in particolare, hanno maggiori probabilità di sopravvivere sott'acqua che a terra. Questo perché il bronzo è un materiale prezioso utile per molte applicazioni. Il bronzo antico potrebbe essere stato originariamente fuso in una statua, ma in seguito fuso e rimodellato in spade o scudi se un nemico minacciava. Più tardi ancora, quel bronzo potrebbe essere stato riciclato per fare campane o cannoni da chiesa. Alcune delle più belle opere d'arte antiche in bronzo provengono da relitti o altri siti sottomarini.

 

  Diversi esempi eccellenti si trovano nel Museo Archeologico Nazionale di Atene, in Grecia. La collezione del naufragio di Antikythera di opere d'arte in bronzo e marmo è una mostra spettacolare in quel museo. Alcune delle grandi statue di marmo del relitto di Antikythera sono esposte nel cortile del museo. Accanto alle opere d'arte c'è un cartello con il seguente testo: "Il naufragio di Antikythera. Un importante gruppo scultoreo in marmo e bronzo fu scoperto casualmente dai pescatori di spugna di Symi a Pasqua del 1900. Giaceva sul fondo del mare al largo della costa orientale di Antikythera a una profondità di circa 50 metri".

  "Durante le esplorazioni subacquee, che sono durate dieci mesi e si sono svolte in condizioni molto avverse, gli stessi pescatori di spugna hanno recuperato 108 oggetti in bronzo e marmo, la maggior parte dei quali erano statue e statuette. Hanno anche recuperato alcune ceramiche, per la maggior parte di greggio. I pezzi di marmo erano gravemente corrosi dall'azione dell'acqua di mare. Tuttavia, tra loro sono state identificate figure di divinità (Apollon, Zeus, Hermes e Afrodite) ed eroi (Eracle, Ulisse, Achille o Diomede), nonché torsi di atleti o danzatori, e ci sono alcune imponenti statue di cavalli.

  "Le statue sono copie o rielaborazioni di originali risalenti al periodo classico, al IV sec. La maggior parte delle sculture del naufragio risalgono al I secolo a.C. Nel Museo Nazionale sono esposti due bronzi provenienti dal naufragio: la statua di fanciullo nudo, detto "Gioventù di Anticitera", attribuito allo scultore Eufranore o alla sua scuola e il testa e parti del corpo di una statua di filosofo.

  Uno dei reperti più importanti del naufragio è il complicato meccanismo in bronzo noto come 'Meccanismo di Antikythera' che è probabilmente uno strumento per misurare il tempo e le stagioni, in base alla posizione dei pianeti. Questo raro reperto è in mostra nella Collezione Bronze. Rimane sconosciuto il porto di partenza della nave che affondò con il suo prezioso carico al largo di Antikythera nel I secolo aC. Si trattava probabilmente di Delo o, secondo un'altra visione, di un porto della costa dell'Asia Minore. La sua destinazione, però, doveva essere Roma.

  Durante i travagliati periodi storici legati alla conquista romana del mondo ellenistico, in questa città furono raccolte opere d'arte, in particolare sculture, provenienti da tutto il mondo greco, sia come bottino di guerra che come oggetti da collezione. Cos'altro giace sul fondo del mare profondo, in attesa di essere scoperto? [Istituzione oceanografica di Woods Hole].

  RECENSIONE: Gli antichi greci furono grandi innovatori nell'uso del bronzo per la scultura. Seán Hemingway esamina la scultura in bronzo greca dai suoi inizi nel periodo geometrico (circa dall'VIII al VII secolo a.C.) fino al periodo ellenistico (323-31 a.C. circa). Illustra le conquiste dei maestri scultori greci esaminando da vicino una serie di eccezionali esempi di scultura in bronzo greca. La figura maschile greca arcaica per eccellenza era il kouros o il giovane maschio nudo in piedi a riposo, ma il mezzo del bronzo offriva opportunità per composizioni scultoree dinamiche che iniziarono ad essere esplorate nel tardo arcaico e nel primo periodo classico: divinità, cacciatori, atleti e guerrieri forniti un'ampia varietà di nuovi tipi. [Museo Getty].

  RECENSIONE: Alcuni dei più antichi miti della tradizione indoeuropea riguardano l'esistenza di cavalli soprannaturali o divini. Il primo testo in sanscrito, o addirittura in qualsiasi lingua indoeuropea, la famiglia che comprende la maggior parte delle lingue principali dell'Europa, dell'Asia meridionale e di parti dell'Asia occidentale e centrale, è il Rig Veda, una raccolta di inni sacri scritti a volte in alla fine del II millennium aC, durante l'età del bronzo. Tra i suoi oltre 1.000 inni ci sono preghiere e poesie che fanno appello e onorano gli dei.

  All'epoca della stesura del Rig Veda, i miti a cui fa riferimento erano già vecchi di secoli, se non millenni, ma fu durante l'età del bronzo che i popoli di lingua indoeuropea iniziarono a viaggiare e commerciare per grandi distanze, portando con sé credenze che furono poi comunicate in un vasto territorio, che si estendeva dall'Asia alla Scandinavia. Le prove archeologiche raccolte in Europa forniscono i paralleli più forti con i primi miti indoeuropei stabiliti per la prima volta nel subcontinente indiano, afferma Kristian Kristiansen dell'Università di Gothenberg.

  Uno dei più importanti di questi miti condivisi dell'età del bronzo è quello del culto del sole, in cui il viaggio quotidiano del sole è simboleggiato da un cavallo che trascina un carro attraverso i cieli. Questo è anche ampiamente interpretato come il viaggio dalla morte all'aldilà. Anche nell'antica mitologia greca e nordica ci sono cavalli soprannaturali. Lo stallone alato Pegaso è figlio del dio Poseidone e della Gorgone Medusa, dal cui collo nacque quando fu decapitata da Perseo. Dopo aver domato Pegaso, l'eroe di Corinto Bellerofonte tenta di cavalcare il cavallo fino alla casa degli dei sul Monte Olimpo.

  Ma Zeus costringe il cavallo a sgroppare, rimandando Bellerofonte sulla Terra come punizione per il suo orgoglio. Pegaso continua il suo viaggio verso il cielo per vivere nelle stalle di Zeus e portare i suoi fulmini. Zeus ha anche posto Pegaso nel cielo come una costellazione che segna l'arrivo della primavera. Anche Odino, il potente dio nordico della guerra, della poesia, della conoscenza e della saggezza, ha un cavallo divino al suo servizio. Rinomato per la sua velocità, il cavallo a otto zampe Sleipnir porta Odino nei suoi viaggi attraverso i Nove Mondi che sono le patrie degli elementi presenti nella visione del mondo norrena: umanità, tribù di dei e dee, giganti, fuoco, ghiaccio, nani, elfi , e morte. [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: Una volta che i cavalli furono addomesticati, iniziarono a svolgere un ruolo importante nei rituali funebri. Gli archeologi hanno trovato ossa di cavallo mescolate a resti di mucca e pecora in sepolture umane nella steppa eurasiatica risalenti al 5000 aC Tutti gli animali furono probabilmente sacrificati e mangiati durante i rituali funebri. In seguito, il ruolo sempre più singolare svolto dai cavalli nelle vite umane si rifletteva in riti di sepoltura più elaborati praticati da culture non correlate dalla Cina all'Inghilterra.

  Forse il primo ad accordare ai cavalli un ruolo onorato nelle sepolture fu il popolo Sintashta, una cultura sedentaria che costruì grandi insediamenti fortificati a sud degli Urali intorno al 2000 aC Membri importanti di questa società furono sepolti con i loro carri e i cavalli che li trainavano. A differenza di altri animali che potrebbero essere stati sacrificati e mangiati durante i riti funebri, questi cavalli sono andati intatti con i loro proprietari nell'aldilà.

  Molte culture della steppa venute dopo il Sintashta praticavano anche sepolture di cavalli. In Siberia, i Pazyrk dell'età del ferro del V secolo a.C. seppellivano i loro nobili morti in enormi tumuli, accompagnati da cavalli dotati di selle di stoffa e copricapi drammatici. Ma fu in Cina che le sepolture di cavalli raggiunsero la loro espressione più elaborata. Gli scavi della tomba del VI secolo aC del sovrano cinese, il duca Jing di Qi, hanno rivelato i resti di 200 cavalli, che avrebbero rappresentato una vasta fortuna.

 

  La tomba non è stata completamente scavata e alcuni archeologi stimano che potesse contenere fino a 600 cavalli. Questo numero è eguagliato solo dalle rappresentazioni di cavalli che accompagnano l'esercito di terracotta scoperte nelle fosse vicino al famoso mausoleo del primo imperatore cinese, Qin Shihuangdi (r. 220-210 a.C.). Gli archeologi stimano che vi fossero sepolti 130 carri, insieme a raffigurazioni in bronzo e terracotta di oltre 650 cavalli. [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: Verso la metà del II millennium aC, l'uso dei cavalli in guerra era diventato comune in tutto il Vicino Oriente e in Egitto. Questo sviluppo è stato reso possibile dai progressi sia nella progettazione dei carri, in particolare l'invenzione della ruota a raggi, che ha sostituito la ruota in legno massiccio e ha ridotto il peso di un carro, sia l'introduzione di punte interamente in metallo, che hanno dato ai conducenti di carri un maggiore controllo sopra i loro cavalli. Sebbene la guerra dei carri fosse costosa e la sua efficacia fosse determinata dalla durata dei carri e dall'idoneità del terreno, i veicoli divennero un equipaggiamento essenziale per il campo di battaglia.

  Secondo l'archeologo Brian Fagan dell'Università della California, Santa Barbara, i carri dell'età del bronzo fungevano in gran parte da piattaforme mobili per il tiro con l'arco, mentre i più ingombranti a quattro ruote venivano utilizzati anche per trasportare i re in battaglia o per consentire ai generali di osservare i combattimenti. Le versioni a due ruote più leggere, come quelle trovate nella tomba di Tutankhamon, erano più adatte a trasportare un singolo arciere e un pilota. Una delle fonti più informative per l'uso dei cavalli da carro nell'antico Vicino Oriente è una tavoletta scoperta nel 1906-1907 nell'archivio reale nel sito ittita di Hattusa in Anatolia.

  Il "Testo Kikkuli", scritto in caratteri cuneiformi e datato intorno al 1400 a.C., prende il nome dal suo autore. Kikkuli si presenta in prima linea come un "addestratore di cavalli dalla terra dei Mitanni", uno stato in quella che oggi è la Siria settentrionale e la Turchia sudorientale. Descrive quindi un ciclo di allenamento di circa 184 giorni che inizia in autunno, in cui include istruzioni per l'alimentazione, l'irrigazione e la cura dei cavalli, raccomandando riposo stabile, massaggi e coperte. Per quasi un millennium , i cavalli da guerra furono usati quasi esclusivamente per trainare i carri, ma dopo circa l'850 aC i carri iniziarono a declinare. I cavalli, tuttavia, non persero mai la loro utilità in battaglia.

  Nel giro di circa 150 anni, la cavalleria, che è adatta a quasi tutti i terreni, sostituì virtualmente i carri nel Vicino Oriente e, infine, i carri trainati da cavalli furono impiegati principalmente per le corse, nelle parate cerimoniali e come veicoli di prestigio. Col tempo questo è successo non solo in questa regione, ma anche in gran parte dell'Europa. L'ascesa della vera cavalleria fu la forza determinante dietro molti dei principali eventi che influenzarono la storia europea, tra cui la sconfitta dei Saraceni da parte di Carlo Martello nella battaglia di Poitiers nel 732 d.C., la creazione del Sacro Romano Impero e la vittoria di Guglielmo il Conquistatore alla battaglia di Hastings nel 1066 d.C. "Penso che lo sviluppo più importante della storia rispetto agli animali sia stata l'adozione del cavallo come arma di guerra", afferma Fagan. [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: La prima prova di incontri tra umani e cavalli si trova nei siti paleolitici in Eurasia. Le ossa di cavallo macellate indicano che i primi popoli usavano i cavalli come un'importante fonte di cibo. Ma questi animali veloci e vivaci hanno anche chiaramente acceso l'immaginazione umana in modi che altri animali non hanno fatto. Le loro raffigurazioni abbondano nell'arte rupestre del Paleolitico, dove i cavalli appaiono più frequentemente di qualsiasi altro animale. Nel Nuovo Mondo, dove ha avuto origine, il cavallo si è estinto dopo l'ultima era glaciale, circa 9.000 anni fa.

  Un clima che cambia e forse la caccia eccessiva - a quel tempo gli umani condividevano l'ambiente - potrebbero essere stati fattori. Anche in gran parte del Vecchio Mondo, le specie di cavalli scomparvero quando la foresta sostituì la steppa, riducendo il loro habitat. Ma nelle steppe di quelle che oggi sono Ucraina, Russia e Kazakistan, l'Equus caballus, la specie a cui appartengono i cavalli moderni, ha continuato a prosperare in gran numero. Qualche tempo dopo il 5000 aC, le persone nella regione che avevano già familiarità con i bovini e gli ovini domestici potrebbero aver fatto il primo passo verso l'addomesticamento del cavallo.

  Nonostante fossero potenti e aggressivi, i cavalli avevano un importante vantaggio rispetto ad altri animali che erano già stati addomesticati: "I cavalli sono più facili da nutrire durante gli inverni rigidi rispetto alle pecore o ai bovini", afferma l'archeologo dell'Hartwick College David Anthony. "Sono ben adattati all'inverno nella steppa e possono sfondare il ghiaccio e la neve con gli zoccoli per raggiungere l'erba invernale per nutrirsi". Ci sono prove indirette, come le sculture in osso raffiguranti cavalli insieme al bestiame, che le persone della steppa hanno approfittato di questo tratto e hanno iniziato a mantenere mandrie di cavalli per la carne invernale.

  Ci sono anche prove che l'equitazione presto seguì l'addomesticamento. Anthony e il suo collega Dorcas Brown hanno analizzato i denti di cavallo risalenti al 3500 aC circa dal Kazakistan e hanno trovato modelli di usura coerenti con l'uso di corde o pezzi di cuoio. "Penso che la prima persona a salire su un cavallo sia stata un adolescente o un bambino", dice Anthony. "Probabilmente un bambino è saltato sul dorso di una cavalla per scherzo e tutti hanno guardato con stupore". Ma i vantaggi dell'equitazione devono essere apparsi subito evidenti.

  Non solo ha reso molto più facile la gestione del bestiame, ma avrebbe anche permesso di mantenere mandrie più grandi. L'equitazione ha permesso la diffusione di beni e idee, non ultima l'equitazione stessa, come mai prima d'ora. Il cavallo addomesticato ha trasformato la vita materiale delle persone, ma ha anche causato un cambiamento più sottile, ma radicale, nella cultura umana. "Il mondo si è aperto a persone che potevano viaggiare a cavallo", afferma Anthony. "Il loro senso delle distanze e ciò che era possibile nella vita sarebbe cambiato radicalmente". [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: Le ultime persone ad avere la loro vita trasformata dal cavallo furono le culture indigene del Nuovo Mondo, i cui antenati avevano visto il cavallo per l'ultima volta 9.000 anni prima. La reintroduzione dell'animale iniziò nel 1519, quando Hernán Cortés sbarcò in Messico con 500 uomini e 15 cavalli. Nelle campagne contro gli Aztechi e altre nazioni messicane che seguirono, la piccola cavalleria di Cortés fece una differenza fondamentale. Una carica montata nella capitale azteca di Tenochtitlan pose fine a 80 giorni di guerra campale lì, e Cortés non fu mai più seriamente sfidato.

  Una volta che i cavalli sono tornati nelle praterie da cui erano originari, hanno aiutato gli indiani delle pianure a rimodellare la loro cultura quasi da un giorno all'altro. I cavalli hanno sostituito i cani come animali da soma, il che ha permesso alle persone di trasportare molte più merci. I cavalieri intraprendenti potevano ora inseguire i bufali a cavallo e diventare cacciatori molto più efficienti. E alcune tribù, come i Lakota, abbandonarono persino l'agricoltura per diventare cacciatori di cavalli a tempo pieno.

  L'aumento della mobilità e le razzie di cavalli portarono anche a un aumento della guerra, che divenne endemica nelle pianure. Per un certo periodo, la loro padronanza del cavallo ha aiutato gli indiani delle pianure a tenere a bada l'espansione dei coloni americani verso ovest, ma anche i migliori cavalieri che il mondo abbia mai visto non hanno potuto sfidare il massiccio afflusso di popolazione reso possibile dalla locomotiva a vapore, che, subito dopo il suo invenzione, divenne noto come il "cavallo di ferro". [Istituto Archeologico d'America].

  RECENSIONE: La scultura greca dall'800 al 300 aC si ispirò presto all'arte monumentale egiziana e del Vicino Oriente e nel corso dei secoli si è evoluta in una visione unicamente greca della forma d'arte. Gli artisti greci avrebbero raggiunto un picco di eccellenza artistica che catturava la forma umana in un modo mai visto prima e che era molto copiato. Gli scultori greci erano particolarmente interessati alle proporzioni, all'equilibrio e alla perfezione idealizzata del corpo umano, e le loro figure in pietra e bronzo sono diventate alcune delle opere d'arte più riconoscibili mai prodotte da qualsiasi civiltà.

  A partire dall'VIII secolo a.C., la Grecia arcaica vide un aumento della produzione di piccole figure solide in argilla, avorio e bronzo. Senza dubbio, anche il legno era un mezzo comunemente usato, ma la sua suscettibilità all'erosione ha fatto sì che pochi esempi siano sopravvissuti. Figure in bronzo, teste umane e, in particolare, grifoni erano usati come accessori per vasi di bronzo come i calderoni. Nello stile, le figure umane assomigliano a quelle dei disegni contemporanei di ceramica geometrica, con arti allungati e un torso triangolare. Anche le figure di animali sono state prodotte in gran numero, in particolare il cavallo, e molte sono state trovate in tutta la Grecia in siti di santuari come Olympia e Delfi, indicando la loro comune funzione di offerte votive.

  Le più antiche sculture in pietra greca (di calcare) risalgono alla metà del VII secolo aC e sono state trovate a Thera. In questo periodo divennero più comuni figure autoportanti in bronzo con una propria base e si tentarono soggetti più ambiziosi come guerrieri, aurighi e musicisti. La scultura in marmo appare dall'inizio del VI secolo aC e iniziarono a essere prodotte le prime statue monumentali a grandezza naturale. Questi avevano una funzione commemorativa, offerti nei santuari al servizio simbolico degli dei o usati come lapidi.

  Le prime grandi figure di pietra (kouroi - giovani maschi nudi e kore - figure femminili vestite) erano rigide come nelle statue monumentali egiziane con le braccia tenute dritte lungo i fianchi, i piedi quasi uniti e gli occhi fissano con sguardo assente in avanti senza alcuna particolare espressione facciale . Queste figure piuttosto statiche si sono lentamente evolute e con l'aggiunta di dettagli sempre maggiori a capelli e muscoli, le figure hanno cominciato a prendere vita. Lentamente, le braccia si piegano leggermente dando loro tensione muscolare e una gamba (di solito la destra) viene posizionata leggermente più in avanti, dando un senso di movimento dinamico alla statua.

  Eccellenti esempi di questo stile di figura sono i kouroi di Argo, dedicati a Delfi (circa 580 aC). Intorno al 480 aC, l'ultimo kouroi diventa sempre più realistico, il peso è portato sulla gamba sinistra, l'anca destra è più bassa, le natiche e le spalle più rilassate, la testa non è così rigida e c'è un accenno di un sorriso. Il kore femminile ha seguito un'evoluzione simile, in particolare nella scultura dei loro vestiti che sono stati resi in modo sempre più realistico e complesso. È stata anche stabilita una proporzione più naturale della figura dove la testa diventa 1:7 con il corpo, indipendentemente dalle dimensioni reali della statua.

  Nel 500 aC gli scultori greci stavano finalmente rompendo le rigide regole dell'arte concettuale arcaica e iniziando a riprodurre ciò che effettivamente osservavano nella vita reale. Nel periodo classico, gli scultori greci avrebbero rotto le catene della convenzione e ottenuto ciò che nessun altro aveva mai tentato prima. Hanno creato sculture a grandezza naturale e realistiche che glorificavano la forma maschile umana e soprattutto nuda. Tuttavia, è stato ottenuto ancora di più. Il marmo si è rivelato un mezzo meraviglioso per rendere ciò per cui tutti gli scultori si sforzano: cioè far sembrare il pezzo scolpito dall'interno piuttosto che cesellato dall'esterno.

  Le figure diventano sensuali e appaiono congelate nell'azione; sembra che solo un secondo fa fossero effettivamente vivi. Ai volti viene data più espressione e le figure intere colpiscono uno stato d'animo particolare. Anche i vestiti diventano più sottili nella loro resa e aderiscono ai contorni del corpo in quello che è stato descritto come "soffiato dal vento" o "effetto bagnato". Molto semplicemente, le sculture non sembravano più sculture, ma erano figure infuse di vita e verve. Per vedere come sia stato raggiunto tale realismo dobbiamo tornare ancora all'inizio ed esaminare più da vicino i materiali e gli strumenti a disposizione dell'artista e le tecniche impiegate per trasformare le materie prime in arte.

  La prima scultura greca era molto spesso in bronzo e calcare poroso, ma mentre il bronzo sembra non essere mai passato di moda, la pietra scelta sarebbe diventata il marmo. La migliore era di Naxos - a grana fitta e frizzante, Parian (di Paro) - con una grana più ruvida e più traslucida, e Pentelic (vicino ad Atene) - più opaca e che con l'età assumeva un tenue color miele (a causa del suo contenuto di ferro ). Tuttavia, la pietra è stata scelta per la sua lavorabilità piuttosto che per la sua decorazione poiché la maggior parte della scultura greca non era lucidata ma dipinta, spesso piuttosto vistosamente per i gusti moderni.

  Il marmo veniva estratto utilizzando trapani ad arco e cunei di legno imbevuti d'acqua per staccare i blocchi lavorabili. Generalmente, le figure più grandi non venivano prodotte da un unico pezzo di marmo, ma aggiunte importanti come le braccia venivano scolpite separatamente e fissate al corpo principale con tasselli. Utilizzando strumenti di ferro, lo scultore avrebbe lavorato il blocco da tutte le direzioni (magari tenendo d'occhio un modello in scala ridotta per guidare le proporzioni), utilizzando prima uno strumento appuntito per rimuovere i pezzi di marmo più consistenti. Successivamente, è stata utilizzata una combinazione di uno scalpello a cinque artigli, scalpelli piatti di varie dimensioni e piccoli trapani a mano per scolpire i dettagli più fini.

  La superficie della pietra veniva poi rifinita con una polvere abrasiva (solitamente smeriglio di Naxos) ma raramente lucidata. La statua veniva poi fissata a un plinto mediante un infisso in piombo o talvolta collocata su un'unica colonna (ad esempio la sfinge di Naxos a Delfi, circa 560 aC). Gli ultimi ritocchi alle statue sono stati aggiunti utilizzando la vernice. Pelle, capelli, sopracciglia, labbra e motivi sui vestiti sono stati aggiunti con colori vivaci. Gli occhi erano spesso intarsiati usando osso, cristallo o vetro. Infine, potrebbero essere aggiunte aggiunte in bronzo come lance, spade, elmi, gioielli e diademi, e alcune statue avevano persino un piccolo disco di bronzo (meniskoi) sospeso sopra la testa per impedire agli uccelli di deturpare la figura.    

  L'altro materiale preferito nella scultura greca era il bronzo. Sfortunatamente, questo materiale è sempre stato richiesto per il riutilizzo in periodi successivi, mentre il marmo rotto non è molto utile a nessuno, e quindi la scultura in marmo è sopravvissuta meglio per i posteri. Di conseguenza, la quantità di esempi superstiti di scultura in bronzo (non più di dodici) non è forse indicativa del fatto che potrebbe essere stata prodotta più scultura in bronzo che in marmo e la qualità dei pochi bronzi superstiti dimostra l'eccellenza che abbiamo perso. Molto spesso nei siti archeologici possiamo vedere file di plinti di pietra nuda, testimoni silenziosi della perdita dell'arte.

  Le prime sculture in bronzo massiccio lasciarono il posto a pezzi più grandi con un nucleo non in bronzo che a volte veniva rimosso per lasciare una figura vuota. La produzione più comune di statue in bronzo utilizzava la tecnica della cera persa. Ciò ha comportato la creazione di un nucleo quasi delle dimensioni della figura desiderata (o parte del corpo se non la creazione di una figura intera) che è stata poi rivestita di cera e scolpiti i dettagli. Il tutto veniva poi ricoperto di argilla fissata al nucleo in determinati punti mediante delle bacchette. La cera veniva quindi fusa e nello spazio un tempo occupato dalla cera veniva versato bronzo fuso. Una volta indurita, l'argilla è stata rimossa e la superficie è stata rifinita mediante raschiatura, incisione fine e lucidatura. A volte venivano usate aggiunte di rame o argento per labbra, capezzoli e denti. Gli occhi erano intarsiati come nella scultura in marmo.

  Molte statue sono firmate in modo da conoscere i nomi degli artisti di maggior successo che sono diventati famosi nel corso della loro vita. Per citarne alcuni, possiamo iniziare dal più famoso di tutti, Fidia, l'artista che realizzò le gigantesche statue crisoelefantine di Atena (circa 438 a.C.) e di Zeus (circa 456 a.C.) che risiedevano, rispettivamente, nel Partenone di Atene e nel Tempio di Zeus ad Olympia . Quest'ultima scultura era considerata una delle sette meraviglie del mondo antico. Policleto, che oltre a creare grandi sculture come il Doriforo (Lanciatore), scrisse anche un trattato, il Kanon, sulle tecniche di scultura. Coryphoros ha sottolineato l'importanza della corretta proporzione.

  Altri importanti scultori furono Kresilas, che realizzò il ritratto molto copiato di Pericle (circa 425 a.C.), Prassitele, la cui Afrodite (circa 340 a.C.) fu il primo nudo femminile completo, e Kallimachos, a cui è attribuita la creazione del capitello corinzio e la cui caratteristica le figure danzanti furono molto copiate in epoca romana. Gli scultori trovavano spesso un impiego permanente nei grandi santuari e l'archeologia ha rivelato la bottega di Fidia ad Olympia . Nel laboratorio sono stati trovati vari stampi di argilla rotti e anche la tazza di argilla personale del maestro, con l'iscrizione "Io appartengo a Fidia". Un'altra caratteristica dei siti dei santuari erano i pulitori e i lucidatori che mantenevano il lucido colore rosso-ottone delle figure in bronzo poiché i greci non apprezzavano la patina verde scuro che si verifica dagli agenti atmosferici (e che le statue sopravvissute hanno guadagnato).

  La scultura greca, tuttavia, non si limita alle figure in piedi. Anche busti, pannelli a rilievo, monumenti funerari e oggetti in pietra come perirrhanteria (bacini sostenuti da tre o quattro figure femminili in piedi) hanno messo alla prova le abilità dello scultore greco. Un altro importante ramo della forma d'arte era la scultura architettonica, prevalente dalla fine del VI secolo aC sui frontoni, fregi e metope dei templi e degli edifici del tesoro. Tuttavia, è nella scultura di figura che si possono trovare alcuni dei grandi capolavori dell'antichità classica, ea testimonianza della loro classe e popolarità è che le copie erano molto spesso realizzate, in particolare in epoca romana.

  In effetti, è una fortuna che i romani amassero la scultura greca e la copiassero così ampiamente perché spesso sono queste copie che sopravvivono piuttosto che gli originali greci. Le copie, tuttavia, presentano i loro problemi in quanto ovviamente mancano del tocco del maestro originale, possono scambiare il supporto dal bronzo al marmo e persino mescolare parti del corpo, in particolare le teste. Sebbene le parole raramente renderanno giustizia alle arti visive, possiamo elencare qui alcuni esempi di alcuni dei pezzi più celebri della scultura greca. In bronzo, spiccano tre pezzi, tutti salvati dal mare (un custode di bronzi pregiati migliore di quanto non sia stato l'uomo): lo Zeus o Poseidone di Artemesio ei due guerrieri di Riace (tutti e tre: 460-450 aC).

  Il primo potrebbe essere Zeus (la postura è più comune per quella divinità) o Poseidone ed è un pezzo di transizione tra l'arte arcaica e quella classica in quanto la figura è estremamente realistica, ma in realtà le proporzioni non sono esatte (ad esempio gli arti sono allungati ). Tuttavia, come descrive eloquentemente Boardman, "(esso) riesce ad essere sia vigorosamente minaccioso che statico nel suo perfetto equilibrio"; lo spettatore non ha alcun dubbio sul fatto che questo sia un grande dio. Anche i guerrieri di Riace sono magnifici con il dettaglio aggiunto di capelli e barbe finemente scolpiti. Di stile più classico, sono perfettamente proporzionati e il loro portamento è reso in modo tale da suggerire che possano benissimo scendere dal basamento in qualsiasi momento.  

  In marmo, due pezzi di spicco sono il Diskobolos o lanciatore di disco attribuito a Mirone (circa 450 aC) e la Nike di Paionios ad Olympia (circa 420 aC). Il lanciatore del disco è una delle statue più copiate dall'antichità e suggerisce un potente movimento muscolare colto per una frazione di secondo, come in una foto. Il pezzo è interessante anche perché è scolpito in modo tale (in un unico piano) da essere visto da un punto di vista (come un rilievo scolpito senza lo sfondo). La Nike è un ottimo esempio di 'wet-look' dove il materiale leggero dell'abbigliamento è premuto contro i contorni del corpo, e la figura sembra semisospesa nell'aria e solo per aver posato le dita dei piedi sul piedistallo .

  La scultura greca, quindi, si liberò dalle convenzioni artistiche che avevano imperato per secoli in molte civiltà, e invece di riprodurre figure secondo una formula prescritta, erano libere di perseguire la forma idealizzata del corpo umano. Il materiale duro e senza vita è stato in qualche modo magicamente trasformato in qualità intangibili come equilibrio, umore e grazia per creare alcuni dei grandi capolavori dell'arte mondiale e ispirare e influenzare gli artisti che sarebbero seguiti in epoca ellenistica e romana che avrebbero continuato a produrre altri capolavori come la Venere di Milo.

  Inoltre, la perfezione nelle proporzioni del corpo umano raggiunta dagli scultori greci continua ad ispirare gli artisti anche oggi. Le grandi opere greche sono persino consultate da artisti 3D per creare immagini virtuali accurate e da organi di governo sportivo che hanno confrontato i corpi degli atleti con la scultura greca per controllare lo sviluppo muscolare anormale ottenuto attraverso l'uso di sostanze vietate come gli steroidi. [Enciclopedia di storia antica].

  RECENSIONE: L'Artemision Bronze è una statua leggermente più grande della vita recuperata dal mare al largo di Capo Artemision che rappresenta Zeus o Posiedon; la mano destra originariamente reggeva un fulmine o un tridente. La creazione della statua risale al 460 aC circa, prima dello sviluppo dello stile classico nella seconda metà di quel secolo. Tuttavia, il contesto in cui fu rinvenuto fu molto più tardi, intorno al II secolo aC, presumibilmente parte del carico di una nave romana affondata. La statua fu trovata nel 1926 d.C. e poi scavata nel 1928 d.C.; attualmente occupa una posizione di rilievo all'interno del Museo Archeologico Nazionale di Atene. Un calco può essere trovato anche nella galleria dei calchi del Museum of Classical Archaeology dell'Università di Cambridge. [Enciclopedia di storia antica].

  RECENSIONE: Il bronzo di Artemision (spesso chiamato il "Dio del mare") è un'antica scultura greca che è stata recuperata dal mare al largo di Capo Artemision, nell'Eubea settentrionale. Rappresenta Zeus o Poseidone, è leggermente più grande della vita a 209 centimetri (6,7 piedi) e avrebbe tenuto un fulmine, se Zeus, o un tridente se Poseidone. Tipicamente, tuttavia, l'iconografia della ceramica greca antica ritrae Poseidone che brandisce il tridente, quando è in combattimento, in un movimento più accoltellato (simile a una posizione di scherma o a un "affondo avanzato").

  Zeus d'altra parte è tipicamente raffigurato in lotta con il braccio alzato, tenendo il fulmine in alto, nella stessa posizione del Bronzo Artemision (vedi 'Poseidone e il gigante Polibote' uno Stamnos attico a figure rosse attribuito al Pittore di Trolios, così come 'Zeus che scaglia il suo fulmine a Tifone' intorno al 550 a.C. circa, che è un'idria calcidica a figure nere). Le orbite vuote erano originariamente inserite, probabilmente con osso, così come le sopracciglia (con argento), le labbra e i capezzoli (con rame). Lo scultore è sconosciuto. Il Poseidon/Zeus è un punto culminante delle collezioni del Museo Archeologico Nazionale di Atene.

  Il dibattito se la statua rappresenti Poseidone o Zeus dipende dall'attributo perduto tenuto nella mano destra della figura. Come scrive Caroline Houser, "A volte il protettore di Artemision è chiamato 'Poseidone'. Coloro che lo avrebbero fatto avrebbero sostenuto che l'immagine doveva essere quella del grande dio del mare poiché la statua è stata trovata nel Mediterraneo. Ma come altre statue di soggetti totalmente diversi, questa è andata in mare semplicemente perché era a bordo di una nave che è affondata.

  Altri citano l'esempio delle monete di Poseidonia, trascurando l'evidenza molto più pesante presentata dalle numerose statuette sopravvissute di Zeus che lancia il suo fulmine in una posa che corrisponde a quella della figura di Artemisione". volto, soprattutto dalla vista di profilo, che la maggior parte degli studiosi (anche quelli che hanno sostenuto un'identificazione come Poseidone) hanno ritenuto essere la vista più, o addirittura l'unica, importante.

  I paralleli iconografici con le monete e la pittura vascolare dello stesso periodo mostrano che questa posa oscura è estremamente improbabile. Tuttavia, il tridente potrebbe essere stato insolitamente corto, evitando il problema. D'altra parte, la statua è essenzialmente una versione più grande di una vasta serie di figurine in bronzo massiccio più piccole risalenti alla fine del VII secolo, che assumono tutte la stessa posa e rappresentano Zeus. Sulla base di questo e di altri paralleli iconografici con la pittura vascolare, la maggior parte degli studiosi attualmente pensa che si tratti di uno Zeus. Tuttavia, l'opinione rimane divisa.

  Il dio è colto nel momento della pausa nella piena potenzialità del suo movimento imminente, descritto da Carol Mattusch: "la figura ha il potenziale per la violenza, è concentrata, pronta a lanciare, ma l'azione è appena all'inizio, e siamo lasciati contemplare la prossima dimostrazione di forza." Si tratta di un'opera originale di grande forza in stile Severo che precede lo stile classico del V secolo, databile intorno al (circa) 460 aC Un confronto può essere fatto con l'Auriga di Delfi, un bronzo approssimativamente contemporaneo.

  Le discussioni sulla sua provenienza hanno trovato campioni per la maggior parte dei centri greci continentali tecnicamente capaci di una scultura così grande: l'Attica, dove è associato a Kalamis (circa 470-440 aC); Beozia, Egina, Sicione o Argo. La scultura è stata anche associata a Onatas o Myron e anche a Kritios e Nesiotes, ma non c'è modo di sapere con certezza chi abbia creato l'opera. La scultura fu scoperta per la prima volta nel 1926 e ulteriormente scavata nel 1928 nel luogo di un naufragio avvenuto non prima della metà del II secolo a.C.

  Sfortunatamente, non si sa molto del relitto perché l'esplorazione fu abbandonata quando un subacqueo morì, nel 1928, e non fu mai ripresa. Molti di questi relitti sono di epoca romana ed erano di navi che saccheggiavano l'arte greca in Italia, ma non è chiaro se il relitto dell'Artemision sia uno di questi. Il fantino di Artemisione - una statua in bronzo di un cavallo da corsa e il suo fantino - è stato recuperato dallo stesso naufragio e Seán Hemingway ha suggerito che il fantino e il cavallo potrebbero essere stati saccheggiati a Corinto nel 146 a.C. dal generale romano Mummio nella guerra achea, ed era in viaggio per Pergamo quando si perse.

  La testa della scultura, ora icona della cultura ellenica, è stata oggetto di un francobollo greco da 500 dracme (in uso nel 1954-1977) e di una banconota da 1000 dracme (emessa per la prima volta nel 1970, sostituita nel 1987). [Wikipedia].

  RECENSIONE: L'arte e l'architettura greche avevano notevolmente influenzato le fioriture sociali, culturali e artistiche durante il periodo rinascimentale in Europa. E ora si può vedere la chiara ispirazione dietro quei capolavori del tardo medioevo, grazie alle statue scoperte a Creta dagli archeologi del Ministero della Cultura greco. Trovate all'interno di una villa di epoca romana, le sculture alte 21 pollici raffigurano gli dei greci (e i gemelli fratello-sorella) Artemide e Apollo e risalgono al I o II secolo d.C.

  La villa si trovava all'interno della città di Aptera, una "città-stato" precedentemente potente dell'ovest di Creta che fu purtroppo distrutta da un terremoto nel VII secolo d.C. Ora è interessante notare che la figurina di Artemide vestita (che indossa un chitone o una tunica greca) è stata realizzata dal rame, mentre l'Apollo antiteticamente nudo è stato scolpito dal marmo. Inoltre, la postura di Artemide, che sembra pronta a tirare con l'arco, è stata anch'essa costruita con una pesante base di rame riccamente progettata. Lungo il piedistallo della figura di Apollo, invece, sono ancora decifrabili tracce rosse di pittura.

  A giudicare dal loro impatto visivo, basti dire che le sculture sono ancora in ottimo stato di conservazione. Gli storici sono particolarmente colpiti dal materiale bianco, che definisce i loro rispettivi occhi, ancora sostenuto dopo circa 1.900 anni. E ancora più affascinante è la congettura avanzata dagli archeologi che attiene a come queste statue probabilmente non fossero di fabbricazione locale. Potrebbero essere stati importati appositamente per decorare la lussuosa villa di epoca romana, rispecchiando così i nostri scenari lussuosi di oggi. [Regno di History.Com].

  RECENSIONE: Il Museo Archeologico Nazionale di Atene può tranquillamente affermare di essere uno dei più grandi musei del mondo. Può farlo perché è letteralmente pieno zeppo della maggior parte degli oggetti d'arte più famosi dell'antica Grecia, tanto che una visita per la prima volta qui è un'esperienza stranamente familiare. Dall'imponente bronzo Poseidone alla scintillante maschera d'oro di Agamennone, le antichità qui esposte forniscono le immagini principali dell'antica Grecia; adornando guide, calendari e windows degli agenti di viaggio di tutto il mondo.

  Molte di queste opere potrebbero essere familiari, ma il fattore wow non è certo da meno. Girovagando per il museo si ha un costante bisogno di ripercorrere i propri passi per un altro assaggio di un pezzo straordinario prima di proseguire. Poiché tutto è organizzato in ordine cronologico, il tuo tour del museo ti offre una visione perfetta dell'evoluzione dell'arte greca e c'è anche una sezione egiziana come bonus aggiuntivo se i tuoi sensi non sono già stati spazzati via da tutto al piano terra .

  Situato a soli 10 minuti a piedi dalla fermata della metropolitana di Omonia, il museo è di per sé un impressionante richiamo all'architettura classica ed è un edificio storico. Quattro enormi statue di divinità greche ti scrutano dal tetto come se ti sfidassero a non rimanere sbalordito nei primi minuti della tua visita. Una volta che hai il tuo biglietto, ti sei sbarazzato di eventuali borse grandi nel guardaroba (obbligatorio) e hai raccolto la tua mappa gratuita, ti viene immediatamente presentata la maschera ghignante di Agamennone prima ancora di aver varcato la prima porta.

  Non lasciarti attrarre qui da tutto quell'oro scintillante, ma fai un passo laterale nella stanza alla tua destra poiché qui ci sono i manufatti delle Cicladi che dovrebbero venire per primi nella tua odissea attraverso il mondo greco. I pezzi da tenere d'occhio sono le distintive figure minimaliste scolpite nel marmo, in particolare le due figure musicali, una che suona un'arpa e l'altra un aulos (tubi), le prime raffigurazioni conosciute del mondo greco. Una volta che hai finito con le Cicladi ti ritroverai al punto di partenza e a quella famosa maschera.

  Dopo aver fatto il giro del primo gabinetto, ti verrà presentato un sorprendente assortimento di oro miceneo. A sinistra, a destra e al centro ci sono teche di vetro piene di maschere, gioielli, armi e tazze che luccicano sotto i riflettori del museo. Poi, quando finalmente ti allontani e vai avanti, ti vengono presentati ancora più armadietti a sinistra, a destra e al centro, di nuovo, l'oro che lampeggia ovunque in ogni forma immaginabile, dalle rosette ai polpi. È proprio ora che inizi a pensare di aver già ottenuto i tuoi soldi e come può il museo superare tale splendore?

  Quindi giri un angolo e ti viene presentata un'enorme statua di kouros in pietra: un altro momento wow. La figura maschile presentata in questo modo fu l'inizio del riuscito tentativo dell'arte greca di rompere le convenzioni delle statue egiziane. Le braccia sono rigide lungo i fianchi e mettono in tensione la parte superiore del corpo, ma la gamba sinistra avanza leggermente suggerendo un movimento catturato. Mentre percorri questa sezione, le figure diventano sempre più realistiche e dinamiche man mano che gli scultori greci diventavano sempre più audaci nei loro sforzi per rendere in pietra il movimento flessibile del muscolo umano.

  Il meglio però deve ancora venire e il primo indizio è la statua in bronzo di Poseidone (o forse Zeus) alta due metri salvata dal mare vicino ad Artemision. Con le braccia tese e le gambe divaricate sembra sul punto di lanciare un tridente o un fulmine e domina totalmente la vista lungo il corridoio. Il bronzo era il materiale preferito dagli scultori greci e altri due esempi eccezionali sono l'Antikythera Youth (un altro ritrovamento dal mare) e il bambino fantino a cavallo di un enorme cavallo che viene catturato al galoppo, tanto che sembra in procinto di decollare dal suo piedistallo in qualsiasi momento.

  Tra tutti questi pezzi di spicco ci sono altre statue in marmo, ugualmente belle, di divinità ed eroi greci e una delle più grandi collezioni di sculture funerarie ovunque. Come in ogni stanza, tutti i pezzi sono ben presentati e ognuno ha un piccolo pannello informativo in greco e inglese. Dato il proprio spazio e non confinato da vetri o barriere, il visitatore può sicuramente avvicinarsi e avvicinarsi a questi pezzi di 2500 anni. La scultura continua attraverso il periodo ellenistico e romano con alcuni imperatori romani molto familiari, la più famosa è la statua in bronzo di un giovane Augusto.

  Questo è il momento in cui probabilmente la maggior parte dei visitatori sente un po' di affaticamento artistico, quindi potrebbe valere la pena fare una pausa nel bar nel seminterrato dove è possibile acquistare anche snack leggeri. C'è anche un piccolo cortile esterno dove puoi sorseggiare un caffè greco seduto tra antiche sculture non ritenute abbastanza in alto per entrare nel museo vero e proprio. Vale la pena spingersi oltre, dato che il museo ha una stupenda sezione di ceramiche. Quando hai acquistato il biglietto probabilmente hai intravisto l'enorme vaso geometrico del Dipylon alla tua sinistra e ora è il momento di dare un'occhiata più da vicino.

  Utilizzato per scopi funebri, puoi vedere figure stilizzate nere all'altezza degli occhi in lutto e seppellire uno di loro. L'anfora è forse l'esempio più famoso di design geometrico della ceramica e un altro di quei pezzi di punta per cui qualsiasi curatore di musei al mondo venderebbe la propria madre. Poi ci sono casi dopo casi di ceramiche a figure posteriori di tutte le forme e dimensioni, da vasi votivi in ​​miniatura a enormi crateri usati per mescolare vino e acqua. Poi viene la ceramica a figure rosse ed entrambi questi stili sono una delle più importanti fonti di informazioni sulle pratiche culturali e sulla mitologia greca.

  Altre tre sezioni imperdibili sono quelle su Thera, l'Egitto e la Collezione Stathatos. Il primo, dal sito dell'età del bronzo a Santorini, ha il famosissimo affresco dei pugili e tre lati di una stanza dove l'affresco mostra scene di primavera; vi sono inoltre vasi di terracotta e un letto miracolosamente conservato nella cenere a seguito dell'eruzione del vulcano dell'isola. La sezione egizia è, comprensibilmente, di portata più modesta rispetto al resto del museo, ma ci sono ancora abbastanza sarcofagi, amuleti, gioielli, modelli di ricostruzione e persino una o due mummie per essere interessanti.

  Infine, la Collezione Stathatos ha quasi un migliaio di reperti ed è particolarmente ricca di gioielli, compresi esempi del periodo bizantino. Dopo aver visto tutte quelle meraviglie, potresti desiderare un ricordo tutto tuo e il negozio del museo accanto al caffè ha una buona scorta di gioielli di ispirazione greca, copie di sculture da museo e rilievi per tutti i portafogli (puoi persino acquistare statue di bronzo a grandezza naturale, anche se proprio come si potrebbe ottenere quella a casa...), repliche di monete, poster, tazze e tutte le altre cose che chiunque potrebbe desiderare come souvenir.

  C'è una piccola collezione di libri su diversi aspetti degli antichi greci (inclusi molti per bambini) e anche alcune guide ad altri siti come Dodona e Delfi, principalmente in inglese o greco. In sintesi, quindi, anche se hai visitato molti dei grandi siti greci come il Partenone, Cnosso e Micene, non puoi perderti questo museo per il quadro completo degli antichi greci. È davvero un imbarazzo della ricchezza e si rimane un po' dispiaciuti per alcune delle altre città greche che hanno perso l'esposizione di questi tesori.

  È uno di quei musei che dovresti davvero visitare due volte, una volta con la tua macchina fotografica e un'altra senza o solo così, alla tua seconda visita, puoi tenere a freno la tua eccitazione un po' meglio ogni volta che vedi un'arte famosa in tutto il mondo oggetto dietro l'angolo successivo. Come detto sopra, puoi avvicinarti all'arte, ma il lato negativo è che i grandi gruppi di turisti possono facilmente intasare le stanze, quindi è meglio andare al mattino presto o alla fine della giornata, o ancora meglio, fuori stagione quando ottieni praticamente intere stanze per te. Un meraviglioso, meraviglioso museo. [Enciclopedia di storia antica].

RECENSIONE: Secondo un resoconto del The Guardian, nel sito del naufragio di Antikythera, reso famoso dalla scoperta del meccanismo di Antikythera nel 1901, sono stati recuperati pezzi di almeno sette diverse sculture in bronzo. Brendan Foley dell'Università di Lund ha affermato che i pezzi sono stati trovati tra grandi massi che potrebbero essere caduti sul relitto durante un terremoto nel IV secolo d.C. con un metal detector subacqueo. Recuperare eventuali pezzi di statua aggiuntivi richiederà di spostare i massi, alcuni dei quali pesano diverse tonnellate, o di spaccarli.

  Il team ha anche scoperto una lastra di marmo rosso, un boccale d'argento, pezzi di legno dal telaio della nave e un osso umano. Quest'anno è stato trovato anche un disco di bronzo delle dimensioni delle ruote dentate del meccanismo di Antikythera. I raggi X preliminari dell'oggetto hanno rivelato l'immagine di un toro, ma nessun ingranaggio, quindi potrebbe essere stato un oggetto decorativo. Le indagini sul sito in acque profonde continueranno l'anno prossimo. "Ora siamo nella stiva della nave, quindi anche tutte le altre cose che sarebbero state trasportate dovrebbero essere laggiù", ha detto Foley. [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: Nell'agosto del 2016, abbiamo parlato di come gli archeologi avevano scoperto le rovine di una fortezza del III secolo a.C. costruita dai greci del Regno del Bosforo, appena ad ovest della città di Kerch in Crimea. Ora ancora più prove dell'antica connessione greca con la Crimea dell'antichità sono emerse quando i subacquei hanno scoperto parte di una statua in terracotta realizzata in modo univoco (che comprende la sua testa).

  L'affascinante ritrovamento è stato fatto durante gli scavi sottomarini nel cantiere del ponte di Crimea vicino al capo Ak-Burun, in prossimità di Kerch. Per quanto ne sappiamo, questo manufatto unico scoperto è il primo del suo genere nell'area settentrionale del Mar Nero, tali oggetti non sono mai stati trovati qui prima. Per capire per cosa è stato utilizzato, quando e dove è stato realizzato, collaboreremo con i maggiori esperti di arte greca antica ed effettueremo anche un test di laboratorio sull'argilla.

  Storicamente le sculture in terracotta greche venivano prodotte in serie fin dal VI secolo aC utilizzando semplici stampi (fino al IV secolo aC circa), tecnica che ne migliorava l'economicità, e come tale rendeva gli oggetti ideali per le offerte religiose. Tuttavia, allo stesso tempo, la maggior parte di questi manufatti erano limitati a piccole figurine che raramente avevano un'altezza superiore a 40 centimetri (16 pollici). Ma in questo caso la testa fa ovviamente parte di una scultura ben più grande, a testimonianza dell'unicità del reperto.

  E considerando l'alto volume di commercio nella regione, alcuni dei manufatti (comprese le sculture in terracotta) si sono rivelati difettosi.

  Questi oggetti sono stati scartati senza tante cerimonie in mare, il che a sua volta ha contribuito alla formazione di notevoli nascondigli di oggetti in terracotta nel corso di due millenni. Venendo finalmente allo scopo di questa scoperta, i subacquei stanno ancora scavando manualmente la zona sottomarina per evitare il rischio di danneggiare antichi manufatti potenzialmente preziosi nell'area prossima, con il loro progetto che dovrebbe continuare fino alla fine dell'estate. Nel frattempo, gli oggetti storicamente significativi recuperati vengono consegnati al Museo e Riserva storico e culturale della Crimea orientale. [Regno della storia.Com]

RECENSIONE: Un torso di donna in pietra del III secolo aC Pharos di Alessandria, un faro che era una delle sette meraviglie del mondo antico, è stato salvato dal Mar Mediterraneo. Un certo numero di sculture nel mare intorno a una fortezza del XV secolo costruita dal sultano mamelucco Qait Bey era stata segnalata in un articolo del 1974 in Archeologia nautica, che suggeriva che i Pharos avrebbero potuto sorgere sul sito.

  Nel 1993, quando il governo egiziano iniziò a costruire un frangiflutti in cemento attorno alla base della fortezza per proteggerla dai danni delle tempeste, ci fu una protesta da parte degli archeologi che temevano che l'operazione potesse distruggere i resti superstiti del Pharos e di altri antichi edifici vicini. Il progetto fu temporaneamente interrotto e studiosi del Supremo Consiglio delle Antichità egiziano e del Centre d'Études Alexandrines francese, guidati da Jean-Yves Empereur, iniziarono a perlustrare le acque intorno alla fortezza.

  Secondo Chris Scarre dell'Università di Cambridge, "I loro ritrovamenti confermano che un lato del Pharos è crollato in mare e che molto materiale di questa straordinaria struttura giace ancora sparso sul fondo del mare. Solo ora possiamo iniziare ad apprezzare la reale portata e importanza dei resti." Oltre al torso, il team di Empereur ha recuperato circa altre 30 sculture non provenienti dal Pharos, tra cui sfingi, colonne e capitelli di granito, un frammento di un obelisco con un'iscrizione geroglifica e una statua senza testa del faraone Ramesse II (circa 1290-1224 aC).

  Non è stato ancora stabilito come e quando riprenderanno i lavori di costruzione della diga foranea. Il primo faro al mondo, il Pharos, fu costruito per avvertire i marinai degli infidi banchi di sabbia al largo di Alessandria, uno dei porti più trafficati del mondo antico. Consisteva in una torre a tre livelli, decorata con sculture di divinità greche e creature mitiche, in cima alla quale si ergeva una lanterna con un gigantesco falò la cui luce poteva essere focalizzata da specchi, forse di bronzo lucidato, in un raggio visibile a 35 miglia di distanza. al mare.

  Alta più di 300 piedi, era tra le strutture artificiali più alte fino al completamento della Torre Eiffel di 1.050 piedi nel 1889. Il faro era ancora funzionante quando gli arabi conquistarono Alessandria nel 642 d.C., ma la lanterna fu danneggiata da un terremoto circa 50 anni dopo. Il Pharos fu colpito da un altro terremoto nel 1303, e nel 1349 era in rovina; nel 1480 sul sito fu costruita la fortezza di Qait Bey. [Istituto Archeologico d'America].

RECENSIONE: Sin dalla sua scoperta sul Quirinale di Roma nel 1885 nei pressi delle antiche Terme di Costantino, la statua Pugile in riposo ha stupito e deliziato i visitatori del Museo Nazionale Romano come un accattivante capolavoro di scultura in bronzo antico. L'archeologo Rodolfo Lanciani, testimone oculare presente allo scavo della statua, ha scritto: "Ho assistito, nella mia lunga carriera nel campo attivo dell'archeologia, a molte scoperte; ho vissuto sorpresa dopo sorpresa; ho incontrato talvolta e inaspettatamente reali capolavori; ma non ho mai provato un'impressione così straordinaria come quella creata dalla vista di questo magnifico esemplare di atleta semibarbaro, che emerge lentamente dal terreno, come se si risvegliasse da un lungo riposo dopo i suoi valorosi combattimenti".

  Infatti, in una fotografia scattata al momento della sua scoperta, il Boxer at Rest sembra che aspettasse solo di essere trovato. Migliaia di sculture erano state recuperate dagli scavi a Roma prima che il Boxer at Rest venisse alla luce. Ovunque si intraprendesse un nuovo progetto edilizio nella città eterna, inevitabilmente si rivelava qualche nuovo residuo dell'antichità. La pittura di Giovanni Panini Antica Roma dà il senso delle ricchezze che erano già note alla metà del Settecento. Ogni anno venivano trovate più sculture, ma non era mai apparso nulla come il Boxer at Rest. Negli oltre 125 anni da allora, non è mai stato scoperto nulla di simile.

  La statua è stata esposta per molti anni nella Rotonda delle Terme di Diocleziano insieme a un altro grande bronzo ellenistico di un eroico uomo nudo in piedi, che è stato portato alla luce nelle stesse vicinanze generali del Pugile a riposo. Nel 2005 è stata trasferita in una nuova esposizione a Palazzo Massimo ed è stata percorsa solo raramente. Per la prima volta, il Boxer at Rest è arrivato negli Stati Uniti ed è in mostra nelle Gallerie Greche e Romane del Metropolitan Museum of Art in occasione del 2013 – Anno della Cultura Italiana negli Stati Uniti.

  La statua raffigura un pugile seduto con le braccia appoggiate sulle ginocchia, la testa girata a destra e leggermente rialzata con la bocca aperta. La figura è nuda ad eccezione dei guantoni da boxe, che sono di tipo greco antico con strisce di cuoio attaccate ad un anello intorno alle nocche e munite di imbottitura di lana, e l'infibulazione del pene mediante la legatura del prepuzio, che era sia per protezione e un elemento di decoro. Il pugile è rappresentato subito dopo un incontro. Il suo corpo muscoloso e la barba folta sono quelli di un atleta maturo, e il suo collo grosso, le gambe allampanate e le braccia lunghe sono adatte a questo sport.

  Il suo volto mostra lividi e tagli. Le sue labbra sono infossate come se i suoi denti fossero stati spinti dentro o fuori. Il naso rotto e le orecchie a cavolfiore sono condizioni comuni dei pugili, probabilmente il risultato di precedenti combattimenti, ma il modo in cui respira con la bocca e i tagli sanguinanti alle orecchie e al viso rendono evidente il danno inflitto dal suo avversario più recente. I muscoli delle braccia e delle gambe sono tesi come se, nonostante l'esaurimento della competizione, fosse pronto a balzare in piedi e affrontare il prossimo combattente. La rapida rotazione della sua testa è enfatizzata da gocce di sangue - rappresentate da rame intarsiato - che sembrano essere appena cadute dal suo viso sulla coscia e sul braccio destro.

  Impressioni altrettanto realistiche si verificano in altre sculture in bronzo ellenistiche come il cavallo e il fantino di Artemision nel Museo Archeologico Nazionale di Atene. Come il Boxer at Rest, questo gruppo scultoreo su larga scala era molto probabilmente un monumento alla vittoria atletica, forse rappresentando il momento in cui il fantino, il suo cavallo ancora a metà galoppo, si gira a guardare i concorrenti mentre taglia il traguardo. La scultura fa anche uso di intarsi di grande effetto, in particolare il marchio nella forma di una Nike alata che porta una corona della vittoria sul fianco posteriore destro del cavallo.

  Il marchio Nike sarebbe stato di un metallo contrastante come oro, argento o persino rame per dare l'aspetto di carne scottata. La collezione del Metropolitan comprende altri due bronzi ellenistici raffiguranti pose momentanee. Una statuetta in bronzo del primo periodo ellenistico di un danzatore velato e mascherato raffigura un danzatore volteggiante il cui piede sinistro è sollevato a metà del passo. La statuetta, come il Boxer at Rest, è un'opera di altissima qualità in uno stile molto realistico. Nella magistrale statua in bronzo dell'Eros dormiente del Metropolitan, probabilmente un'opera ellenistica del III o II secolo aC, l'artista ha creato una posa momentanea del dio dell'amore addormentato nel mezzo delle sue fatiche.

  Il modo in cui il suo arco (ora mancante) è caduto dalla sua mano destra aperta e la sua faretra aperta (di cui è ancora conservata solo la piuma di una freccia, vicino alla sua testa) stanno dicendo dettagli che chiariscono che il dio si è appena addormentato. La delicata resa della carne pastosa del bambino e l'attento trattamento delle sue ali, che sono nascoste come quelle di un uccello addormentato, esaltano il tenero realismo della statua. La posa e il fisico potente del Boxer at Rest sono stati giustamente paragonati al Gigante di Goya. Mentre il grande pittore realista spagnolo non poteva conoscere la statua, Goya sembra attingere alla stessa energia primordiale nel suo ritratto. Non è noto se il Boxer at Rest fosse originariamente parte di un gruppo più ampio o fosse inteso come un'opera solitaria.

  Gruppi scultorei di grandi dimensioni furono certamente intrapresi nel periodo ellenistico, ma è del tutto possibile che la statua abbia funzionato da sola, con la rotazione della testa che implica solo un'altra o altre figure nella scena come l'avvicinarsi del suo prossimo avversario. La sua posa e il trattamento della sua barba ricordano due statue di Eracle, il grande mitico uomo forte dell'antichità, attribuite allo scultore in bronzo Lisippo, uno dei maestri più innovativi del IV secolo aC e scultore di corte di Alessandro Magno. L'assimilazione di una rappresentazione realistica di un pugile dopo un incontro con un famoso eroe mitico a riposo dopo le sue fatiche rende difficile sapere se una figura reale o mitica è raffigurata nel Pugile a riposo.

  Tuttavia, è più probabile che venga commemorato un vero pugile e, come Eracle, che ha completato con successo un lavoro impossibile dopo l'altro, non c'è dubbio che riuscirà di nuovo nonostante il suo stato malconcio. Come la maggior parte delle sculture ellenistiche non fissate a una data storica specifica, il Boxer at Rest è difficile da datare solo per motivi stilistici, dato che gli scultori utilizzavano una varietà di stili nel periodo ellenistico (323-31 a.C.). Gli studiosi hanno collocato la statua ovunque dalla fine del IV secolo a.C., rilevandone le somiglianze stilistiche con statue attribuite a Lisippo e altre caratteristiche compositive, alla metà del I secolo a.C., dove viene confrontata con altre potenti opere classicheggianti come il Torso di Belvedere nei Musei Vaticani.

  I visitatori del Museo possono confrontare un bell'adattamento romano frammentario di un Eracle seduto lissipano con il Pugile a riposo. Mentre i paralleli sono tutt'altro che esatti, si può vedere come ci fossero molte variazioni sul tema dell'eroe muscoloso a riposo. L'attuale ampia ma anticipata datazione della statua dalla fine del IV al II secolo aC segue la valutazione di Rita Paris, autrice del depliant che accompagna la mostra e Direttore del Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme.

  La statua è stata fusa con il metodo indiretto della cera persa. Come era caratteristico nell'antichità, la scultura era realizzata in più sezioni diverse che venivano poi saldate insieme: testa, corpo, genitali, braccia sopra i guanti, avambracci, gamba sinistra e dito medio. La parte superiore della testa è stata restaurata nell'antichità. Le riparazioni alle statue di bronzo devono essere state relativamente comuni, anche se oggi non si conservano molti importanti restauri antichi. La statua in bronzo dell'Eros dormiente nella collezione del Metropolitan ha un'ampia sezione restaurata di drappeggio tra le gambe e, come il pugile a riposo, che chiaramente ha avuto una lunga storia nell'antichità, la riparazione potrebbe essere stata eseguita molto tempo dopo che la statua fu per la prima volta creato.

  Anche se mancano gli occhi incastonati del Boxer at Rest, sarebbero stati resi in modo convincente, come un paio nella collezione del Metropolitan. La statua è notevole per il suo ampio uso di intarsi in rame, specialmente per le ferite alla testa del pugile e le gocce di sangue sulla coscia e sul braccio destro, così come le labbra, i capezzoli e le cinghie e le cuciture dei guantoni da boxe. Di particolare rilievo è il livido sotto l'occhio destro, che è stato fuso con una lega diversa per dargli un colore più scuro. L'estesa lavorazione a freddo della statua, in particolare dei capelli, è stata eseguita come parte del processo di rifinitura.

  La base in pietra è moderna, ma probabilmente è un'approssimazione dell'aspetto dell'antica base. In origine, l'uso della pietra avrebbe aggiunto all'effetto realistico reso così potentemente nel bronzo. Pochissime statue di bronzo greche originali sono state conservate dall'antichità. Al centro della galleria Jaharis, dove ora è esposto il Pugile a riposo, si possono vedere belle copie romane di famose statue greche del periodo classico. Un esempio particolarmente buono è il Diadoumenos, o legatrice di filetti, un'opera attribuita a Policleto, uno dei più importanti scultori in bronzo del V secolo a.C. Come il pugile a riposo, la statua rappresenta un atleta all'apice del suo gioco e fu probabilmente commissionata come monumento victor .

  Mentre la copia in marmo del metropolita, realizzata molti secoli dopo l'originale del 430 aC circa, offre un buon senso della composizione originale e delle sue caratteristiche stilistiche, manca della vitalità che sicuramente aveva il capolavoro di Policleto. Paul Zanker ha notato che i primi studiosi, incluso Rodolfo Lanciani, citato all'inizio di questo articolo, trovarono il Boxer at Rest contraddice "la nobile semplicità e la quieta grandezza" dell'arte greca classica così ammirata da Joachim Wincklemann e altri, che originariamente era uno dei motivi per datarlo alla fine del periodo ellenistico.

  La collocazione del Boxer at Rest, ormai universalmente riconosciuto come un capolavoro della scultura ellenistica, in prossimità delle copie romane esposte al Met permette al visitatore di contemplare nuovamente il fenomeno delle copie postume nella scultura greco-romana e di intuire la grandezza di ciò che si è perso nelle riproduzioni anche fedeli di capolavori molto più antichi. La boxe era uno sport antico e venerato nell'antichità. Praticata già nell'età del bronzo, è ricordata nell'VIII secolo aC tra le gare atletiche eseguite durante i giochi funebri di Patrocle nel libro 23° dell'Iliade di Omero.

  Fu introdotto per la prima volta nei giochi olimpici nel 688 a.C. e divenne una competizione integrale in tutti i principali santuari panellenici dove si svolgevano eventi atletici in connessione con feste religiose. Pugili professionisti addestrati per competere in competizioni locali e panelleniche e intraprendevano un circuito dei giochi, a volte raggiungendo uno status leggendario. Un vaso arcaico ateniese a figure nere nella collezione del Metropolitan illustra una rara scena di due pugili che si allenano con l'accompagnamento di musica suonata da un doppio aulos (flauto), in grado di affinare il loro ritmo e i loro riflessi. I premi ai giochi differivano da luogo a luogo. Nei giochi panellenici, gli atleti venivano premiati con corone: olivo selvatico a Olympia , alloro a Delfi, pino a Isthmia e sedano selvatico a Nemea. In commemorazione dei loro successi, i vincitori atletici potevano erigere statue di se stessi nei recinti del santuario o nelle loro città d'origine. Uno dei pochi ritratti in bronzo su larga scala di un pugile sopravvissuti oltre al Boxer at Rest è la testa di un pugile dal santuario di Zeus ad Olympia . Il naso appiattito, il viso malconcio e le orecchie a cavolfiore fanno capire chiaramente che è rappresentato un pugile veterano, e la corona di ulivi sulla sua testa lo identifica come un victor ai giochi olimpici.

  È stato suggerito che potrebbe rappresentare Satyros, figlio di Lycanax, che era noto per aver vinto la competizione di boxe dei giochi di Nemea cinque volte, due volte nei giochi di Pizia a Delfi e due volte a Olympia . Lo scrittore di viaggi greco Pausania vide la sua statua in bronzo, opera dello scultore ateniese Silanion, nel santuario di Olympia nel II secolo d.C. Ad Atene, i vincitori ricevevano olio d'oliva in grandi anfore decorate con un'immagine della dea Atena mostrata a grandi passi tra due colonne con la scritta "uno dei premi di Atene" da un lato e un'immagine dell'evento dall'altro.

  Nel secondo quarto del IV secolo aC, i giochi panatenaici avevano tre categorie di eventi di boxe: per ragazzi dai dodici ai sedici anni; giovani, o efebi; e uomini adulti. Un'iscrizione ateniese riporta che il primo premio per l'evento di boxe del ragazzo era di 30 anfore e per i giovani 40 anfore, ciascuna riempita con circa 38 litri di olio d'oliva raccolto dai boschi sacri della dea. Vasi di bronzo e treppiedi erano altri premi popolari. Sul bordo è incisa una classica hydria in bronzo della collezione del Met come premio dei giochi di Era ad Argo.

  La boxe era così popolare tra l'antica nobiltà greca, che la considerava una forma di addestramento militare, che le orecchie gonfie divennero un segno d'onore. Le regole per la boxe greca antica erano diverse da quelle odierne. Un pugile doveva affrontare un avversario dopo l'altro, in genere senza pause significative, e i colpi venivano inflitti principalmente alla testa e al viso. Lo sport si distingueva da un altro evento chiamato pankration, che era una sorta di combinazione senza esclusione di colpi di boxe, wrestling e kick-boxing in cui non era consentita solo la cavatura degli occhi.

  In origine, i guanti usati per proteggere le mani dei concorrenti erano semplici cinghie di cuoio che coprivano gli avambracci. Nel IV secolo a.C. guanti più complessi, come quelli del Boxer at Rest, erano caratterizzati da un anello rigido con cinghie di pelle di bue attorno alle dita e finiture in pelliccia in modo che l'atleta potesse asciugarsi il sudore e il sangue dalla fronte. Più tardi, durante il periodo imperiale romano, i guantoni da boxe indossati dai gladiatori si trasformarono in armi mortali con punte affilate di metallo o di vetro rotto: un singolo colpo ben piazzato di uno di questi caesti poteva uccidere un avversario.

  La straordinaria conservazione del Boxer at Rest per secoli dopo la sua creazione è di per sé un miracolo e una testimonianza dell'apprezzamento di lunga data dell'arte e della cultura greca da parte degli antichi romani. Tuttavia, potrebbe esserci stata una ragione per la salvaguardia della statua al di là delle sue eccezionali qualità artistiche. Parti delle dita dei piedi e delle dita del Boxer at Rest sono consumate dal frequente contatto nell'antichità. È stato ipotizzato che alla statua siano stati attribuiti poteri curativi, come si sa che avveniva con altre statue di atleti famosi.

  Una pietra per anelli in pasta vitrea del primo periodo imperiale sembra rappresentare la stessa statua di un pugile seduto su una roccia e potrebbe essere stato un talismano per il proprietario dell'anello. È forse grazie alla sua venerazione popolare che la statua bronzea Boxer at Rest fu protetta con tanta cura nella tarda antichità quando furono distrutte le Terme di Costantino. Immaginare la collocazione di questa magnifica statua in un ambiente pubblico come le Terme di Costantino ci permette di intravedere uno dei tanti tesori che hanno reso Roma la più grande città del mondo antico.

  È giusto che la scultura sia ora esposta nella Jaharis Gallery, che è un grande spazio Beaux-Arts progettato dallo studio di architettura di McKim, Mead & White destinato a evocare i monumentali bagni pubblici dell'antica Roma. Non perdere l'occasione di vedere questo antico capolavoro durante la sua breve visita al Metropolitan Museum of Art. [Museo metropolitano di New York].

RECENSIONE: Lascia a casa i tuoi preconcetti sull'arte antica. Una mostra innovativa all'Arthur M. Sackler Museum dell'Università di Harvard a Cambridge, nel Massachusetts, mostra come apparivano effettivamente le statue di marmo nell'antichità: coperte dalla testa ai piedi di colori vivaci. Basato su 25 anni di ricerca di Vinzenz Brinkmann, ex curatore del Museo della Glyptothek in Germania, "Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity" presenta più di 20 ricostruzioni a colori a grandezza naturale di opere greche e romane, oltre a 35 statue originali e rilievi.

  "La mostra corregge un malinteso popolare", afferma Susanne Ebbinghaus, curatrice di arte antica al Sackler, che sottolinea che le persone generalmente associano l'arte classica alla scultura in marmo bianco. "Quello che avresti visto quando hai camminato attraverso una città antica, un cimitero o un santuario", spiega, "sarebbe stata una scultura colorata: marmo dipinto, bronzo colorato, immagini di culto in oro e avorio. Cambia completamente la nostra immagine del mondo antico". 

  Passeggiando per le gallerie, mi soffermo davanti a una ricostruzione a colori di un ritratto in marmo dell'imperatore romano Caligola, che salì al trono nel 37 dC all'età di 25 anni e regnò fino al suo assassinio quattro anni dopo. Sono abituato a vederlo in "bianco classico": i suoi occhi senza pupilla si contrappongono a un pallore spettrale, congelati in uno sguardo regale. Ma il colore mi fa concentrare su diversi tratti del viso, come la zazzera di folti capelli castani che incorniciano il suo viso carnoso, che è accentuato da luminosi occhi nocciola e morbide labbra rosee.

  Le sue guance sono ombreggiate in zone che fanno risaltare una rotondità, rivelando la sua giovinezza. Mi sento come se il despota defunto dei miei aridi libri di storia fosse in realtà un tempo giovane, bello e vivo. La maggior parte degli studiosi non ha prestato molta attenzione alle leggere tracce di pigmento rimaste sulla superficie delle statue di marmo. Uno dei motivi è che gli artisti antichi usavano vernici a base minerale con leganti organici che si disintegravano nel tempo. Inoltre, poiché le statue sono state successivamente raccolte ed esposte, i resti di pittura sono stati probabilmente persi durante la pulizia.

  E anche dopo un'ampia analisi visiva e scientifica delle sculture originali, ammette Ebbinghaus, gli studiosi non sanno ancora se la vernice sia stata applicata in una o due mani, con quale fine siano stati macinati i pigmenti o esattamente quale legante sarebbe stato utilizzato in ogni caso: tutti gli elementi che influenzerebbero l'aspetto di un pezzo finito. In generale, tuttavia, le ricostruzioni cromatiche nella mostra "si avvicinano davvero alla scultura antica rispetto al semplice marmo bianco", afferma.

  Il colore ci fa ripensare a ciò che gli artisti antichi stavano effettivamente cercando di ottenere, osserva Ebbinghaus. "Per me", dice, "è stata una rivelazione". "Gods in Color" è una mostra itinerante, precedentemente mostrata in tutta Europa. È in mostra al Sackler, la prima sede degli Stati Uniti, fino al 20 gennaio. Alcuni pezzi saranno esposti alla Getty Villa di Malibu in una mostra dal titolo "The Colour of Life" (6 marzo-23 giugno 2008). [Istituto Archeologico d'America].

 

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Author	Sean Hemingway
Subtitle	Bronze Equestrian Monument from the Hellenistic Pe
Title	The Horse and Jockey from Artemision

• Condition: Usato
• Autore: Sean Hemingway
• Sottotitoli: Monumento equestre in bronzo del periodo ellenistico Pe
• Titolo: Il cavallo e il fantino di Artemision
• Marca: - Senza marca/Generico -

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