Greco Vaso Pittura Nero Rosso Atene Boeotia Corinto Laconia Meletos Amasis Met

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Greco Vaso Pittura Nero Rosso Atene Boeotia Corinto Laconia Meletos Amasis Met Questo foglio informativo sul prodotto è stato originariamente stilato in lingua inglese. Si prega di consultare appresso una traduzione automatica dello stesso in lingua italiani. Per ogni domanda, si invita cortesemente a contattarci.

"Pittura su vaso greco" di Dietrich Von Bothmer.

NOTA: Abbiamo 75.000 libri nella nostra biblioteca, quasi 10.000 titoli diversi. È probabile che abbiamo altre copie dello stesso titolo in condizioni diverse, alcune meno costose, altre in condizioni migliori. Potremmo anche avere edizioni diverse (alcune tascabili, altre con copertina rigida, spesso edizioni internazionali). Se non vedi quello che desideri, contattaci e chiedi. Saremo lieti di inviarti un riepilogo delle diverse condizioni e prezzi che potremmo avere per lo stesso titolo.

DESCRIZIONE:  Copertina morbida.  Editore: Museo Metropolitano d'Arte di New York (1987).   Pagine: 71.  Misura: 10¾ x 8¼ pollici; ¾ libbre.  Sommario: Questa pubblicazione è apparsa originariamente come "The Metropolitan Museum of Art Bulletin" per l'autunno 1972. Introduzione; Pittura vascolare greca; Indice. Belle immagini con descrizioni dettagliate per ciascuna.       

CONDIZIONE: COME NUOVA. Copertina morbida di grandi dimensioni, apparentemente non letta (anche se leggermente macchiata). New York Metropolitan Museum of Art (1994 terza ristampa del 1987 copyright) 71 pagine. Presumendo che qualcuno abbia sfogliato il libro una o due volte... ma questa è una presunzione in quanto non vi è alcun segno di usura da lettura o addirittura da navigazione sul libro. L'interno del libro è immacolato; le pagine sono pulite, nitide, non contrassegnate, non modificate, ben rilegate, se lette, apparentemente sfogliate solo una o due volte (nessuna usura di lettura visibile). Dall'esterno le copertine evidenziano solo una leggerissima usura sui bordi e sugli angoli (praticamente impercettibile). TUTTAVIA, se tieni la copertina del libro davanti a una fonte di luce e la scruti molto attentamente, puoi vedere un punto vicino all'angolo superiore aperto dove una volta c'era un cartellino del prezzo. Qualcuno l'ha strappato e c'è un punto ruvido sulla copertina, una "cicatrice" se vuoi. Sembra che qualcuno abbia poi ritoccato la copertina, forse con un pennarello nero, poiché la "cicatrice" o il punto ruvido non è realmente distinguibile a meno che non si tenga il libro davanti a una fonte di luce e si catturi la luce "proprio così". Fatta eccezione per la "cicatrice" rimossa dall'adesivo, le condizioni del libro sono altrimenti coerenti con ciò che passerebbe come "nuovo" in stock da un negozio di libri a scaffale aperto (come Barnes & Noble, Borders o B. Dalton, per esempio) in cui agli utenti è consentito sfogliare le scorte aperte, altrimenti i libri "nuovi" potrebbero mostrare un po' di usura da manipolazione/scaffale/esplorazione. Soddisfazione garantita incondizionatamente. In magazzino, pronto per la spedizione. Nessuna delusione, nessuna scusa. IMBALLAGGIO PESANTEMENTE IMBOTTITO E SENZA DANNI! Descrizioni meticolose e precise! Vendita online di libri di storia antica rari e fuori stampa dal 1997. Accettiamo resi per qualsiasi motivo entro 30 giorni! #8778d.

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RECENSIONI DELL'EDITORE: 

RECENSIONE: Dietrich von Bothmer è presidente del Dipartimento di arte greca e romana del Metropolitan Museum of Art di New York. Alan L. Boegehold è professore di studi classici alla Brown University.

RECENSIONE: storico dell'arte classicista ed esperto di vasi, curatore di arte greca e romana del Metropolitan Museum of Art. Nato da una famiglia aristocratica di Hannover, Bothmer lavorò da giovane per l'artista e scultore espressionista tedesco Erich Heckel. Suo fratello maggiore, Bernard von Bothmer, si unì ai musei berlinesi nel 1932 come egittologo e il giovane Bothmer decise lui stesso di intraprendere la carriera museale. Studiò un anno alla Friedrich Wilhelms Universität di Berlino prima di ricevere una borsa di studio della Fondazione Cecil Rhodes per studiare a Oxford nel 1938.

A Oxford incontrò JD Beazley con il quale studiò. Bothmer ha conseguito il diploma nel 1939 in Studi Classici. Fece poi un lungo soggiorno negli Stati Uniti, visitando musei e inviando informazioni sui vasi classici a Beazley, che in seguito le incorporò nelle sue monografie successive ("Attic Black-Figure Vase Painters", 1956, e "Attic Red-Figure Vase Painters"). ", seconda edizione, 1963). Studiò all'Università della California, Berkeley, dal 1940 al 1942, sotto la guida del classicista e studioso di vasi HR W.Smith. Bothmer fu membro dell'Università di Chicago per un anno nel 1942 prima di tornare a Berkeley per completare il suo dottorato di ricerca. nel 1944.

Il sentimento anti-tedesco era forte, Bothmer si arruolò nell'esercito americano sebbene non fosse cittadino, e fu assegnato al teatro del Pacifico meridionale. Lì fu ferito in azione - trasportando un commilitone per diverse miglia attraverso le linee nemiche - e gli furono assegnate una Stella di Bronzo e un Cuore Viola per i risultati eroici e la cittadinanza statunitense. Fu smobilitato nel 1945. Il fratello di Bothmer, anch'egli venuto negli Stati Uniti come curatore a Brooklyn, presentò il giovane Bothmer ai curatori, tra cui Gisela Marie Augusta Richter, curatrice di oggetti greci e romani, che lo indirizzò a un posto nel suo dipartimento come assistente curatoriale .

Bothmer rimase al Metropolitan per il resto della sua carriera. Si affermò nel mondo sociale di New York, partecipando, tra gli altri, alle serate della benefattrice d'arte Josephine Porter Boardman Crane (1873-1972). Alla fine entrò in disaccordo con il notoriamente anti-archeologo direttore del Met Francis Henry Taylor. Nel 1959 Bothmer divenne curatore. Nello stesso anno fu eletto presidente del comitato americano per il Corpus Vasorum Antiquorum, carica che mantenne fino al 1983. In questa veste, è autore di due fascicoli nel CVA, uno per il Boston Museum of Fine Arts e un altro per il Metropolitan.

Nel 1965 fu nominato professore a contratto presso l'Institute of Fine Arts della New York University e l'anno successivo gli fu assegnata una borsa di studio Guggenheim. Sposò l'ereditiera del petrolio (e vedova del marchese Jacques de la Bégassière) Joyce Blaffer (nata nel 1926), che iniziò a fare donazioni significative al Met. Nel 1990 Bothmer è stato insignito della posizione di Distinguished Research Curator presso il Metropolitan. Il Met ha chiamato le due principali gallerie di ceramica classica "Bothmer Gallery I" e "Bothmer Gallery II" (finanziate da sua moglie) in suo onore nel 1999.

Nel corso della sua vita, gli furono conferiti dottorati onorari dalle università di Oxford, Treviri ed Emory, nominato Chavalier de la Legion d'Honneur e membro sia dell'Académie française che del Deutsches Archäologisches Institut (DAI). Il fratello di Bothmer, Bernard, era un egittologo e storico dell'arte alla New York University. La carriera di Bothmer al Metropolitan è stata spesso controversa. Nel 1967, il direttore finanziario del museo, Joseph V. Noble e Bothmer annunciarono che un famoso cavallo di bronzo acquisito nel 1923 dal museo era un falso basato su motivi stilistici e test sui raggi gamma.

La coppia ha fatto un annuncio pubblico e ha rimosso il cavallo dalla vista. Tuttavia, Carl Bluemel dubitava delle loro scoperte stilistiche, così come il curatore di arte greca e romana presso il Museum of Fine Arts di Boston, Cornelius Vermeule. Quando successivamente furono eseguiti test tecnici più sofisticati, l'opera fu dimostrata autentica. Bothmer fu anche accusato che il suo desiderio di assicurarsi pezzi eccellenti per il Museo lo portasse a premiare commercianti e ladri senza scrupoli.

Il Met vendette gran parte della sua collezione di monete per pagare l'acquisizione, indignando sia i professionisti dei musei che gli archeologi. L'oscura provenienza del vaso ha portato molti archeologi a credere che fosse stato recentemente scavato illegalmente da un sito archeologico italiano, probabilmente Cerveteri. Sebbene Bothmer e il direttore della metropolitana Thomas Hoving insistessero che il vaso fosse rimasto in pezzi in una collezione di famiglia a Beirut, Hoving in seguito ammise nel 1993 che le prove citate per la collezione di Beirut non facevano mai parte del cratere Euphronios del Met. Il cratere è stato rimpatriato nel 2006.

RECENSIONE: Dietrich Felix von Bothmer (1918–2009) è stato uno storico dell'arte americano di origine tedesca, che ha trascorso sessant'anni come curatore presso il Metropolitan Museum of Art, dove è diventato lo specialista leader a livello mondiale nel campo dei vasi greci antichi. Von Bothmer è nato a Eisenach, in Germania, il 26 ottobre 1918. Ardente oppositore della dittatura nazista, von Bothmer frequentò l'Università Friedrich Wilhelms di Berlino e poi andò al Wadham College di Oxford nel 1938 con l'ultima borsa di studio Rhodes assegnata in Germania. Lì lavorò con Sir John Beazley sui suoi libri Attic Red-Figure Vase-Painters e Attic Black-Figure Vase-Painters, lavorando in collaborazione per raggruppare opere identificando i singoli artigiani e laboratori che avevano creato ciascuno delle centinaia di vasi greci. Si laureò nel 1939 con una specializzazione in archeologia classica.

Un tour dei musei negli Stati Uniti nel 1939 lasciò von Bothmer bloccato lì con l'inizio della seconda guerra mondiale. A causa dei suoi forti sentimenti antinazisti, si rifiutò di tornare in Germania e riuscì a scampare al rimpatrio in Germania contro la sua volontà. Ha conseguito il dottorato presso l'Università della California, Berkeley nel 1944. Sebbene non fosse ancora cittadino, nel 1943 si arruolò volontario nell'esercito degli Stati Uniti. Dopo 90 giorni nell'esercito americano, prestò giuramento come cittadino statunitense nel marzo 1944. Prestò servizio nel teatro delle operazioni del Pacifico, guadagnandosi una medaglia di stella di bronzo e un cuore viola per un cospicuo atto di coraggio l'11 agosto 1944, mentre prestava servizio nel Pacifico meridionale, dove, nonostante fosse ferito lui stesso alla coscia, al piede e al braccio , recuperò un compagno ferito e lo riportò indietro di tre miglia attraverso le linee nemiche.

Dopo aver completato il servizio militare, fu assunto dal Metropolitan Museum of Art nel 1946 e fu nominato curatore nel 1959. Nel 1973 divenne presidente del dipartimento e nel 1990 fu nominato illustre curatore della ricerca. Il governo italiano ha chiesto la restituzione dell'oggetto, adducendo che il vaso era stato prelevato illegalmente da un antico sito etrusco vicino a Roma. Il cratere era uno dei 20 pezzi che il museo ha rispedito in Italia nel 2008 in cambio di prestiti pluriennali di manufatti antichi che sono stati esposti al Met, come parte di un accordo raggiunto nel 2006.

La mostra di Von Bothmer del 1977 "Tesori della Tracia dalla Bulgaria" copriva venti secoli di cultura della Tracia, con più di 500 opere d'arte risalenti all'età del rame. La mostra del 1979 "Arte greca delle Isole dell'Egeo" comprendeva 191 pezzi, di cui 46 provenivano dal Met e un numero simile dal Louvre. Il resto proveniva da diversi musei greci, inclusa la più grande scultura delle Cicladi conosciuta, risalente al 2700-2300 a.C., in prestito dal Museo Archeologico Nazionale di Atene. Una mostra del 1985 basata sulla sua ricerca, "Il pittore di Amasis e il suo mondo: la pittura vascolare nell'Atene del sesto secolo a.C.", comprendeva 65 opere di un singolo artista che creò le sue ceramiche 2.500 anni prima, il primo a documentare la storia del lavoro di un singolo artigiano di quel periodo antico come mostra personale.

Le numerose opere pubblicate di Von Bothmer nel campo includono "Le Amazzoni nell'arte greca", "Arte antica dalle collezioni private di New York" del 1957 e "An Inquiry Into the Forgery of the Etruscan Terracotta Warriors in the Metropolitan Museum of Art" (con Joseph V . Noble), entrambi pubblicati nel 1961, "Greek Vase Painting: an Introduction" nel 1972, il suo libro del 1985 "The Amasis Painter and His World: Vase-Painting in Sixth-Century BC Athens", il suo libro del 1991 "Glories of the Past : Arte antica dalla collezione Shelby White e Leon Levy", e nel 1992, "Euphronios, peintre: Actes de la journee d'etude organisee par l'Ecole du Louvre et le Departement des antiquites grecques, etrusques de l'Ecole du Louvre ". Ha anche contribuito nel 1983 a "Wealth of the Ancient World (Hunt Art Collections"), a "Development of the Attic Black-Figure" Revised edition (Sather Classical Lectures)" nel 1986 e ad un'ampia varietà di altre pubblicazioni. Secondo uno studio del 1994 del Consiglio Nazionale delle Ricerche, nel 1965 ottenne un incarico di docente presso l'Institute of Fine Arts, il programma di laurea in storia dell'arte più prestigioso della nazione.

Von Bothmer ha ricevuto numerosi premi e citazioni, tra cui un Chevalier de la Légion d'honneur; un membro dell'Académie française (uno dei soli due americani ad avere questo onore); membro onorario del Wadham College; e diversi dottorati onorari. A complemento della sua carriera di curatore e accademico, ha fatto parte dell'Art Advisory Council della International Foundation for Art Research (IFAR). Residente sia nel distretto di Manhattan a New York City che in Oyster Bay, New York, von Bothmer morì all'età di 90 anni il 19 ottobre 2009 a Manhattan. Suo fratello era il famoso egittologo Bernard V. Bothmer, morto nel 1993.

SOMMARIO: Pittore di Achille (Pittore di Meletos) (greco, attivo intorno al 470–425 aC circa).

Pittore di Amasis (greco, attivo intorno al 560–515 aC circa).

Pittore di Andokides (greco, attivo intorno al 530–515/10 a.C. circa).

Asteas (greco, attivo intorno al 350-320 a.C. circa).

Pittore di Berlino (greco, attivo intorno al 500–475 a.C. circa).

Pittore Briseide (Pittore di vasi attico, attivo intorno al 480 a.C. circa).

Pittore di Brygos (greco, attivo intorno al 490–470 aC circa).

Douris (greco, attivo dal 500 al 475 a.C.).

Pittore di Eretria (Pittore di vasi attico, attivo intorno al 420 a.C. circa).

Ergotimo | Pittore di Euphiletos (greco, attivo intorno al 530–520 aC circa).

Euphronios (greco, circa 520–470 aC circa).

Euxitheos (greco, VI secolo a.C.).

Exekias (greco, attivo dal 540 al 520 a.C.).

Gruppo di Boston: Kleitias, pittore di Kleophrades (greco, attivo intorno al 505–475 aC circa).

Gruppo Konnakis (greco, attivo in Puglia, circa 375–350 aC circa).

Makron (greco).

Oltos (greco, attivo intorno al 525–500 aC circa).

Pittore dei Satiri Lanosi.

Pittore di Pan.

Psiax (greco, attivo intorno al 530–500 aC circa).

Pittore di Villa Giulia (greco, attivo intorno al 475–450 aC circa).

RECENSIONI PROFESSIONALI: 

RECENSIONE: Questa pubblicazione è apparsa originariamente come "The Metropolitan Museum of Art Bulletin" per l'autunno 1972. È stato rivisto e ampliato dall'autore. Introduzione; Pittura vascolare greca; Indice. Belle immagini con descrizioni dettagliate per ciascuna. [Biblioteca delle Arti della Ceramica].

RECENSIONI DEI LETTORI: 

RECENSIONE: Ottimo libro di consultazione. Molte illustrazioni. Un ottimo inizio per il collezionista e l'amatore.

RECENSIONE: Una favolosa panoramica del soggetto con una fotografia straordinaria. Vintage ma sicuramente attuale.

RECENSIONE: Lo amavo! Un bellissimo libro Ti divertirai.

SFONDO AGGIUNTIVO: 

RECENSIONE: La ceramica è praticamente indistruttibile. Sebbene possa rompersi in pezzi più piccoli (chiamati frammenti), questi dovrebbero essere ridotti manualmente in polvere per essere rimossi dalla documentazione archeologica. In quanto tale, il materiale di studio è abbondante e questo è eccezionalmente utile per gli studiosi moderni. Oltre ad essere un eccellente strumento per la datazione, la ceramica consente ai ricercatori di individuare siti antichi, ricostruire la natura di un sito e individuare prove di scambi commerciali tra gruppi di persone. Inoltre, i singoli vasi e la loro decorazione dipinta possono essere studiati in dettaglio per rispondere a domande sulla religione, sulla vita quotidiana e sulla società.

Realizzati in terracotta (argilla cotta), vasi e tazze dell'antica Grecia, o “vasi” come vengono normalmente chiamati, erano modellati in una varietà di forme e dimensioni e molto spesso la forma di un vaso è correlata alla sua funzione prevista. Ad esempio, il cratere veniva utilizzato per mescolare acqua e vino durante un simposio greco (una festa tutta maschile). Permette a un individuo di versare liquidi nella sua ampia apertura, mescolare il contenuto nella sua ciotola profonda e accedere facilmente alla miscela con un mestolo separato o una piccola brocca. Oppure il vaso noto come hydria veniva utilizzato per raccogliere, trasportare e versare l'acqua. Presenta un corpo a bulbo, un beccuccio pizzicato e tre maniglie (due ai lati per tenerlo e uno allungato lungo la parte posteriore per inclinarlo e versare).

Per descrivere le diverse zone dei vasi, gli specialisti hanno adottato termini che si riferiscono alle parti del corpo. L'apertura del vaso si chiama bocca; il gambo viene chiamato collo; la pendenza dal collo al corpo è chiamata spalla; e la base è conosciuta come il piede). All'esterno i vasi greci presentano composizioni dipinte che spesso riflettono lo stile di un certo periodo. Ad esempio, i vasi creati durante il periodo geometrico (circa 900-700 a.C.) presentano motivi geometrici, come si vede sulla famosa anfora Dipylon (sotto), mentre quelli decorati nel periodo orientalizzante (circa 700-600 a.C.) mostrano processioni di animali e Motivi del Vicino Oriente.

Successivamente, durante i periodi arcaico e classico (circa 600-323 a.C.), i dipinti vascolari mostrano principalmente attività umane e mitologiche. Queste scene figurali possono variare ampiamente, dagli eventi della vita quotidiana (ad esempio, andare a prendere l'acqua alla fontana) alle gesta eroiche e ai racconti omerici (ad esempio, Teseo e il toro, Ulisse e le Sirene), dal mondo degli dei (ad esempio, Zeus che rapisce Ganimede) alle rappresentazioni teatrali e alle gare atletiche (ad esempio l'Orestea, corsa delle bighe). Sebbene sia importante sottolineare che tali scene dipinte non dovrebbero essere pensate come fotografie che documentano la realtà, possono comunque aiutare a ricostruire la vita e le credenze degli antichi greci.

Per produrre i caratteristici colori rosso e nero che si trovano sui vasi, gli artigiani greci usavano l'argilla liquida come vernice (chiamata “barbottina”) e perfezionavano un complicato processo di cottura in tre fasi. Non solo i vasi dovevano essere impilati nel forno in un modo specifico, ma le condizioni all'interno dovevano essere precise. Innanzitutto, la temperatura è stata portata a circa 800° centigradi e le prese d'aria hanno consentito un ambiente ossidante. A questo punto l'intero vaso divenne di colore rosso. Successivamente, sigillando le aperture ed aumentando la temperatura fino a circa 900-950° centigradi, tutto divenne nero e le zone dipinte con la barbottina vetrificate (trasformate in una sostanza vetrosa). Infine, nell'ultima fase, sono state riaperte le bocchette e sono state ripristinate le condizioni ossidanti all'interno del forno.

A questo punto le zone non verniciate del recipiente tornavano ad essere rosse mentre l'ingobbio vetrificato (le zone verniciate) conservavano una tonalità nera lucida. Attraverso l'immissione e la sottrazione di ossigeno nel forno e, contemporaneamente, l'aumento e la diminuzione della temperatura, la barbottina si trasformava in un colore nero lucido. In breve, i vasi greci antichi mostrano diverse tecniche pittoriche, e queste sono spesso specifiche del periodo. Durante i periodi geometrico e orientalizzante (900-600 a.C.), i pittori utilizzavano il compasso per tracciare cerchi perfetti e utilizzavano metodi di sagoma e contorno per delineare forme e figure.

Intorno al 625-600 aC, Atene adottò la tecnica a figure nere (cioè figure di colore scuro su sfondo chiaro con dettagli incisi). Originario di Corinto quasi un secolo prima, il disegno a figure nere utilizza lo stile della silhouette insieme all'aggiunta di colore e incisione. L'incisione prevede la rimozione della barbottina con uno strumento affilato, e forse la sua applicazione più magistrale si trova su un'anfora di Exekias. Spesso descritti come Achille e Aiace che giocano, i guerrieri seduti si inclinano verso il centro della scena e sono vestiti con indumenti che presentano intricati motivi incisi. Oltre a rappresentare figure definite in modo più realistico, i pittori a figure nere si preoccupavano di differenziare il genere con il colore: le donne venivano dipinte con l'aggiunta di bianco, gli uomini rimanevano neri.

La tecnica a figure rosse fu inventata ad Atene intorno al 525-520 a.C. ed è l'inverso della tecnica a figure nere. Qui le figure di colore chiaro sono poste su uno sfondo scuro. Usando colore aggiunto e un pennello per dipingere i dettagli, i pittori a figure rosse diluivano o addensavano la barbottina per creare effetti diversi. Lo smalto diluito o "smalto diluito" ha l'aspetto di un lavaggio e veniva utilizzato per capelli, pelliccia e anatomia, come esemplificato dal mantello abbozzato della lepre e dalla muscolatura del giovane all'interno di questa coppa di Gorgos. Una volta addensata, la barbottina veniva utilizzata per formare le cosiddette “linee di rilievo” o linee sollevate in modo prominente dalla superficie, e queste venivano spesso impiegate per delineare le forme. Sorprendentemente simile a quella a figure rosse è la tecnica del fondo bianco.

Sebbene visivamente piuttosto diverso con le sue figure policrome su uno sfondo bianco, il fondo bianco richiede che l'artigiano dipinga nei dettagli delle forme proprio come le figure rosse, piuttosto che inciderle. Accanto a figure e oggetti si trovano talvolta iscrizioni. Questi identificano figure mitologiche, uomini o donne bellissimi contemporanei al pittore (iscrizioni “kalos” / “kale”), e persino il pittore o vasaio stesso (“egrapsen” / “epoiesen”). Le iscrizioni, tuttavia, non sono sempre utili. Imitando l'aspetto di un testo significativo, le "iscrizioni senza senso" ingannano lo spettatore analfabeta disponendo le lettere greche in modo incoerente.

La qualità complessivamente attraente dei vasi greci, le loro dimensioni relativamente piccole e, a un certo punto, la loro natura facilmente ottenibile, li portarono a essere oggetti da collezione molto ambiti durante i secoli XVIII e XIX. A partire dalla seconda parte dell'Ottocento, però, lo studio dei vasi divenne un'attività dotta e la loro decorazione l'ossessione di intenditori dotati della capacità di riconoscere e attribuire le mani dei singoli pittori. Il più noto conoscitore di vasi del XX secolo, un ricercatore interessato all'attribuzione, alla tipologia e alla cronologia, fu Sir John Davidson Beazley.

Interessato alle tecniche ateniesi a figure nere, a figure rosse e a fondo bianco, Beazley non prediligeva gli esemplari splendidamente dipinti; era imparziale e studiava brani di varia qualità con uguale attenzione. Dai suoi noiosi ed esaustivi esami, raccolse oltre 1000 pittori e gruppi e attribuì oltre 30.000 vasi. Sebbene alcuni ricercatori dopo la morte di Beazley continuino ad attribuire ed esaminare lo stile di pittori o gruppi specifici, gli studiosi di vasi oggi mettono in discussione anche la produzione tecnica dei vasi, i loro contesti archeologici, la loro distribuzione locale ed estera e la loro iconografia. [KhanAcademy.org].

Gli esperti tendono a parlare di "vasi greci" e di "pittura vascolare greca", piuttosto che di ceramica. Questa terminologia è in uso da molto tempo e riflette il lungo, e indiscutibilmente stretto, rapporto del materiale con la storia dell'arte. La ricerca sui vasi greci si sviluppò a partire dagli inizi del XVIII secolo, quando in Italia si cominciò a scoprire un gran numero di esemplari.

Le classificazioni generali per la ceramica greca sono le stesse di qualsiasi altra: luogo, tempo, forma, tecnica e decorazione. La maggior parte è stata trovata nelle tombe. I contesti domestici sono rari perché i siti sono stati riutilizzati; ci vuole un vulcano come il Vesuvio per preservare la vita così come veniva vissuta. I contesti santuari sono noti, ma anch'essi non sono numerosi. Sapere dove è stata ritrovata la ceramica non ne conferma necessariamente la funzione. Ad esempio, alcuni reperti trovati nelle tombe furono realizzati per i funerali, ma altri furono inizialmente realizzati per un altro scopo, usati, a volte addirittura riparati, e sepolti con i morti, presumibilmente come un bene prezioso.

Il focus di questo articolo è la ceramica fine fatta al tornio, cotta a temperature relativamente elevate e decorata in vari modi, ma oggi si conoscono grandi quantità di ceramica greca antica grossolana e non decorata, e questo materiale non è privo di importanza. La maggior parte delle persone che producevano ceramiche più pregiate probabilmente realizzavano anche altri prodotti in argilla, come sarcofagi, tegole, piccoli altari, figurine di terracotta e placche. L'unico luogo e periodo in cui vi era una produzione più specializzata di ceramiche decorate con figure più fini è Atene tra la fine del VI e il V secolo.

La ceramica prodotta in Grecia tra il 1000 e il 300 aC circa è stata conservata in grandi quantità. La maggior parte degli esempi provengono da tombe scoperte non solo in Grecia, ma anche in molte parti della regione mediterranea, in particolare in Italia, dove la ceramica veniva esportata in grandi quantità nell'antichità. La ceramica "pregiata" con decorazioni figurate, soprattutto quella prodotta ad Atene tra il 625 e il 300 aC circa, è di grande importanza per gli archeologi e gli storici perché le forme e gli stili di decorazione possono essere datati con precisione, spesso entro vent'anni dalla produzione.

La capacità degli studiosi di riconoscere singoli pittori vissuti più di 2500 anni fa, in assenza di firme e di documentazione letteraria coeva, ha reso lo studio della ceramica greca decorata a figure un argomento di Storia dell'Arte. La conoscenza dei vasi greci, in particolare ateniesi, costituisce un modello di eccellenza, coniugando l'attento esame personale degli oggetti con una rigorosa documentazione di forme, tecniche e stili di decorazione.

La ceramica greca è stata realizzata da persone di lingua greca. Un numero significativo viveva al di fuori dell'area riconosciuta oggi come Grecia. Vi è, ad esempio, una grande quantità di materiale proveniente dagli insediamenti costieri della moderna Turchia e da alcune delle sue isole al largo, in particolare del VI secolo. La ceramica in stile greco veniva prodotta anche nel Mediterraneo occidentale, ad esempio nell'Italia meridionale e in Sicilia, a partire dalla fine del V secolo. L'interazione tra greci e non greci ha influenzato le forme, le tecniche e la decorazione della ceramica greca.

La ceramica dipinta greca ha una lunga storia. Convenzionalmente i primi esempi sono datati intorno al 1000 a.C., gli ultimi intorno al 300 a.C. La tradizione può essere fatta risalire alla ceramica dell'età del bronzo (cretese e micenea) e portata avanti attraverso il tardo ellenismo, ma entrambi questi gruppi sono sufficientemente diversi dai principali sequenza che tendono ad essere studiati separatamente. Cosa tiene insieme la sequenza principale? La risposta è la storia politica, sociale ed economica, così come la conoscenza dell’invasatura e della pittura tramandata di generazione in generazione. Convenzionalmente la ceramica più pregiata di questi 700 anni viene divisa in gruppi, per secoli o metà, addirittura quarti, secoli, secondo stili e tecniche di decorazione.

Poiché la ceramica può essere datata con precisione, spesso entro 20 o 25 anni, attraverso date assolute e relative, si tende a usarla per datare altri tipi di oggetti, trovati sia in Grecia che nelle terre in cui i greci viaggiavano, commerciavano e si stabilivano. . C'è anche la tendenza a utilizzare termini adottati per gli stili di decorazione della ceramica per denotare periodi di tempo. Ad esempio, si parla spesso di “Grecia geometrica”, ma questa terminologia non è precisa e dovrebbe essere evitata; "Atene geometrica" ​​non è cronologicamente la stessa di "Corinto geometrica".

Buoni manuali presentano la ceramica greca in ordine cronologico, con sottosezioni dedicate alle regioni. Solo Atene figura in primo piano come centro di produzione in tutti i periodi, ed è per questa ragione che l'ateniese viene utilizzato nella seguente breve introduzione ai principali stili e tecniche. Negli stili protogeometrico e geometrico la tecnica di solito non è altro che una pittura scura su fondo chiaro. 'Orientalizzante' è il nome dato allo stile successivo, prodotto in una varietà di tecniche, sotto la crescente influenza orientale a partire dal 700 aC circa. Alcuni greci, tra cui gli ateniesi, disegnavano le loro figure sulla ceramica, come avrebbero potuto dipingerle sui muri.

Altri, inizialmente i Corinzi, incidevano dettagli sulla sagoma delle figure con uno strumento affilato, come avrebbero potuto inseguire la decorazione sul metallo. Per un secolo o più, a seconda di dove vivevano, i greci svilupparono città-stato, alcune sotto potenti tiranni, e ottennero l'accesso a beni di "lusso" più orientali. Da piccoli oggetti portatili, ad esempio di metallo o d'avorio, prendevano motivi decorativi comuni e li adattavano alle proprie esigenze. Il godimento dei lussi orientali, tuttavia, fu limitato a partire dalla metà del VI secolo, dopo di che i persiani iniziarono a conquistare gli insediamenti greci a est e persino a minacciare i greci in patria.

Sebbene non sia mai stata artisticamente celebrata come Atene né militarmente rinomata come Sparta, la città-stato di Corinto fu tuttavia un attore importante nel rinascimento della Grecia durante il primo millennium a.C., contribuendo in particolare allo sviluppo delle arti visive che raggiunse il suo apice nel V secolo a.C. La sua favorevole posizione geografica - situata sull'istmo tra il Peloponneso e l'Attica, con facile accesso all'Adriatico a ovest e all'Egeo a est - e la peculiare capacità di prosperare hanno sostenuto una storia movimentata dal Neolitico fino al oltre il sacco di Corinto da parte dei Romani nel 146 a.C

Il racconto di Pausania della sua visita a Corinto nel II secolo d.C. registra la varietà di miti a lungo associati alla zona: la scrofa di Krommyon uccisa da Teseo, il brigante Sinis che fece a pezzi le sue vittime tra due pini flessi, le fondamenta del I Giochi Istmici di Sisifo - così come i tanti antichi edifici ancora in piedi, dall'arcaico Tempio di Apollo alle Sorgenti di Peirene, dalla ricca Agorà al Santuario di Afrodite. Il termine usato da Strabone per queste reliquie della città precedente, "Necrocorinzia", ​​fu usato da Humfrey Payne come titolo per il suo importante libro del 1933 sulla ceramica corinzia.

A partire dall'VIII secolo a.C., molti altri insediamenti locali furono attratti dalla ricca pianura costiera, dalle numerose sorgenti, dai porti di Lechaion e Kenchriai e dalla ripida acropoli di Acrocorinto che offriva protezione, con il risultato che Corinto fu in grado di espandersi, stabilire colonie all'estero, in particolare a Corfù e in Sicilia, e perseguire un maggiore commercio estero. Il primo scavo archeologico moderno fu intrapreso dai tedeschi nel 1886. Dal 1896 gli scavi sistematici furono continuati dalla Scuola Americana di Studi Classici ad Atene.

Sono state scoperte ceramiche protogeometriche della tarda età del bronzo e della prima età del ferro, ma è lo stile geometrico successivo ad essere ben rappresentato. Vasi corinzi realizzati nella prima metà dell'VIII secolo a.C. sono stati rinvenuti nel vicino santuario di Perachora e Delfi più avanti lungo il Golfo di Corinto, ad Aetos a Corfù, e in tutta la Sicilia e l'Italia meridionale, fornendo agli archeologi prove dell'esplorazione corinzia del mare. percorsi e per la datazione dei siti.

Alla fine dell'VIII secolo, quando lo stile geometrico volgeva al termine, il contatto corinzio con il Vicino Oriente fu di stimolo per lo stile orientalizzante della ceramica greca. Le prove provenienti dagli scavi del "quartiere dei vasai", un miglio a ovest di Corinto, sembrerebbero supportare questo crescente interesse per gli oggetti dipinti. I motivi geometrici tradizionalmente spigolosi venivano sostituiti con la flora e la fauna sinuose che caratterizzano lo stile protocorinzio. Per gran parte del VII e VI secolo Corinto guidò il mondo greco nella produzione ed esportazione di ceramiche.

Quando le merci attiche sostituirono quelle corinzie a metà del VI secolo, Corinto aveva lasciato un'eredità significativa di sviluppi artistici, non solo nella ceramica, ma anche nell'architettura, che aveva prosperato sotto la potente e aristocratica famiglia Bacchiad, come descrive Erodoto. Una monarchia fu fondata da Kypselos nel 657, il cui successore, Periander, potrebbe essere stato responsabile della costruzione del sentiero di pietra (diolkos) attraverso il quale le navi venivano trascinate attraverso l'istmo. Molte guerre nei secoli successivi erosero le risorse di Corinto e la città cadde nelle mani di Filippo di Macedonia nel 338. La sua partecipazione alla Confederazione achea nella seconda guerra macedone la portò infine al saccheggio nel 146, ma Corinto fu rifondata come colonia romana. Quando Paolo vi fondò una chiesa paleocristiana alla fine del I secolo d.C., Corinto era ancora una volta una splendida città.

Storicamente Atene ha ricevuto gran parte del merito per aver impedito alla Grecia di diventare parte dell’Impero Persiano. Il V secolo fu il suo periodo più bello, documentato nella letteratura contemporanea, che è sopravvissuta, e celebrato nell'arte monumentale, anch'essa sopravvissuta; l'esempio più famoso è il Partenone. Il V secolo, e la fine del VI, furono anche il periodo in cui fu prodotta la migliore ceramica. Ciò che lo distingueva era la ricchezza della narrazione, la precisione tecnica e un raffinato senso del design estetico.

Le aspirazioni imperiali di Atene furono deluse alla fine del V secolo, dopo che entrò in un disastroso conflitto con la sua rivale Sparta, documentato anche nella letteratura contemporanea. Economicamente sembra essersi ripresa abbastanza rapidamente, ma i grandi artisti si erano già rivolti altrove per il mecenatismo. Anche la produzione della ceramica ne risentì. Nel complesso la qualità della forma e della tecnica della decorazione tendeva a declinare, lasciandoci l'impressione che la pittura di pregio fosse eseguita su pareti e non più su ceramica.

Il rapporto tra la pittura greca e la ceramica greca ha intrigato a lungo gli studiosi. La ceramica greca, anche la più raffinata con decorazioni figurate, è stata conservata in quantità. Oggi più di 100.000 esempi di arte ateniese, dal 600 al 300 a.C., sono conservati in musei e collezioni private in tutto il mondo. La pittura greca, invece, del periodo 1000-300 aC è appena sopravvissuta. Ci sono dipinti murali di strutture sontuose dell'età del bronzo e dipinti tombali della Macedonia della fine del IV secolo, ma poco prezioso dalla Grecia continentale. I nomi dei pittori murali nelle fonti letterarie antiche, la descrizione dei soggetti di dipinti famosi e le discussioni sulle tecniche rendono irresistibile per gli studiosi cercare scorci di quest'arte perduta.

Raramente conosciamo il nome antico delle forme, anche se disponiamo di letteratura contemporanea. Le immagini dipinte sulla ceramica possono fornire gli indizi più affidabili per collegare la funzione alla forma. Le forme mostrano continuità e un notevole grado di omogeneità per un lungo periodo. Anche nell'Atene del V secolo, al culmine della produzione "pregiata", ce ne sono appena più di 30. Di questi meno della metà sono comuni. Nel complesso c'è solo una modesta varietà nella tecnica, nel design e negli elementi decorativi.

Le figure dominano; di solito sono umani e sono solitamente incorniciati da modelli che, sebbene vari, derivano da una gamma modesta di elementi componenti. La coerenza complessiva, dovuta alla produzione su larga scala e abbastanza sofisticata, e al gran numero di esempi conservati, hanno aiutato Sir John Beazley, tra gli altri, a classificare il materiale. Beazley fu così meticoloso nel registrare i dettagli sulla ceramica ateniese decorata con figure dal VI al IV secolo che poteva essere trasferita sul computer con modifiche minime.

La forma d'arte più vicina che è stata conservata è la pittura su ceramica, e la ceramica principale durante il periodo dei grandi pittori murali è quella ateniese. Dal 600 al 500 circa le principali tecniche ceramiche erano figure nere su fondo rosso (figure nere), e dal 500 al 300 circa, un'inversione del procedimento di cottura, dando figure rosse su fondo nero (figure rosse). Nessuna delle due tecniche è molto realistica, ma entrambe sono durevoli e sfruttano il naturale rossore dell'argilla ateniese, ricca di ferro.

Una terza tecnica delinea le figure su un fondo reso bianco utilizzando una speciale argilla esente da ossidi di ferro, applicata sopra la comune argilla rossastra. Questa cosiddetta tecnica del fondo bianco (fondo bianco) ha una storia piuttosto lunga, ma è comune solo ad Atene nel V secolo. Dà un effetto più realistico rispetto a quello a figure nere e rosse e consente l'aggiunta di colori che vanno dal giallo al rosa, rosso, viola e blu - e probabilmente si avvicina di più alla pittura su pannelli e pareti. La tecnica del disegno è, tuttavia, solitamente la stessa di quella a figure rosse.

Le fonti antiche descrivono i progressi compiuti nell'arte della pittura, e alcune possono essere paragonate, a grandi linee, alla ceramica ateniese. Ecco alcuni esempi, in ordine cronologico. Fino al 520 a.C. circa la figura umana era raffigurata come in tutta l'arte bidimensionale precedente, di profilo o, meno comunemente, in combinazione di profilo e vista frontale. Successivamente, verso la fine del VI secolo, su alcune grandi forme di argilla ben realizzate, alcuni pittori sperimentarono pose più realistiche, tentando di mostrare il corpo umano così com'era nella vita e non stilizzato come nell'arte.

Hanno anche tentato di mostrarlo in movimento. Nelle fonti antiche (Plinio, Storia naturale 35,55-6) si dice che un uomo di nome Kimon, della città di Kleonai, abbia inventato in questo periodo le viste di tre quarti, mostrando figure in varie pose, guardando in alto, in basso, all'indietro, ecc. ., con parti del corpo chiaramente articolate - ossa e muscoli, perfino vene - e panneggi con pieghe e grinze. Progressi simili possono essere visti nella scultura, in particolare nel bassorilievo, più o meno nello stesso periodo, ma i primi passi verso il cambiamento artistico potrebbero essere arrivati ​​dai disegnatori.

  A metà del V secolo un piccolo numero di forme belle e grandi presentano figure disposte su diversi livelli, non su un'unica linea di fondo come nell'arte precedente. In questo periodo le fonti antiche ci dicono che uno dei più famosi pittori greci, Polignoto, dell'isola greca settentrionale di Taso, introdusse figure su diversi livelli nei dipinti che eseguì sulle pareti di alcuni degli edifici più prestigiosi, a Delfi e Atene.

  Alla fine del V secolo ci raccontano che Parrasio e Zeusi, i più grandi pittori del loro tempo, introdussero nuove tecniche. Si dice che il primo abbia utilizzato il contorno in modi nuovi che hanno ottenuto un maggiore realismo, il secondo l'ombreggiatura. Questi progressi tecnici, fondamentali per la successiva pittura occidentale quanto l'abbandono della rigida visione di profilo all'inizio del secolo, possono essere messi in parallelo su alcune eccezionali ceramiche a fondo bianco datate secondo criteri indipendenti intorno al 400 a.C.

  Gli esperti tendono a parlare di "vasi greci" e di "pittura vascolare greca", piuttosto che di ceramica. Questa terminologia è in uso da molto tempo e riflette il lungo, e indiscutibilmente stretto, rapporto del materiale con la storia dell'arte. La ricerca sui vasi greci si sviluppò a partire dagli inizi del XVIII secolo, quando in Italia si cominciò a scoprire un gran numero di esemplari.

  Le classificazioni generali per la ceramica greca sono le stesse di qualsiasi altra: luogo, tempo, forma, tecnica e decorazione. La maggior parte è stata trovata nelle tombe. I contesti domestici sono rari perché i siti sono stati riutilizzati; ci vuole un vulcano come il Vesuvio per preservare la vita così come veniva vissuta. I contesti santuari sono noti, ma anch'essi non sono numerosi. Sapere dove è stata ritrovata la ceramica non ne conferma necessariamente la funzione. Ad esempio, alcuni reperti trovati nelle tombe furono realizzati per i funerali, ma altri furono inizialmente realizzati per un altro scopo, usati, a volte addirittura riparati, e sepolti con i morti, presumibilmente come un bene prezioso.

  L'elemento finale nella classificazione di Sir John Beazley era l'identificazione dei singoli pittori. Seppe assegnare a pittori circa la metà dei vasi che conosceva, anche se frammentari o di scarsa qualità, e questi furono registrati in elenchi che furono pubblicati dagli anni Venti fino al 1970, anno della sua morte. Dal 1979 questi elenchi vengono aggiornati elettronicamente. [Università di Oxford].

  RECENSIONE: Un confronto tra pezzi precedenti (del Neolitico e della prima età del bronzo [II millennium a.C.]) mostra i miglioramenti apportati dal tornio alla finezza e alle forme dei vasi. Esempi dell'età del bronzo (tutti risalenti a prima del 1100 a.C.) provenienti da Cipro, Creta (i cosiddetti articoli "minoici") e dalla Grecia continentale (i cosiddetti "micenei") mostrano una varietà di articoli grezzi e fini, alcuni realizzati a mano e altri realizzati al tornio.

  L'interazione tra i Greci e gli abitanti del Vicino Oriente è suggerita dalle somiglianze di questi articoli con quelli usati dai loro vicini orientali, e dall'inclusione di motivi "orientali" come leoni, sfingi e fiori di loto, specialmente sui vasi arcaici (quelli realizzati nel periodo dal 700 al 480 a.C.). Gli articoli di "naucratite" (da Naucratis, una stazione commerciale greca in Egitto) mostrano l'infusione di stili greci in Egitto.

  Nell'alto periodo arcaico (VII-VI secolo aC) i Corinzi furono i maggiori produttori di articoli decorati greci e furono pionieri nello sviluppo del cosiddetto stile a figure nere (figure nere su sfondo rosso). Gli Ateniesi adottarono questo stile e con esso divennero i principali produttori di oggetti decorativi nel VI secolo a.C. Sperimentarono anche altre tecniche, di cui la più importante divenne lo stile a figure rosse (figure rosse su sfondo nero), che iniziò essere prodotto nel 530 a.C

  Dopo che Atene perse le sue fortune a causa della guerra del Peloponneso (431-404 a.C.), molti dei suoi artisti cercarono mercati all'estero (ad esempio, lo stile Kerch fu utilizzato per le esportazioni ateniesi nella regione del Mar Nero nel IV secolo a.C.). Alcuni di questi artisti si trasferirono all'estero e avviarono attività di successo nell'Italia meridionale - nelle regioni Sicilia, Puglia, Lucania e Campania, e in città come Gnathia (Egnazia) e Paestum - dove adattarono lo stile a figure rosse ai tessuti locali, forme e decorazioni. Questi e i successivi stili ellenistici trassero particolare vantaggio dall’uso del colore aggiunto. [Museo URE di Archeologia Greca].

  RECENSIONE: Conosciamo i nomi di alcuni ceramisti e pittori di vasi greci perché firmavano le loro opere. Generalmente un pittore firmava il suo nome seguito da una qualche forma del verbo 'dipinto', mentre un vasaio (o forse il pittore che scriveva per lui) firmava il suo nome con 'fatto'. A volte la stessa persona potrebbe sia dipingere che dipingere: Exekias ed Epiktetos, ad esempio, firmano sia come vasaio che come pittore. Altre volte vasaio e pittore erano persone diverse e firmavano uno o entrambi. Tuttavia, non tutti i pittori o ceramisti firmavano tutte le loro opere. Alcuni sembrano non aver mai firmato i loro vasi, a meno che per caso non siano sopravvissuti pezzi firmati da questi artigiani.

  Anche nel caso di vasi non firmati è talvolta possibile, attraverso un attento esame di minuziosi dettagli stilistici, riconoscere pezzi dello stesso artista. L'attribuzione di vasi ateniesi a figure nere e rosse non firmati a pittori sia nominati che anonimi è stata sperimentata nel XX secolo da Sir John Davidson Beazley. Altri studiosi hanno sviluppato sistemi simili per altri gruppi di vasi, in particolare il professor AD Trendall per gli articoli a figure rosse dell'Italia meridionale. Per facilità di riferimento Beazley e gli altri hanno dato vari soprannomi ai pittori anonimi che hanno identificato.

  Alcuni prendono il nome dai ceramisti conosciuti con cui sembrano aver collaborato: i pittori Brygos e Sotades, ad esempio, prendono il nome dai ceramisti con quei nomi. Altri pittori prendono il nome dal luogo del ritrovamento o dalla posizione attuale di un vaso chiave, come i pittori di Lipari o di Berlino. Alcuni, come il Pittore Burgon, prendono il nome da ex o attuali proprietari di vasi chiave. Altri prendono il nome dai soggetti di vasi chiave, come i pittori Niobide, Sirena o Ciclope, oppure da peculiarità di stile, come The Affecter o Elbows Out Painters. [Museo britannico]

 

    RECENSIONE: La ceramica dell'antica Grecia a figure nere (dal nome del colore delle raffigurazioni sulla ceramica) fu prodotta per la prima volta a Corinto, intorno al 700 a.C., e poi adottata dai pittori di ceramica in Attica, dove sarebbe diventato lo stile decorativo dominante dal 625 a.C. consentire ad Atene di dominare il mercato della ceramica del Mediterraneo per i prossimi 150 anni. La Laconia fu un terzo, seppur minore, produttore dello stile nella prima metà del VI secolo a.C. Gli oltre 20.000 vasi a figure nere sopravvissuti consentono non solo di identificare artisti e botteghe, ma forniscono anche le rappresentazioni più antiche e diverse della mitologia greca, delle pratiche religiose, sociali e sportive. I vasi di ceramica sono anche uno strumento importante per determinare la cronologia dell'antica Grecia.

  Evolundosi dai precedenti disegni geometrici sulla ceramica, la tecnica a figure nere raffigurava animali (più favoriti a Corinto) e figure con silhouette umane (preferite ad Atene) con dettagli naturalistici. Prima della cottura, un pigmento nero brillante di potassio, argilla ferrosa e aceto (come fissativo) veniva applicato in uno strato spesso sui vasi e dava un leggero effetto di rilievo. Ulteriori dettagli come muscoli e capelli sono stati aggiunti alle figure utilizzando uno strumento affilato per incidere il nero per rivelare il vaso di argilla sottostante e aggiungendo tocchi di vernice rossa e bianca. I bordi e i bordi dei vasi erano spesso decorati con disegni floreali, di loto e di palmette.

  Furono adottate alcune convenzioni di colore come il bianco per la carne femminile, il nero per quella maschile. Altre convenzioni erano una forma a mandorla per gli occhi delle donne, circolari per i maschi, i bambini sono come gli adulti ma su scala più piccola, i giovani sono senza barba, i vecchi hanno i capelli bianchi e talvolta si curvano, e le donne anziane hanno figure più complete. Alcuni gesti divennero anche convenzionali, come la mano sulla testa per rappresentare il dolore. Un'altra caratteristica sorprendente dello stile è la mancanza di naturalismo letterale. Le figure sono spesso raffigurate con un volto di profilo e un corpo frontale, e i corridori si trovano nella posizione impossibile di entrambe le braccia e le gambe sinistre (o destre) che si muovono in avanti. Ci fu, tuttavia, qualche tentativo di ottenere la prospettiva, essendo particolarmente popolari le vedute frontali di cavalli e carri.

  I vasi tipici dello stile sono anfore, lekythoi (bottiglie con manico), kylix (coppe per bere con stelo), tazze semplici, pissidi (scatole con coperchio) e ciotole. Pittori e ceramisti erano solitamente, anche se non sempre, specialisti separati. Il primo vaso firmato era di Sophilos e risale al 570 aC circa. Molti altri singoli pittori sono stati identificati con certezza attraverso le loro firme (più comunemente come "...fatto questo") e molti altri artisti non firmati possono essere riconosciuti attraverso il loro stile particolare.

  Forse l'esempio più celebre della tecnica è il Vaso Francois, un grande cratere a volute, di Kleitias (circa 570 a.C.) alto 66 cm e ricoperto da 270 figure umane e animali raffiguranti una sorprendente gamma di scene e personaggi della mitologia greca tra cui , tra gli altri, gli dei dell'Olimpo, i centauri, Achille e Peleo. 

  La tecnica verrà poi sostituita da quella a figure rosse (rovescia) intorno al 530 a.C. I due stili furono paralleli per qualche tempo e esistono anche esempi "bilingui" di vasi con entrambi gli stili, ma quello a figure rosse, con il suo tentativo di ritrarre in modo più realistico la figura umana, sarebbe poi diventato lo stile preferito della decorazione della ceramica greca. [Enciclopedia della storia antica].

  RECENSIONE: La pittura su ceramica a figure nere, nota anche come stile a figure nere o ceramica a figure nere, è uno degli stili di pittura su vasi greci antichi. Era particolarmente diffuso tra il VII e il V secolo aC, anche se esistono esemplari risalenti fino al II secolo aC. Stilisticamente può essere distinto dal precedente periodo orientalizzante e dal successivo stile della ceramica a figure rosse. Figure e ornamenti venivano dipinti sul corpo della nave utilizzando forme e colori che ricordavano le sagome. I contorni delicati venivano incisi nella vernice prima della cottura, e i dettagli potevano essere rinforzati ed evidenziati con colori opachi, solitamente bianco e rosso.

  I centri principali di questo stile furono inizialmente il centro commerciale Corinto e successivamente Atene. Si sa che altri importanti siti di produzione erano in Laconia, Beozia, Grecia orientale e Italia. Soprattutto in Italia si svilupparono stili individuali, almeno in parte destinati al mercato etrusco. I vasi greci a figure nere erano molto apprezzati dagli Etruschi, come testimoniano le frequenti importazioni. Gli artisti greci creavano beni personalizzati per il mercato etrusco che differivano nella forma e nel decoro dai loro normali prodotti. Anche gli Etruschi svilupparono una propria industria della ceramica a figure nere orientata su modelli greci.

  La pittura a figure nere su vasi fu il primo stile artistico a dare origine a un numero significativo di artisti identificabili. Alcuni sono conosciuti con il loro vero nome, altri solo con i nomi pragmatici dati loro nella letteratura scientifica. Soprattutto l'Attica era la patria di artisti famosi. Alcuni ceramisti introdussero una serie di innovazioni che spesso influenzarono il lavoro dei pittori; a volte erano i pittori a ispirare l'originalità dei ceramisti. I vasi a figure rosse e a figure nere sono una delle fonti più importanti della mitologia e dell'iconografia e talvolta anche per lo studio della vita quotidiana dell'antica Grecia. Al più tardi dal XIX secolo questi vasi sono stati oggetto di approfondite indagini.

  Il fondamento della pittura su ceramica è il portatore dell'immagine, in altre parole il vaso su cui è dipinta l'immagine. Forme popolari si alternavano a mode passeggere. Mentre molti si ripresentavano dopo gli intervalli, altri venivano sostituiti nel tempo. Ma tutti avevano un metodo di fabbricazione comune: dopo aver realizzato il vaso, veniva prima asciugato prima di essere dipinto. Le botteghe erano sotto il controllo dei ceramisti, che in quanto titolari di attività commerciali avevano una posizione sociale elevata.

  La misura in cui ceramisti e pittori fossero identici è incerta. È probabile che molti maestri ceramisti stessi abbiano dato il loro contributo principale al processo produttivo come pittori di vasi, impiegando tuttavia altri pittori. Non è però facile ricostruire i legami tra ceramisti e pittori. In molti casi, come nel caso di Tleson e il Pittore di Tleson, Amasis e il Pittore di Amasis o anche Nikosthenes e il Pittore N, è impossibile fare attribuzioni inequivocabili, sebbene in gran parte della letteratura scientifica si presuma che questi pittori e ceramisti siano la stessa persona. . Ma tali attribuzioni possono essere fatte con sicurezza solo se si hanno a portata di mano le firme del vasaio e del pittore.

  I pittori, che erano schiavi o artigiani pagati come pittori di ceramiche, lavoravano su vasi crudi e asciutti di cuoio. Nel caso della produzione a figure nere il soggetto veniva dipinto sul vaso con un impasto di argilla (un impasto lucido, nella letteratura più antica indicato anche come vernice) che diventava nero dopo la cottura. Non si trattava di un "colore" nel senso tradizionale, poiché l'ingobbio superficiale era dello stesso materiale del vaso stesso, differendo solo per la dimensione delle particelle che lo componevano. L'area per le figure è stata prima dipinta con uno strumento simile a un pennello.

  I contorni interni e i dettagli strutturali erano incisi nella barbottina in modo che attraverso i graffi si potesse vedere l'argilla sottostante. Altri due pigmenti a base di terra venivano usati per aggiungere dettagli: rosso e bianco per ornamenti, vestiti o parti di vestiti, capelli, criniere di animali, parti di armi e altro equipaggiamento. Il bianco veniva spesso utilizzato anche per rappresentare la pelle delle donne. Il successo di tutto questo sforzo poteva essere giudicato solo dopo un complicato processo di cottura in tre fasi che ha generato il colore rosso dell'argilla del vaso e il nero della barbottina applicata.

  Nello specifico, il vaso è stato cotto in un forno a una temperatura di circa 800 °C, con la conseguente ossidazione che ha conferito al vaso un colore rosso-arancio. La temperatura veniva quindi aumentata a circa 950 °C con le bocche del forno chiuse e veniva aggiunta legna verde per rimuovere l'ossigeno. La nave divenne quindi completamente nera. La fase finale richiedeva la riapertura delle prese d'aria per consentire l'ingresso di ossigeno nel forno, che veniva lasciato raffreddare. Il vaso è poi tornato al suo colore rosso-arancio a causa della rinnovata ossidazione, mentre lo strato verniciato, ormai sinterizzato, è rimasto del colore nero lucido che era stato creato nella seconda fase.

 

  Sebbene la partitura sia uno dei principali indicatori stilistici, alcuni brani ne fanno a meno. Per questi la forma è tecnicamente simile allo stile orientalizzante, ma il repertorio di immagini non riflette più la pratica orientalizzante. L'evoluzione della pittura su ceramica a figure nere è tradizionalmente descritta in termini di vari stili e scuole regionali. Usando Corinto come fulcro, c'erano differenze fondamentali nelle produzioni delle singole regioni, anche se si influenzavano a vicenda. Soprattutto in Attica, anche se non esclusivamente lì, gli artisti migliori e più influenti del loro tempo caratterizzarono la pittura classica su ceramica greca.

  La tecnica a figure nere fu sviluppata intorno al 700 a.C. a Corinto e utilizzata per la prima volta all'inizio del VII secolo a.C. da pittori di ceramica protocorinzi, che dipingevano ancora in stile orientalizzante. La nuova tecnica ricordava i pezzi di metallo incisi, con le stoviglie di metallo più costose sostituite da vasi di ceramica con figure dipinte su di essi. Un caratteristico stile a figure nere sviluppato prima della fine del secolo. La maggior parte degli elementi orientalizzanti erano stati abbandonati e non c'erano ornamenti tranne le rosette tamponate (le rosette essendo formate da una disposizione di piccoli punti individuali).

  L'argilla usata a Corinto era morbida, con una tinta gialla, occasionalmente verde. Gli spari errati erano una cosa ovvia e si verificavano ogni volta che la complicata procedura di sparo non funzionava come desiderato. Il risultato era spesso una colorazione indesiderata dell'intero vaso, o di parti di esso. Dopo la cottura, l'ingobbio lucido applicato sul vaso diventava di colore nero opaco. I colori supplementari rosso e bianco apparvero per la prima volta a Corinto e poi divennero molto comuni. I vasi dipinti sono generalmente di piccolo formato, raramente più alti di 30 cm. Boccette per olio (alabastra, aryballos), pissidi, crateri, oenochoes e coppe erano i vasi più comunemente dipinti. Molto diffusi erano anche i vasi scolpiti.

  A differenza dei vasi attici, le iscrizioni sono rare e le firme dei pittori ancora di più. La maggior parte dei vasi sopravvissuti prodotti a Corinto sono stati rinvenuti in Etruria, nella Bassa Italia e in Sicilia. Nel VII e nella prima metà del VI secolo a.C., la pittura vascolare corinzia dominò il mercato mediterraneo della ceramica. È difficile costruire una sequenza stilistica per la pittura vascolare corinzia. A differenza della pittura attica, ad esempio, le proporzioni della base in ceramica non si sono evolute molto. Spesso è difficile anche datare i vasi corinzi; spesso bisogna fare affidamento su date secondarie, come la fondazione delle colonie greche in Italia.

  Sulla base di tali informazioni è possibile tracciare una cronologia approssimativa mediante confronti stilistici, ma raramente si avvicina alla precisione della datazione dei vasi attici. Sono spesso raffigurate scene mitologiche, in particolare Eracle e figure relative alla guerra di Troia. Ma le immagini sui vasi corinzi non hanno una gamma tematica così ampia come nelle opere successive dei pittori attici. Gli dei vengono raffigurati raramente, Dioniso mai. Ma il ciclo tebano era più popolare a Corinto che successivamente ad Atene. Principalmente combattimenti, cavalieri e banchetti erano le scene più comuni della vita quotidiana, queste ultime apparse per la prima volta durante il primo periodo corinzio.

  Le scene sportive sono rare. Le scene con ballerini dal ventre grasso sono uniche e il loro significato è ancora oggi controverso. Si tratta di bevitori le cui pance e glutei sono imbottiti con cuscini e potrebbero rappresentare una prima forma di commedia greca. Lo stile di transizione (640-625 a.C.) collegava lo stile orientalizzante (protocorinzio) con lo stile a figure nere. L'antico stile del fregio con animali del periodo protocorinzio si era esaurito, così come l'interesse dei pittori di vasi per le scene mitologiche. Durante questo periodo erano dominanti le creature animali e ibride. La forma indice dell'epoca era l'aryballos sferico, prodotto in gran numero e decorato con fregi di animali o scene di vita quotidiana.

  La qualità dell'immagine è inferiore rispetto al periodo orientalizzante. Gli artisti più illustri dell'epoca furono il Pittore del Toro Shambling, la cui opera più famosa è un aryballos con scena di caccia, il Pittore di Palermo 489, e il suo discepolo, il Pittore di Colombo. Lo stile personale di quest'ultimo può essere facilmente riconosciuto nelle sue immagini di potenti leoni. Oltre all'aryballos, il kotyle e l'alabastron sono le forme di vasi più importanti. I bordi dei kotyle erano ornati e le altre decorazioni consistevano in animali e raggi. Le due superfici verticali dei vasi presentano spesso scene mitologiche. Gli alabastron erano solitamente dipinti con figure singole.

  Il Duellatore fu il più importante pittore corinzio (625-600 a.C.) che dipinse scene di combattimento su aryballos. A partire dal periodo corinzio medio (600-575 a.C.) i colori opachi furono usati sempre più frequentemente per enfatizzare i dettagli. Le figure sono state inoltre dipinte utilizzando una serie di punti bianchi. Gli aryballos divennero più grandi e furono dotati di una base piatta. Il Pittore di Pholoe è ben noto, la sua opera più famosa è uno skyphos con un'immagine di Eracle. Il pittore Dodwell continuò a dipingere fregi di animali, sebbene altri pittori avessero già abbandonato questa tradizione. Il suo periodo creativo si estese fino all'epoca tardo-corinzia e la sua influenza non può essere sopravvalutata sulla pittura vascolare dell'epoca.

  Altrettanto di eccezionale reputazione erano il maestro del Gruppo Gorgoneion e il Pittore della Cavalcata, a cui fu assegnata questa denominazione per la sua preferenza nel rappresentare cavalieri sugli interni di coppe; fu attivo intorno al 580 aC Due dei suoi capolavori sono una coppa che mostra il suicidio di Aiace e un cratere a colonna che mostra una coppia di sposi su un carro. Tutte le figure mostrate sulla ciotola sono etichettate. Il primo artista conosciuto per nome è il pittore di vasi policromi Timonidas (de), che firmò una fiasca e un pinax. Su un pinax appare anche il nome di un secondo artista, Milonidas.

  La brocca da vino dell'olpe corinzia fu sostituita da una versione attica dell'oinochoe con labbro a quadrifoglio. Nel periodo del Medio Corinzio, le raffigurazioni di persone divennero di nuovo più comuni. Di particolare pregio è considerato il cratere Eurytios datato intorno al 600 aC; mostra un simposio nel fregio principale con Eracle, Eurizio e altre figure mitiche. Nel tardo periodo corinzio (a volte indicato come tardo corinzio I, 575–550 a.C.) i vasi corinzi avevano un rivestimento rosso per aumentare il contrasto tra le grandi aree bianche e il colore piuttosto pallido del vaso di argilla.

  Ciò mise gli artigiani corinzi in concorrenza con i pittori di ceramica attici, che nel frattempo avevano assunto un ruolo di primo piano nel commercio della ceramica. Anche le forme dei vasi attici furono sempre più copiate. Le oinochoes, la cui forma fino ad allora era rimasta sostanzialmente immutata, cominciarono ad assomigliare a forme attiche; anche lekythos iniziarono ad essere sempre più prodotte. Il cratere a colonna, invenzione corinzia e per questo chiamato korinthios nel resto della Grecia, fu modificato. L'accorciamento delle volute sopra le anse diede origine al cratere calcidico. Il campo dell'immagine principale era decorato con varie rappresentazioni di vita quotidiana o scene mitologiche, il campo secondario conteneva un fregio di animali. Il retro mostrava spesso due grandi animali.

  Le coppe erano diventate più profonde già in epoca mediocorinzia e questa tendenza continuò. Sono diventati popolari quanto i kotyle. Molti di loro hanno scene mitologiche all'esterno e una smorfia di gorgone all'interno. Questo tipo di pittura fu adottato anche dai pittori attici. Da parte loro, i pittori corinzi acquisirono campi di immagini incorniciate da Atene. I fregi degli animali divennero meno importanti. Durante questo periodo fu attivo il terzo pittore corinzio con un nome noto, Chares. Da citare anche il Pittore di Tideo, che intorno al 560 a.C. amava dipingere le anfore dal collo con fondo rosso.

  Le rosette incise continuarono ad essere poste sui vasi; mancano solo alcuni crateri e coppe. L'opera d'arte più eccezionale di questo periodo è il cratere Amphiaraos, un cratere a colonna creato intorno al 560 a.C. come opera principale del Pittore di Amphiaraos. Mostra diversi eventi della vita dell'eroe Amphiaraos. Intorno al 550 aC terminò la produzione dei vasi figurati. Il successivo Stile Tardo Corinzio II è caratterizzato da vasi solo con ornamenti, solitamente dipinti con la tecnica della sagoma. Gli successe lo stile a figure rosse, che però a Corinto non raggiunse una qualità particolarmente elevata.

 

  Con oltre 20.000 pezzi esistenti, i vasi attici a figure nere costituiscono la collezione di vasi più ampia e allo stesso tempo significativa, seconda solo ai vasi attici a figure rosse. I vasai attici beneficiavano dell'eccellente argilla ricca di ferro trovata in Attica. I vasi attici a figure nere di alta qualità hanno un rivestimento uniforme, lucido, nero come la pece e la base in argilla di terracotta ad alta intensità di colore è stata meticolosamente levigata. La pelle delle donne è sempre indicata con un colore bianco opaco, che viene frequentemente utilizzato anche per dettagli come singoli cavalli, indumenti o ornamenti. Gli artisti attici più importanti elevarono la pittura vascolare ad arte grafica, ma furono prodotti anche numerosi prodotti di media qualità e di mercato di massa.

  L'eccezionale significato della ceramica attica deriva dal loro repertorio quasi infinito di scene che coprono una vasta gamma di temi. Queste forniscono ricche testimonianze soprattutto riguardo alla mitologia, ma anche alla vita quotidiana. Non esistono invece praticamente immagini riferite ad avvenimenti contemporanei. Tali riferimenti sono evidenti solo occasionalmente sotto forma di annotazioni, ad esempio quando le iscrizioni di Kalos sono dipinte su un vaso. I vasi venivano prodotti da un lato per il mercato interno ed erano importanti per celebrations o in connessione con atti rituali. D'altro canto costituivano anche un importante prodotto di esportazione venduto in tutta l'area del Mediterraneo. Per questo motivo la maggior parte dei vasi sopravvissuti provengono da necropoli etrusche.

  La tecnica a figure nere fu applicata per la prima volta a metà del VII secolo a.C., durante il periodo della pittura vascolare protoattica. Influenzati dalla ceramica di Corinto, che all'epoca offriva la massima qualità, i pittori di vasi attici passarono alla nuova tecnologia tra il 635 aC circa e la fine del secolo. Dapprima seguirono da vicino metodi e soggetti dei modelli corinzi. Il Pittore di Berlino A 34 dell'inizio di questo periodo è il primo pittore individuale identificato. Il primo artista con uno stile unico fu il Pittore di Nessos. Con la sua anfora Nessos creò il primo eccezionale pezzo in stile attico a figure nere.

  Allo stesso tempo fu uno dei primi maestri dello stile del fregio di animali attico. Uno dei suoi vasi fu anche il primo vaso attico conosciuto esportato in Etruria. A lui si devono anche le prime rappresentazioni di arpie e sirene nell'arte attica. A differenza dei pittori corinzi, utilizzò linee doppie e addirittura triple incise per rappresentare meglio l'anatomia animale. Una linea di spalla a doppia incisione divenne una caratteristica dei vasi attici. Anche le possibilità inerenti a grandi pezzi di ceramica, come ad esempio le anfore panciute, come supporti per immagini furono riconosciute presto. Altri importanti pittori di questo periodo pionieristico furono il Pittore del Pireo, il Pittore di Bellerofonte e il Pittore dei leoni.

  Lo stile a figure nere si affermò generalmente ad Atene intorno al 600 aC Uno dei primi sviluppi ateniesi fu l'anfora a testa di cavallo, il nome deriva dalla raffigurazione di teste di cavallo in una finestra con immagini. windows delle immagini furono usate frequentemente nel periodo successivo e furono successivamente adottate anche a Corinto. Alle anfore a testa di cavallo sono associati il ​​Pittore del Cerameicus e il Pittore della Gorgone. L'influenza corinzia non solo fu mantenuta, ma addirittura intensificata. Il fregio con animali era riconosciuto come generalmente obbligatorio e usato abitualmente. Ciò aveva ragioni economiche oltre che stilistiche, perché Atene competeva con Corinto per i mercati. I vasi attici venivano venduti nell'area del Mar Nero, in Libia, Siria, Bassa Italia e Spagna, nonché nella patria greca.

  Oltre a seguire i modelli corinzi, i vasi ateniesi mostrarono anche innovazioni locali. Sorse così all'inizio del VI secolo aC una lekythos “tipo Deianaira”, dalla forma allungata, ovale. Il pittore più importante di questo primo periodo fu il Pittore della Gorgone (600–580 aC). Era un artista molto produttivo che raramente utilizzava temi mitologici o figure umane e, quando lo faceva, li accompagnava sempre con animali o fregi di animali. Alcuni dei suoi altri vasi avevano solo rappresentazioni di animali, come nel caso di molti vasi corinzi.

  Oltre al Pittore della Gorgone vanno menzionati i pittori del Gruppo Komast (585–570 aC). Questo gruppo decorava tipi di vasi nuovi ad Atene, vale a dire lekanes, kotyles e kothons. L'innovazione più importante è stata però l'introduzione della coppa komast, che insieme alle "coppe prekomast" della classe Oxford Palmette costituisce l'inizio dello sviluppo delle coppe Attic. Pittori importanti in questo gruppo furono l'anziano KX Painter e il meno talentuoso KY Painter, che introdusse il cratere a colonna ad Atene. Questi vasi erano progettati per l'uso nei banchetti e quindi erano decorati con scene komos rilevanti, come le scene komos degli artisti komast.

  Altri pittori significativi della prima generazione furono il Pittore della Pantera, il Pittore di Anagyrus, il Pittore di Dresda Lekanis e il Pittore di Polos. L'ultimo rappresentante significativo della prima generazione di pittori fu Sofilo (580–570 aC), che è il primo pittore di vasi attico conosciuto per nome. In tutto firmò quattro vasi sopravvissuti, tre come pittore e uno come vasaio, rivelando che a questa data i ceramisti erano anche pittori di vasi a figure nere. Una separazione fondamentale dei due mestieri sembra essersi verificata solo nel corso dello sviluppo dello stile a figure rosse, sebbene non si possa escludere una precedente specializzazione.

  Sophilos fa un uso liberale delle annotazioni. Apparentemente si specializzò in vasi di grandi dimensioni, poiché è noto che sono soprattutto i dinosauri e le anfore ad essere il suo lavoro. Molto più frequentemente dei suoi predecessori, Sofilo mostra scene mitologiche come i giochi funebri di Patroclo. Con lui inizia il declino del fregio con animali, ma anche le piante e gli altri ornamenti sono di qualità inferiore poiché considerati meno importanti e quindi ricevono scarsa attenzione da parte del pittore. Ma sotto altri aspetti Sophilos dimostra di essere un artista ambizioso. Su due dinosauri è raffigurato il matrimonio di Peleo e Teti.

  Questi vasi furono prodotti più o meno nello stesso periodo del vaso François, che raffigura questo soggetto alla perfezione. Sophilos però rinuncia a decorazioni sotto forma di fregi di animali su uno dei suoi due dinosauri e non combina miti diversi in scene distribuite su diverse superfici di vasi. È il primo grande vaso greco che mostra un unico mito in diversi segmenti interconnessi. Una caratteristica speciale dei dinosauri è l'applicazione da parte del pittore della vernice bianca opaca che designa le donne direttamente sul fondotinta in argilla e non come al solito sul nero lucido.

  I dettagli interni e i contorni della figura sono dipinti in un rosso opaco. Questa particolare tecnica è rara, trovata solo nei vasi dipinti nella bottega di Sofilo e su pannelli di legno dipinti in stile corinzio nel VI secolo a.C. Sofilo dipinse anche uno dei rari calici (una varietà di calici) e creò la prima serie superstite di tavolette votive. Lui stesso o uno dei suoi successori decorò anche il primo vaso nuziale (noto come lebes gamikos) ritrovato.

  A partire dal secondo terzo del VI secolo aC gli artisti attici si interessarono alle scene mitologiche e ad altre rappresentazioni di figure. I fregi degli animali divennero meno importanti. Solo pochi pittori si occupavano di loro, e generalmente venivano spostati dal centro dell'attenzione verso aree meno importanti dei vasi. Questo nuovo stile è rappresentato soprattutto dal vaso François, firmato sia dal vasaio Ergotimos che dal pittore Kleitias (570–560 aC). Questo cratere è considerato il vaso dipinto greco più famoso. È il primo cratere a volute conosciuto fatto di argilla.

  Eventi mitologici sono raffigurati in diversi fregi, con fregi di animali mostrati in posizioni secondarie. Su questo vaso compaiono per la prima volta numerosi dettagli iconografici e tecnici. Molti sono unici, come la rappresentazione dell'albero abbassato di un veliero; altri entrarono a far parte del repertorio standard, come le persone sedute con una gamba dietro l'altra, invece che con il tradizionale posizionamento parallelo delle gambe. Altri quattro vasi più piccoli furono firmati da Ergotimos e Kleitias, a cui vengono attribuiti ulteriori vasi e frammenti. Forniscono prove di altre innovazioni di Kleitias, come la prima rappresentazione della nascita di Atena o della Danza a Creta.

   

  Nearchos (565–555 a.C.) firmò come vasaio e pittore. Prediligeva le figure di grandi dimensioni e fu il primo a creare immagini che mostrassero l'imbracatura di un carro. Un'altra innovazione è stata quella di posizionare il disegno di una lingua su uno sfondo bianco sotto il bordo del vaso. Altri pittori di talento furono il Pittore di Akropolis 606 e il Pittore Ptoon, il cui pezzo più noto è l'Hearst Hydria. Significativo è anche il Gruppo Burgon, essendo la fonte della prima anfora panatenaica totalmente conservata.

  La tazza Siana si è evoluta dalla tazza komast intorno al 575 a.C. Mentre il Gruppo Komast produceva forme diverse dalle tazze, alcuni artigiani si specializzarono nella produzione di tazze dopo l'epoca del primo importante esemplificatore di tazze Siana, il Pittore C (575-555 a.C.). Le tazze hanno l'orlo più alto che in passato e il fondo a tromba su un gambo cavo relativamente corto. Per la prima volta nella pittura vascolare attica l'interno della coppa venne decorato con immagini incorniciate (tondo). C'erano due tipi di decorazioni. Nello stile "a due piani" il corpo della tazza e il labbro hanno ciascuno decorazioni separate. Nello stile "sovrapposto" l'immagine si estende sia sul corpo che sul labbro.

  Dopo il secondo quarto del VI secolo aC ci fu un maggiore interesse per la decorazione, soprattutto di coppe con immagini di atleti. Un altro importante pittore di coppe Siana fu il Pittore di Heidelberg. Anche lui dipinse quasi esclusivamente tazze Siana. Il suo soggetto preferito era l'eroe Eracle. Il Pittore di Heidelberg è il primo pittore attico a rappresentarlo con il cinghiale Erimanto, con Nereo, con Busiride e nel giardino delle Esperidi. Il Pittore di Cassandra, che decorava tazze di media grandezza con basi e labbra alte, segna la fine dello sviluppo della tazza Siana.

  È significativo soprattutto perché è il primo pittore conosciuto ad appartenere ai cosiddetti Piccoli Maestri, un folto gruppo di pittori che producevano la stessa gamma di vasi, noti come tazze dei Piccoli Maestri. Contemporaneamente alle tazze Siana furono prodotte le cosiddette tazze Buonpensiero. I manici hanno la forma di una forchetta a due punte e terminano con quello che sembra un bottone. Queste tazze non hanno un bordo delineato. Hanno anche una vasca più profonda con un piede più alto e più stretto.

  L'ultimo pittore eccezionale del periodo arcaico preclassico fu Lydos (560-540 aC), che firmò due dei suoi pezzi sopravvissuti con ho Lydos (il Lidia). Lui o i suoi immediati antenati probabilmente provenivano dall'Asia Minore, ma senza dubbio fu addestrato ad Atene. A lui sono oggi attribuiti oltre 130 vasi sopravvissuti. Uno dei suoi dipinti su un'idria è la prima rappresentazione attica conosciuta della lotta tra Eracle e Gerione. Lydos fu il primo a mostrare Eracle con la pelle di un leone, che in seguito divenne comune nell'arte attica. Ha anche raffigurato la battaglia tra gli dei e i giganti su un dinosauro trovato sull'acropoli di Atene, ed Eracle con Cicno.

  Lydos decorava altri tipi di vasi oltre agli hydriai e ai dinosauri, come piatti, tazze (coppe senesi sovrapposte), crateri a colonna e psykter, nonché tavolette votive. Continua ad essere difficile identificare i prodotti di Lydos come tali poiché spesso differiscono solo leggermente da quelli del suo ambiente più immediato. Lo stile è abbastanza omogeneo, ma i pezzi variano notevolmente in termini di qualità. I disegni non sono sempre realizzati con cura.

  Lydos era probabilmente un caposquadra in un laboratorio molto produttivo nel distretto della ceramica di Atene. Presumibilmente fu l'ultimo pittore di vasi attico a mettere fregi di animali su grandi vasi. Sempre nella tradizione corinzia, i suoi disegni di figure sono un anello della catena di pittori di vasi che si estende da Kleitias attraverso Lydos e i pittori di Amasis fino a Exekias. Insieme a loro partecipò all'evoluzione di quest'arte in Attica ed ebbe un'influenza duratura.

  Una forma speciale di vasi attici di questo periodo fu l'anfora tirrenica (550-530 a.C.). Si trattava di anfore a collo ovoidale con decorazioni atipiche rispetto al consueto canone di progettazione attica del periodo. Quasi tutti i circa 200 vasi sopravvissuti sono stati rinvenuti in Etruria. Il corpo dell'anfora è solitamente suddiviso in più fregi paralleli. Il fregio superiore o della spalla mostra solitamente una scena popolare della mitologia. A volte ci sono soggetti meno comuni, come una scena unica del sacrificio di Polissena. In questa località si trovano anche le prime immagini erotiche conosciute su vasi attici. I pittori mettono spesso sulle anfore tirreniche annotazioni che identificano le persone raffigurate.

  Gli altri due o tre fregi erano decorati con animali; a volte uno di essi veniva sostituito con un fregio vegetale. Il collo è solitamente dipinto con una croce a palmetta di loto o festoni. Le anfore sono piuttosto colorate e ricordano i prodotti corinzi. In questo caso è evidente che una forma corinzia è stata volutamente copiata per produrre un particolare tipo di vaso per il mercato etrusco, dove lo stile era popolare. È possibile che questa forma non sia stata fabbricata ad Atene ma da qualche altra parte nell'Attica, o addirittura fuori dall'Attica. Pittori importanti furono il Pittore Castellani e il Pittore Goltyr.

  Il periodo tra il 560 e l'inizio della pittura su ceramica a figure rosse intorno al 530/520 a.C. è considerato l'apice assoluto della pittura vascolare a figure nere. In questo periodo gli artisti migliori e più conosciuti sfruttarono tutte le possibilità offerte da questo stile. Il primo pittore importante di questo periodo fu il Pittore di Amasis (560–525 a.C.), dal nome del famoso vasaio Amasis, con il quale lavorò principalmente. Molti ricercatori li considerano la stessa persona. Iniziò la sua carriera pittorica più o meno nello stesso periodo di Lydos, ma fu attivo per un periodo quasi doppio.

  Mentre Lydos mostrava più le capacità di un abile artigiano, il pittore di Amasis era un artista affermato. Le sue immagini sono intelligenti, affascinanti e sofisticate e il suo sviluppo artistico personale si avvicina a un riflesso dell'evoluzione complessiva della pittura vascolare attica a figure nere dell'epoca. I suoi primi lavori mostrano la sua affinità con i pittori delle coppe Siana. I progressi possono essere facilmente riconosciuti nel modo in cui disegna le pieghe dei vestiti. Le sue prime figure femminili indossano abiti senza pieghe. Successivamente dipinge pieghe piatte e spigolose e alla fine riesce a dare l'impressione di indumenti morbidi e fluenti.

  I disegni di indumenti erano una delle sue caratteristiche principali; gli piaceva raffigurare abiti con motivi e frange. I gruppi di figure che il Pittore di Amasis mostra sono stati disegnati con cura e composti simmetricamente. Inizialmente erano piuttosto statici, le figure successive trasmettono l'impressione di movimento. Sebbene il Pittore di Amasis raffigurasse spesso eventi mitologici (è noto, ad esempio, per i suoi satiri dalla faccia di maiale), è meglio conosciuto per le sue scene di vita quotidiana.

  Fu il primo pittore a ritrarli in misura significativa. Il suo lavoro influenzò in modo decisivo il lavoro dei pittori a figure rosse successivi. Probabilmente anticipò alcune delle loro innovazioni o ne fu influenzato verso la fine della sua carriera pittorica: su molti dei suoi vasi le donne sono raffigurate solo a contorno, senza riempimento nero, e non sono più identificabili come donne dall'applicazione di colori opachi bianco come il colore della pelle.

   

  Il gruppo E (550–525 a.C.) era una vasta collezione autonoma di artigiani ed è considerato il gruppo anonimo più importante che produce ceramica attica a figure nere. Ha rotto rigorosamente con la tradizione stilistica di Lydos sia per quanto riguarda l'immagine che il contenitore. Le anfore a collo ovoidale furono completamente abbandonate, i crateri a colonna quasi del tutto abbandonati. Questo gruppo introdusse invece le anfore ventrali di tipo A, che poi divennero una forma di indice. Le anfore a collo venivano solitamente prodotte solo in versioni personalizzate. Il gruppo non aveva alcun interesse per i piccoli formati. Molte scene, soprattutto quelle originate dai miti, furono riprodotte più e più volte.

  Così diverse anfore di questo gruppo mostrano Eracle con Gerione o il leone di Nemea, e sempre più Teseo e il Minotauro, nonché la nascita di Atena. L'importanza particolare del gruppo risiede, tuttavia, nell'influenza che esercitò su Exekias. La maggior parte degli artisti attici del periodo copiarono gli stili del Gruppo E e di Exekias. L'opera di Lydos e del pittore Amasis, al contrario, non fu imitata così frequentemente. Beazley descrive così l'importanza del gruppo per Exekias: "Il gruppo E è il terreno fertile da cui germoglia l'arte di Exekias, la tradizione che egli riprende e supera nel suo percorso da eccellente artigiano a vero artista".

  Exekias (545-520 a.C.) è generalmente considerato il maestro assoluto dello stile a figure nere, che con lui raggiunge il suo apice. La sua importanza non è dovuta solo alla sua magistrale pittura vascolare, ma anche alle sue ceramiche innovative e di alta qualità. Ha firmato 12 dei suoi vasi sopravvissuti come vasaio, due sia come pittore che come vasaio. Exekias probabilmente ha avuto un ruolo importante nello sviluppo delle coppe Little-master e dell'anfora ventrale di tipo A menzionate sopra, e forse ha inventato il cratere a calice, almeno il pezzo più antico esistente proviene dal suo laboratorio. A differenza di molti altri artigiani paragonabili, come pittore attribuiva grande importanza all'attenta elaborazione degli ornamenti.

  Anche i dettagli delle sue immagini - criniere, armi, vestiti dei cavalli - sono straordinariamente ben eseguiti. Le sue scene sono generalmente monumentali e le figure emanano una dignità prima sconosciuta nella pittura. In molti casi ruppe con le convenzioni attiche. Per la sua nave più famosa, la coppa Dioniso, fu il primo a utilizzare un rivestimento interno rosso corallo invece del consueto colore rosso. Questa innovazione, così come il posizionamento di due paia di occhi all'esterno, collega Exekias con i classici oculari. Probabilmente ancora più innovativo fu l'utilizzo dell'intero interno della coppa per la sua immagine di Dioniso, sdraiato su una nave da cui germogliano viti.

  A quell'epoca era infatti consuetudine decorare la superficie interna semplicemente con la faccia di una gorgone. La coppa è probabilmente uno degli esperimenti intrapresi nel distretto della ceramica per aprire nuovi orizzonti prima dell'introduzione dello stile a figure rosse. Fu il primo a dipingere una nave che navigava lungo il bordo di un dinosauro. Solo raramente aderì ai modelli tradizionali di rappresentazione di soggetti mitologici consueti. Significativa è anche la sua rappresentazione del suicidio di Aiace. Exekias non mostra l'atto in sé, come era nella tradizione, ma piuttosto i preparativi di Aiace.

  Famosa quasi quanto la coppa di Dioniso è un'anfora con la sua visualizzazione di Aiace e Achille impegnati in un gioco da tavolo. Non solo la rappresentazione è dettagliata, Exekias trasmette anche il risultato del gioco. Quasi nello stile di un fumetto, entrambi i giocatori annunciano i numeri che lanciano con i loro dadi: Ajax un tre e Achille un quattro. Si tratta della rappresentazione più antica conosciuta di questa scena, di cui non si trova menzione nella letteratura classica. Non meno di altri 180 vasi sopravvissuti, risalenti alla versione di Exekias fino al 480 aC circa, mostrano questa scena.

  John Boardman sottolinea lo status eccezionale di Exekias che lo distingue dai tradizionali pittori di vasi: "Le persone raffigurate dai primi artisti sono, nella migliore delle ipotesi, bambole eleganti. Amasis (il Pittore di Amasis) era in grado di visualizzare le persone come persone. Ma Exekias poteva immaginarli come dei e darci così un assaggio dell'arte classica". Pur riconoscendo che i pittori di vasi nell'antica Grecia erano considerati artigiani piuttosto che artisti, Exekias è tuttavia considerato dagli storici dell'arte di oggi un artista affermato la cui opera può essere paragonata ai dipinti "importanti" (murales e dipinti su tavola) di quel periodo.

  A quanto pare anche i suoi contemporanei lo riconobbero. La Collezione berlinese di antichità classiche dell'Altes Museum contiene i resti di una serie di sue tavolette votive. La serie completa aveva probabilmente 16 pannelli singoli. Affidare un simile ordine a un vasaio e pittore di vasi è probabilmente un fatto unico nell'antichità e testimonia l'alta reputazione di questo artista. Le tavolette mostrano il lutto per una donna ateniese morta, nonché la sua giacenza in stato e il suo trasporto in una tomba. Exekias trasmette sia il dolore che la dignità delle figure.

  Una particolarità è ad esempio che il leader del corteo funebre gira il viso per guardare, per così dire, direttamente verso lo spettatore. Unica è anche la raffigurazione dei cavalli; hanno temperamenti individuali e non sono ridotti alla loro funzione di animali nobili, come è invece consuetudine sui vasi. Ci fu un'ulteriore specializzazione tra i produttori di vasi e coppe durante il periodo classico maturo. Le tazze Komast e Siana di grande volume si sono evolute tramite le tazze Gordion in graziose varianti chiamate tazze Little-master a causa della loro delicata verniciatura. I ceramisti e i pittori di questa forma sono quindi chiamati Piccoli Maestri.

  Dipingevano principalmente coppe a fascia e coppe per labbra. Le coppe per labbra prendono il nome dal labbro relativamente pronunciato e delineato. L'esterno della coppa conservava gran parte dello sfondo di argilla e tipicamente portava solo poche piccole immagini, a volte solo iscrizioni, o in alcuni casi l'intera coppa era decorata solo in minima parte. Anche nella zona delle impugnature raramente si trovano più che palmette o iscrizioni vicino ai punti di attacco. Queste iscrizioni possono essere la firma del vasaio, il brindisi di un bevitore o semplicemente una sequenza di lettere senza senso. Ma spesso anche gli interni delle coppe per le labbra sono decorati con immagini.

  Le coppe della fascia hanno una transizione più morbida tra il corpo e il bordo. La decorazione ha la forma di una fascia che circonda l'esterno della coppa e spesso può essere un fregio molto elaborato. Nel caso di questa forma il bordo è rivestito con una ingobbiatura nera lucida. L'interno conserva il colore dell'argilla, fatta eccezione per un punto nero dipinto al centro. Le variazioni includono tazze Droop e tazze Kassel. Le coppe cadenti hanno labbra nere, concave e un piede alto. Come nelle classiche coppe a fascia, il bordo è lasciato nero, ma l'area sottostante è decorata con ornamenti come foglie, boccioli, palmette, punti, nimbi o animali all'esterno della coppa.

  Le tazze Kassel sono di forma piccola, tozza rispetto alle altre tazze Little Masters e l'intero esterno è decorato. Come nel caso delle tazze Droop, vengono dipinti principalmente gli ornamenti. Famosi piccoli maestri sono i vasai Phrynos, Sokles, Tleson ed Ergoteles, gli ultimi due figli del vasaio Nearchos. Hermogenes ha inventato una varietà di skyphos Little Master ora conosciuta come Hermogenes skyphos. Da menzionare anche il Pittore di Phrynos, il Pittore di Taleides, il Pittore di Xenokles e il Gruppo di Rodi 12264. Fino alla fine del secolo la qualità della produzione di vasi a figure nere poté sostanzialmente essere mantenuta.

  Ma dopo lo sviluppo dello stile a figure rosse intorno al 530 a.C., presumibilmente ad opera del Pittore di Andokides, sempre più pittori passarono allo stile a figure rosse, che offriva molte più possibilità per aggiungere dettagli all'interno dei contorni delle figure. Il nuovo stile consentì anche molti esperimenti più promettenti con scorci, viste prospettiche e nuovi progetti di arrangiamenti. Il contenuto delle scene rifletteva come sempre le tendenze del gusto e dello spirito dei tempi, ma lo stile a figure rosse creava migliori precondizioni per presentare scene più elaborate sfruttando le nuove possibilità di allestimento.

 

  Ma nel frattempo alcuni artigiani innovativi potrebbero ancora dare nuovi impulsi alla produzione di vasi a figure nere. Il vasaio più fantasioso dell'epoca, nonché un talentuoso uomo d'affari, fu Nikostene. Oltre 120 vasi portano la sua firma, indicando che sono stati realizzati da lui o nella sua bottega. Sembra che fosse particolarmente specializzato nella produzione di vasi destinati all'esportazione in Etruria. Nella sua bottega si producevano le consuete anfore a collo, Piccoli Maestri, Droop e oculari, ma anche un tipo di anfora che ricorda il bucchero etrusco, chiamata anfora Nikosthenic dal suo creatore.

  Questi pezzi sono stati rinvenuti soprattutto a Caere, gli altri tipi di vasi solitamente a Cerveteri e Vulci. Le numerose invenzioni della sua bottega non si limitavano alle forme. Nella bottega di Nikostene fu sviluppata quella che è conosciuta come la tecnica dei Sei, in cui le figure erano dipinte in marrone rossastro o bianco su una striscia nera lucida. Non è chiaro se Nikosthenes dipinse anche vasi, nel qual caso di solito si presume che sia identico al Pittore N. Anche il Pittore BMN e il Pittore Nikosthenes a figure rosse prendono il nome da Nikosthenes. Nella sua bottega impiegò molti famosi pittori di vasi, tra cui gli anziani Lydos, Oltos ed Epiktetos. La tradizione del laboratorio fu continuata dal successore di Nicostene, Pamphaios.

  Due pittori di vasi a figure nere sono considerati manieristi (540-520 aC). Il pittore Elbows Out decorava principalmente le tazze Little Masters. I gomiti estesi delle sue figure sono evidenti, caratteristica responsabile del suo nome pragmatico. Raramente dipinse scene mitologiche; le scene erotiche sono molto più comuni. Decorò anche una rara forma di vaso conosciuta come lydion. Il più importante dei due pittori fu L'Affettatore, il cui nome deriva dall'impressione esageratamente artificiale data dalle sue figure.

  Queste figure dalla testa piccola non sembrano tanto agire quanto posare. I suoi primi lavori mostrano scene di vita quotidiana; in seguito si dedicò a scene decorative in cui sono riconoscibili figure e attributi, ma difficilmente azioni. Se le sue figure sono vestite sembrano imbottite; se sono nudi sono molto spigolosi. L'Influenzatore era sia vasaio che pittore; sono sopravvissuti oltre 130 dei suoi vasi. Il Pittore di Antimenes (530–500 aC) amava decorare l'idria con fregi di animali nella predella, e soprattutto le anfore a collo.

  Due idrie a lui attribuite sono decorate sulla regione del collo con la tecnica del fondo bianco. Fu il primo a dipingere anfore con il volto di Dioniso simile a una maschera. Il più famoso degli oltre 200 vasi sopravvissuti mostra sul retro la raccolta delle olive. I suoi disegni raramente sono veramente precisi, ma non sono nemmeno eccessivamente negligenti. Stilisticamente il pittore Psiax è strettamente imparentato con il Pittore di Antimenes, sebbene anche il primo usasse la tecnica a figure rosse. Come insegnante dei pittori Eufronio e Finzia, Psiax ebbe una grande influenza sullo sviluppo iniziale dello stile a figure rosse. Mostra spesso scene di cavalli, carri e arcieri.

  L'ultimo importante gruppo di pittori fu il Gruppo Leagros (520-500 a.C.), dal nome dell'iscrizione kalos che usavano frequentemente, Leagros. Anfore e idrie, queste ultime spesso con palmette nella predella, sono i vasi dipinti più frequentemente. Il campo dell'immagine è solitamente pieno, ma la qualità delle immagini è comunque mantenuta molto alta. Molti degli oltre 200 vasi di questo gruppo erano decorati con scene della guerra di Troia e della vita di Eracle. Pittori come l'arguto pittore Acheloos, il convenzionale pittore di Chiusi e il pittore dell'alba con i suoi fedeli dettagli appartengono al gruppo Leagros.

  Altri noti pittori di vasi dell'epoca sono il Pittore del Pianto Vaticano, il Pittore Princeton , il Pittore di Monaco 1410 e il Pittore dello Swing (540-520 a.C.), a cui sono attribuiti molti vasi. Non è considerato un artista molto bravo, ma le sue figure sono involontariamente divertenti a causa delle loro grandi teste, strani nasi e spesso pugni chiusi. L'opera del pittore Rycroft ha una somiglianza con la pittura vascolare a figure rosse e con le nuove forme espressive. Gli piaceva rappresentare scene dionisiache, cavalli e carri e le avventure di Eracle. Utilizza spesso disegni di contorno.

  I circa 50 vasi a lui attribuiti, solitamente di grandi dimensioni, sono elegantemente dipinti. La classe CM 218 decorava principalmente varianti delle anfore nikostheniche. La classe Hypobibazon lavorò con un nuovo tipo di anfora panciuta con anse e piedi arrotondati, la cui decorazione è caratterizzata da un meandro chiave sopra i campi dell'immagine. Una variante più piccola dell'anfora dal collo è stata decorata dal Gruppo delle Tre Linee. Il Gruppo Perizoma adottò intorno al 520 aC la forma dello stamnos recentemente introdotta. Verso la fine del secolo venivano ancora realizzate produzioni di alta qualità dal Pittore Euphiletos, dal Pittore di Madrid e dal fantasioso Pittore Priamo.

  In particolare pittori di coppe come Oltos, Epiktetos, Pheidippos e Skythes dipinsero vasi sia in stile a figure rosse che a figure nere (ceramica bilingue), principalmente coppe per gli occhi. L'interno era solitamente in stile a figure nere, l'esterno in stile a figure rosse. Esistono diversi casi di anfore le cui facce anteriore e posteriore sono decorate nei due diversi stili.

  Le più famose sono le opere del Pittore di Andocide, le cui scene a figure nere sono attribuite al Pittore di Lisippide. Gli studiosi sono divisi sulla questione se questi pittori siano la stessa persona. Solo pochi pittori, ad esempio il Pittore di Nikoxenos e il Pittore di Atena, produssero grandi quantità di vasi utilizzando entrambe le tecniche. Anche se la ceramica bilingue fu piuttosto popolare per un breve periodo, lo stile passò di moda già verso la fine del secolo.

  Dall'inizio del V secolo a.C. fino al 480 a.C. al più tardi, tutti i pittori rinomati utilizzavano lo stile a figure rosse. Ma i vasi a figure nere continuarono ad essere prodotti per circa altri 50 anni, con una qualità progressivamente decrescente. Gli ultimi pittori che produssero immagini di qualità accettabile su grandi vasi furono il Pittore di Eucharides e il Pittore di Kleophrades. Solo i laboratori che producevano forme più piccole come olpes, oenoches, skyphos, anfore a collo piccolo e particolari lekythos utilizzavano sempre più l'antico stile.

  Il Pittore Phanyllis usò la tecnica dei Sei, tra gli altri metodi, e sia il Pittore di Edimburgo che il Pittore di Gela decorarono la prima lekythos cilindrica. Il primo produceva principalmente scene casuali, chiare e semplici utilizzando uno stile a figure nere su fondo bianco. Il fondo bianco dei vasi era piuttosto spesso e non veniva più dipinto direttamente sul fondo in argilla, tecnica che divenne lo standard per tutti i vasi a fondo bianco. Il Pittore di Saffo si specializzò nella lekythos funeraria.

  Particolarmente produttiva fu la bottega del Pittore Haimon; sono sopravvissuti oltre 600 dei loro vasi. Il Pittore di Atena (che forse è identico al Pittore di Bowdoin a figure rosse) e il Pittore di Perseo continuarono a decorare lekythos grandi e standard. Le scene del Pittore di Atena irradiano ancora parte della dignità inerente al lavoro del Gruppo Leagros. Il Pittore Marathon è noto soprattutto per la lekythos funeraria rinvenuta nel tumulo degli Ateniesi morti nella battaglia di Marathon nel 490 a.C.

  L'ultimo importante pittore di lekythos, il Pittore di Beldam, lavorò dal 470 a.C. circa al 450 a.C. Fatta eccezione per le anfore premio panatenaiche, lo stile a figure nere terminò in Attica in questo periodo. Tra i vasi attici a figure nere un ruolo particolare rivestono le anfore premio panatenaiche. Dopo il 566 aC, quando furono introdotte o riorganizzate le celebrations panatenaiche, costituivano il premio per i vincitori delle competizioni sportive e venivano riempiti di olio d'oliva, uno dei principali beni di esportazione della città. Sulla parte anteriore portavano abitualmente l'immagine della dea Atena in piedi tra due pilastri su cui si appollaiavano i galli; sul retro c'era una scena sports .

 

  La forma è sempre stata la stessa e nel lungo periodo della sua produzione è stata solo leggermente modificata. L'anfora a ventre era, come suggerisce il nome, in origine particolarmente bulbosa, con collo corto e piede lungo e stretto. Intorno al 530 a.C. i colli si accorciano e il corpo si restringe leggermente. Intorno al 400 aC le spalle del vaso erano notevolmente ridotte in larghezza e la curva del corpo del vaso appariva ristretta. Dopo il 366 aC i vasi tornarono ad essere più eleganti e divennero ancora più stretti.

  Questi vasi venivano prodotti principalmente nei principali laboratori del distretto di Kerameikos. Sembra che sia stato un onore o particolarmente redditizio ricevere l'incarico per la produzione dei vasi. Ciò spiega anche l'esistenza di numerose anfore pregiate di eccellenti pittori di vasi. Oltre ai pittori superiori a figure nere come il Pittore di Euphiletos, Exekias, Hypereides e il Gruppo Leagros, molti maestri artigiani a figure rosse sono conosciuti come creatori di anfore premiate. Tra questi il ​​Pittore di Eucharides, il Pittore di Kleophrades, il Pittore di Berlino, il Pittore di Achilleus e Sophilos, che fu l'unico ad aver firmato uno dei vasi sopravvissuti.

  Il primo vaso conosciuto è stato prodotto dal Gruppo Burgon ed è noto come vaso Burgon. Poiché il nome del funzionario regnante (Arconte) compare occasionalmente sul vaso dopo il IV secolo aC, alcuni vasi possono essere datati con precisione. Poiché le Panatenee erano feste religiose, lo stile e il tipo di decorazione non cambiarono né durante il periodo a figure rosse né dopo che i vasi figurati non furono più realmente commercializzati ad Atene. Le anfore premiate furono prodotte nel II secolo a.C. e ne sono sopravvissute circa 1.000. Poiché per alcune date è noto il numero di anfore assegnate a un vincitore, è possibile dedurre che sia sopravvissuto circa l'1% della produzione totale di vasi ateniesi. Altre proiezioni portano alla conclusione che ad Atene furono prodotti complessivamente circa sette milioni di vasi con figure dipinte. Oltre alle anfore da premio, venivano prodotte anche forme imitative note come anfore da premio pseudo-panatenaiche.

  Già a partire dal VII secolo aC a Sparta si produceva ceramica dipinta sia per il consumo locale che per l'esportazione. I primi pezzi di qualità furono prodotti intorno al 580 a.C. L'apice della ceramica a figure nere fu raggiunto tra il 575 e il 525 a.C. circa Oltre a Sparta, i principali siti di rinvenimento sono le isole di Rodi e Samo, nonché Taranto, necropoli etrusche e Cirene, che inizialmente era considerata la fonte originaria della ceramica. La qualità delle navi è molto alta. L'argilla era ben sospesa e le veniva dato un rivestimento color crema.

  Furono dipinti anfore, hydriai, crateri a colonna (chiamati krater lakonikos nell'antichità), crateri a volute, crateri calcidici, lebes, aryballoi e la coppa spartana, la lakaina. Ma la forma indice e il ritrovamento più frequente è la coppa. In Laconia la ciotola profonda veniva solitamente posta su un piede alto; le tazze sui piedi bassi sono rare. L'esterno è tipicamente decorato con ornamenti, solitamente festoni di melograni, e la scena interna è piuttosto grande e contiene figure. In Laconia prima che nel resto della Grecia il tondo divenne la cornice principale delle scene di coppe.

  Anche l'immagine principale è stata divisa in due segmenti in un primo momento, una scena principale e una più piccola, inferiore. Spesso il vaso era rivestito solo con un ingobbio lucido o decorato con pochi ornamenti. Le iscrizioni sono rare ma possono apparire come annotazioni sui nomi. Le firme sono sconosciute sia ai ceramisti che ai pittori. È probabile che gli artigiani laconici fossero pittori di ceramica perioeci. Le caratteristiche caratteristiche della ceramica spesso corrispondono alla moda di pittori noti. È anche possibile che si trattasse di ceramisti migranti dalla Grecia orientale, il che spiegherebbe la forte influenza della Grecia orientale soprattutto sul Pittore di Boreads.

  Nel frattempo si possono distinguere almeno otto pittori di vasi. Cinque pittori, il Pittore di Arkesilas (565–555), il Pittore di Boreads (575–565), il Pittore di Hunt, il Pittore di Naucratis (575–550) e il Pittore di Rider (550–530) sono considerati i rappresentanti più importanti dello stile, mentre altri pittori sono considerati artigiani di minore abilità. Le immagini sono solitamente spigolose e rigide e contengono fregi di animali, scene di vita quotidiana, soprattutto simposi, e molti soggetti mitologici.

Di quest'ultimo sono raffigurati con particolare frequenza Poseidone e Zeus, ma anche Eracle con le sue dodici fatiche nonché i cicli leggendari tebano e troiano. Soprattutto nei primi vasi, una smorfia di gorgone è posta in un tondo a coppa. Sono eccezionali una rappresentazione della ninfa Cirene e un tondo con un cavaliere con un viticcio che cresce dalla sua testa (nome del vaso del pittore del cavaliere). Importante è anche una coppa con l'immagine di Arcesilao II. La tazza Arcesilas ha fornito il nome pragmatico al Pittore Arcesilas.

  È una delle rare rappresentazioni sulla ceramica greca di eventi o persone attuali. I soggetti suggeriscono un'influenza attico. Un viola rossastro era il colore opaco principale. Attualmente si conoscono oltre 360 ​​vasi laconici, di cui quasi un terzo, 116 pezzi, attribuiti al Pittore Naucratis. Il declino intorno al 550 a.C. della pittura vascolare corinzia a figure nere, che ebbe un'importante influenza sulla pittura laconica, portò a una massiccia riduzione della produzione laconica di vasi a figure nere, che terminò intorno al 500 a.C. distribuito, da Marsiglia alla Grecia Ionica. A Samo la ceramica della Laconia è più comune di quella corinzia a causa della stretta alleanza politica con Sparta.

  I vasi a figure nere furono prodotti in Beozia dal VI al IV secolo aC Ancora all'inizio del VI secolo aC molti pittori beoti utilizzavano la tecnica del contorno orientalizzante. Successivamente si concentrarono maggiormente sulla produzione dell'Attica. Le distinzioni e le attribuzioni ad una delle due regioni sono talvolta difficili ed i vasi possono essere confusi anche con la ceramica corinzia. I vasi attici e corinzi di bassa qualità sono spesso dichiarati opere della Beozia. Spesso i buoni vasi beoti sono considerati attici e i vasi attici scadenti sono falsamente considerati beoti. Probabilmente ci fu uno scambio di artigiani con l'Attica.

  In almeno un caso è certo che un vasaio attico emigrò in Beozia (il Pittore del Cavallo-Uccello, e forse anche il Pittore di Tokra, e tra i vasai certamente Teisia l'ateniese). I soggetti più importanti sono i fregi di animali, i simposi e le scene di komos. Le scene mitologiche sono rare e, quando presenti, di solito mostrano Eracle o Teseo. Dalla fine del VI secolo fino al V secolo prevalse uno stile simile a una silhouette.

  Venivano dipinti soprattutto kantharos, lekanis, tazze, piatti e brocche. Come nel caso di Atene, ci sono iscrizioni su kalos. I vasai beoti amavano particolarmente produrre vasi modellati, così come kantharos con aggiunte scolpite e pissidi tripodi. Da Atene furono riprese anche le forme delle lekanis, delle coppe e delle anfore a collo. Lo stile pittorico è spesso divertente e c'è una preferenza per scene komos e satiri.

  Tra il 425 e il 350 a.C. i vasi kabeirici erano il principale stile a figure nere in Beozia. Nella maggior parte dei casi si trattava di una forma ibrida tra un kantharos e uno skyphos con ciotola profonda e anse ad anello verticali, ma esistevano anche lebeti, coppe e pissidi. Prendono il nome dal luogo principale in cui sono stati ritrovati, il Santuario dei Kabeiroi vicino a Tebe. Le scene, solitamente dipinte su un solo lato del vaso, raffigurano il culto locale. I vasi caricaturano eventi mitologici in una forma umoristica ed esagerata. A volte vengono mostrate scene komos, presumibilmente legate direttamente al culto.

  Anche la pittura vascolare a figure nere in Eubea fu influenzata da Corinto e soprattutto dall'Attica. Non è sempre facile distinguere queste opere dai vasi attici. Gli studiosi presumono che la maggior parte della ceramica sia stata prodotta a Eretria. Venivano dipinte principalmente anfore, lekythos, hydria e piatti. Le anfore di grande formato erano solitamente decorate con scene mitologiche, come le avventure di Eracle o il Giudizio di Paride. Le grandi anfore, derivate da forme del VII secolo, hanno labbra affusolate e solitamente scene relative a matrimoni. Si tratta apparentemente di vasi funerari prodotti per bambini morti prima che potessero sposarsi.

 

  L'impiego moderato dell'incisione e l'uso regolare del bianco opaco per gli ornamenti floreali erano caratteristiche tipiche della ceramica a figure nere di Eretria. Oltre a scene che riflettono modelli attici, c'erano anche scene più selvagge come il ratto di un cervo da parte di un satiro o Eracle con centauri e demoni. I vasi della classe dei delfini erano precedentemente considerati attici, ma ora sono considerati euboici. Tuttavia, la loro argilla non corrisponde ad alcuna fonte eretriana conosciuta. Forse i pezzi sono stati prodotti a Calcide.

  L'origine di alcuni stili regionali a figure nere è controversa. Ad esempio, la pittura su ceramica calcidese un tempo era associata all'Eubea; nel frattempo si ritiene più probabile la produzione in Italia. In quasi nessun'altra regione della Grecia i confini tra lo stile orientalizzante e quello a figure nere sono così incerti come nel caso dei vasi della Grecia orientale. Fino al 600 aC circa furono utilizzati solo disegni di contorno e spazi vuoti. Poi, nella fase tarda dello stile orientalizzante, cominciarono ad apparire i disegni incisi, la nuova tecnica proveniente dalla Ionia settentrionale.

  Lo stile del fregio con animali che in precedenza aveva predominato era certamente decorativo, ma offriva poche opportunità per un ulteriore sviluppo tecnico e artistico. Sorsero stili regionali, soprattutto in Ionia. Verso la fine dello stile Wild Goat, gli artisti dello Ionio settentrionale imitarono, piuttosto male, i modelli corinzi. Ma già nel VII secolo nella Ionia si producevano vasi di alta qualità. A partire dal 600 a.C. circa lo stile a figure nere fu utilizzato interamente o in parte per decorare i vasi.

  Oltre agli stili regionali che si svilupparono a Klazomenai, Efeso, Mileto, Chios e Samos, soprattutto nella Ionia settentrionale esistevano stili che non possono essere localizzati con precisione. Erano comuni fiaschi per olio che aderivano al modello lidio (lydions), ma la maggior parte di essi erano decorati solo con strisce. Ci sono anche scene originali, ad esempio uno Scita con un cammello della Battriana, o un satiro e un ariete. Per alcuni stili l'attribuzione è controversa. Quindi il Gruppo di Northampton mostra una forte influenza ionica, ma la produzione era probabilmente in Italia, forse da immigrati dalla Ionia.

  A Klazomenai furono dipinte principalmente anfore e idrie nella metà del VI secolo a.C. (circa dal 550 al 350 a.C.), così come ciotole profonde con figure piatte e dall'aspetto spigoloso. I vasi non sono molto eleganti nella lavorazione. Spesso venivano raffigurati donne e animali danzanti. I laboratori più importanti furono quelli del Pittore di Tubinga, del Pittore di Petrie e del Gruppo Urla. La maggior parte dei vasi furono rinvenuti a Naucrati ea Tell Defenneh, abbandonata nel 525 aC. La loro origine era inizialmente incerta, ma Robert Zahn ne identificò la fonte confrontandola con le immagini sui sarcofagi klazomeniani.

  La ceramica era spesso decorata con maschere femminili scolpite. Le scene mitologiche erano rare; erano popolari ornamenti a scaglie di pesce, file di punti bianchi e donne danzanti dall'aspetto rigido. La rappresentazione di un araldo di fronte ad un re e ad una regina è unica. In generale, gli uomini erano caratterizzati da grandi barbe a forma di vanga. Già a partire dal 600 a.C. e fino al 520 a.C. circa furono prodotte, probabilmente a Klazomenai, coppe a rosetta, successore delle coppe per uccelli della Grecia orientale. La ceramica di Samo apparve per la prima volta intorno al 560/550 a.C. con forme adottate dall'Attica.

  Queste sono tazze e kantharos dei Piccoli Maestri con forme facciali. Il dipinto è preciso e decorativo. Samo insieme a Mileto e Rodi fu uno dei principali centri per la produzione di vasi in stile Wild Goat. La pittura vascolare di Rodi è conosciuta principalmente dalle placche di Rodi. Questi sono stati prodotti utilizzando una tecnica policroma con molti dettagli incisi come nella pittura a figure nere. Dal 560 al 530 aC circa erano comuni le situle, ispirate a modelli egiziani. Questi mostrano sia soggetti greci, come Tifone, sia temi dell'antico Egitto come i geroglifici egiziani e le discipline sportive egiziane.

  "Caeretan hydria" è il nome usato per uno stile particolarmente colorato di pittura vascolare a figure nere. L'origine di questi vasi è controversa in letteratura. Sulla base della valutazione del dipinto i vasi furono a lungo considerati etruschi o corinzi, ma negli ultimi anni prevale l'ipotesi che i produttori fossero due pittori di ceramica emigrati dalla Grecia orientale a Caere (l'odierna Cerveteri) in Etruria. Le iscrizioni in greco ionico supportano la teoria dell'emigrazione. Il laboratorio esisteva solo da una generazione.

  Oggi si conoscono circa 40 vasi prodotti dai due maestri artigiani in questo stile. Sono tutte hydriai tranne un alabastron. Nessuno è stato trovato fuori dall'Etruria; la maggior parte proveniva da Cere, da qui il nome. I vasi sono datati dal 530 al 510/500 aC circa. Le idrie ceretane sono seguite stilisticamente da anfore a collo decorate con strisce. Queste idriai tecnicamente piuttosto inferiori misurano 40–45 cm. alto. Il corpo di questi vasi presenta colli alti e molto prominenti, spalle larghe e piedi bassi ad anello a forma di calici capovolti.

  Molte delle idriai sono deformi o mostrano una cottura difettosa. Le immagini dipinte sono divise in quattro zone: una zona delle spalle, una zona del ventre con figure e una con ornamenti, e una sezione inferiore. Tutti tranne la zona del ventre con figure sono decorati con ornamenti. There is only one caso in cui entrambi i fregi del ventre presentano figure. I loro molteplici colori li distinguono da tutti gli altri stili a figure nere. Lo stile ricorda la pittura vascolare ionica e le tavolette di legno dipinte multicolori trovate in Egitto. Gli uomini vengono mostrati con la pelle rossa, nera o bianca.

  Le donne sono quasi sempre ritratte con un colore bianco opaco. I contorni così come i dettagli sono incisi, come è tipico dello stile a figure nere. Le superfici dell'ingobbio nero lucido vengono spesso ricoperte con un'ulteriore ingobbio colorato, in modo che l'ingobbio nero che diventa visibile in corrispondenza della rigatura fornisca i dettagli interni alle varie forme. Sul lato anteriore le immagini sono sempre piene di azione, sul retro sono comuni i disegni araldici. Gli ornamenti sono una componente importante delle idrie; non sono sussidiari ad altri motivi. Per dipingere gli ornamenti venivano usati stencil; non sono incisi.

  Il Pittore di Busiris e il Pittore dell'Aquila sono nominati pittori. Quest'ultimo è considerato il principale rappresentante di questo stile. Erano particolarmente interessati ad argomenti mitologici che di solito rivelavano un'influenza orientale. Sul vaso con il nome del pittore Busiride, Eracle calpesta il mitico faraone egiziano Busiride. Eracle è spesso raffigurato anche su altri vasi ed esistono anche scene di vita quotidiana. Ci sono anche scene insolite, come Cetus accompagnato da una foca bianca.

  Anche i vasi del Ponto sono strettamente legati stilisticamente alla pittura su ceramica ionica. Anche in questo caso si presume che fossero prodotti in officine etrusche da artigiani emigrati dalla Ionia. I vasi hanno preso il nome fuorviante dalla raffigurazione su un vaso di arcieri ritenuti sciti, che vivevano sul Mar Nero (Ponto). La maggior parte dei vasi sono stati rinvenuti nelle tombe di Vulci, un numero significativo anche a Cerveteri. La forma dell'indice era un'anfora a collo dalla forma particolarmente slanciata, molto somigliante alle anfore tirreniche.

  Altre forme erano oenochoes con manici a spirale, dinosauri, kyathos, piatti, bicchieri con basi alte e, meno spesso, kantharos e altre forme. L'ornamento dei vasi del Ponto è sempre simile. In genere è presente una decorazione ornamentale sul collo, poi figure sulla spalla, seguita da un'altra fascia di ornamenti, un fregio di animali e infine un anello di raggi. Piede, collo e maniglie sono neri. L'importanza degli ornamenti è evidente, anche se spesso sono realizzati in modo piuttosto trascurato; alcuni vasi sono decorati solo con ornamenti.

  L'argilla di questi vasi è rosso-giallastra; l'ingobbio che ricopre i vasi è nero o rosso-brunastro, di ottima qualità e con lucentezza metallica. I colori opachi rosso e bianco sono generosamente utilizzati per figure e ornamenti. Gli animali sono solitamente decorati con una striscia bianca sulla pancia. Gli studiosi hanno individuato fino ad oggi sei laboratori. Il primo e il migliore è considerato quello del Pittore di Parigi. Mostra figure mitologiche, incluso un Eracle imberbe, come era consuetudine nella Grecia orientale.

 

  Occasionalmente ci sono scene che non fanno parte della mitologia greca, come Eracle che combatte Giunone Sospita ("il Salvatore") del Pittore di Parigi, o un demone lupo del Pittore di Tityos. Ci sono anche scene di vita quotidiana, scene di komos e cavalieri. I vasi sono datati tra il 550 e il 500 aC e se ne conoscono circa 200. I vasi etruschi di produzione locale risalgono probabilmente al VII secolo aC. Inizialmente somigliano a modelli a figure nere provenienti da Corinto e dalla Grecia orientale. Si presume che nella prima fase i produttori fossero soprattutto gli immigrati greci.

  Il primo stile importante era la pittura su ceramica del Ponto. Successivamente, nel periodo compreso tra il 530 e il 500 a.C., seguì il Pittore Micali e la sua bottega. In questo periodo gli artisti etruschi tendevano a seguire modelli attici e producevano principalmente anfore, hydriai e brocche. Di solito avevano scene di komos e simposi e fregi di animali. Le scene mitologiche sono meno comuni, ma sono prodotte con molta attenzione. Lo stile a figure nere terminò intorno al 480 aC Verso la fine si sviluppò uno stile manierista e talvolta una tecnica di silhouette piuttosto trascurata.

  La pittura vascolare calcidese prende il nome dalle iscrizioni mitologiche che a volte apparivano in caratteri calcidesi. Per questo motivo si sospettava inizialmente che l'origine della ceramica fosse l'Eubea. Attualmente si presume che la ceramica fosse prodotta a Rhegion, forse anche a Caere, ma la questione non è ancora stata definitivamente risolta. La pittura vascolare calcidese fu influenzata dalla pittura attica, corinzia e soprattutto ionica. I vasi sono stati rinvenuti soprattutto in località italiane come Caeri, Vulci e Rhegion, ma anche in altre località del Mediterraneo occidentale.

  La produzione dei vasi calcidesi iniziò improvvisamente intorno al 560 aC Ad oggi non sono stati identificati precursori. Dopo 50 anni, intorno al 510 a.C., era già finita. Sono sopravvissuti circa 600 vasi e finora sono stati identificati 15 pittori o gruppi di pittori. Questi vasi sono caratterizzati da una lavorazione in ceramica di alta qualità. La pellicola lucida che li ricopre è solitamente nera come la pece dopo la cottura. L'argilla ha un colore arancione. I colori opachi rosso e bianco sono stati generosamente utilizzati nel dipinto, così come la decorazione per produrre i dettagli degli interni.

  La forma indice è l'anfora a collo, che rappresenta un quarto di tutti i vasi conosciuti, ma ci sono anche coppe oculari, oenochoes e hydria; altri tipi di navi sono meno comuni. Fanno eccezione le lekanis e le coppe di stile etrusco. I vasi sono economici e rigorosi nella costruzione. Una caratteristica tipica è il "piede a coppa calcidese". Talvolta viene copiato nei vasi attici a figure nere, meno spesso nei vasi a figure rosse. Il più importante degli artisti conosciuti della vecchia generazione è il Pittore di iscrizioni, dei rappresentanti più giovani il Pittore di Phineus.

  Il primo è presumibilmente l'ideatore dello stile; dei vasi superstiti, circa 170 sono attribuiti alla produttivissima bottega di quest'ultimo. Probabilmente è anche l'ultimo rappresentante di questo stile. Le immagini sono solitamente più decorative che narrative. Vengono mostrati cavalieri, fregi di animali, immagini araldiche o gruppi di persone. Una grande croce di loto e palmetta fa spesso parte dell'immagine. Le scene mitologiche sono rare, ma quando si verificano sono generalmente di qualità eccezionalmente alta.

  La pittura vascolare pseudo-calcidese è il successore della pittura calcidese. È vicino al Calcide, ma ha anche forti legami con la pittura vascolare attica e corinzia. Pertanto gli artisti utilizzarono per le iscrizioni l'alfabeto ionico anziché quello calcidese. Anche la struttura dell'argilla è diversa. Sono conosciuti circa 70 vasi di questo tipo, classificati per la prima volta da Andreas Rumpf. È possibile che gli artigiani fossero successori dei pittori vascolari e dei ceramisti calcidesi emigrati in Etruria.

  La pittura vascolare pseudo-calcidese è classificata in due gruppi. Il più antico dei due è il Gruppo Polifemo, che ha prodotto la maggior parte dei vasi sopravvissuti, principalmente anfore a collo e oinochoe. Di solito vengono rappresentati gruppi di animali, meno raramente scene mitologiche. I vasi sono stati rinvenuti in Etruria, in Sicilia, a Marsiglia e Vix. Il più giovane e meno produttivo Gruppo Memnon, al quale sono attualmente attribuiti 12 vasi, aveva una distribuzione geografica molto più ridotta, essendo limitato all'Etruria e alla Sicilia. Fatta eccezione per una oinochoe, producevano solo anfore a collo, solitamente decorate con animali e cavalieri.

  I vasi del gruppo di Northampton erano tutti anfore a collo piccolo, ad eccezione di un'anfora a ventre singolo. Sono stilisticamente molto simili alla pittura vascolare dello Ionio settentrionale, ma furono probabilmente prodotti in Italia piuttosto che in Ionia, forse in Etruria intorno al 540 aC I vasi di questo gruppo sono di altissima qualità. Presentano ricche decorazioni ornamentali e scene che hanno catturato l'interesse degli studiosi, come un principe con cavalli e qualcuno che cavalca una gru. Sono simili all'opera del Gruppo dei Campana Dinoi e alla cosiddetta Anfora di Northampton la cui argilla è simile a quella della Caeretan hydriai. Il gruppo Northampton prende il nome da questa anfora. Le Campana hydriai rotonde ricordano modelli beoti ed euboici.

  Gli alabastroni con corpo cilindrico di Andros sono rari, così come i lekanis di Taso. Questi ricordano i prodotti della Beozia, tranne per il fatto che hanno due fregi di animali invece dell'unico fregio comune in Beozia. I piatti Thasiani seguono piuttosto i modelli attici e con le loro scene figurate sono più ambiziosi che sui lekanis. Sono note imitazioni di vasi di Chios nello stile a figure nere. Anche la ceramica locale a figure nere di Halai è rara. Dopo che gli Ateniesi occuparono Elaious sui Dardanelli, iniziò anche lì la produzione locale di ceramica a figure nere. I prodotti modesti includevano semplici lekanis con immagini di contorno. Un piccolo numero di vasi a figure nere furono prodotti nella Francia celtica. Anche loro quasi certamente si ispirarono ai vasi greci.

  Le ricerche scientifiche su questi vasi iniziarono soprattutto nel XIX secolo. Da allora si è intensificato il sospetto che questi vasi abbiano un'origine greca anziché etrusca. Soprattutto un'anfora panatenaica trovata da Edward Dodwell nel 1819 ad Atene ha fornito prove. Il primo a presentare una dimostrazione fu Gustav Kramer nella sua opera Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Tuttavia ci sono voluti diversi anni perché questa intuizione fosse generalmente accettata. Eduard Gerhard pubblicò negli Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica un articolo intitolato Rapporto Volcente in cui indagò sistematicamente i vasi; fu il primo studioso a farlo.

  A tal fine nel 1830 studiò i vasi rinvenuti a Tarquinia, confrontandoli, ad esempio, con vasi rinvenuti in Attica ed Egina. Durante questo lavoro ha identificato 31 firme di pittori e ceramisti. In precedenza si conosceva solo il vasaio Taleides. Il passo successivo della ricerca è stata la catalogazione scientifica delle principali collezioni di vasi presenti nei musei. Nel 1854 Otto Jahn pubblicò i vasi nella Collezione statale di antichità di Monaco. In precedenza erano stati pubblicati i cataloghi dei Musei Vaticani (1842) e del British Museum (1851).

  Particolarmente influente è stata la descrizione della collezione di vasi della Collezione di antichità classiche di Berlino, riunita nel 1885 da Adolf Furtwängler. Furtwängler fu il primo a classificare i vasi per regione di origine artistica, tecnologia, stile, forma e stile pittorico, cosa che ebbe un effetto duraturo sulle ricerche successive. Nel 1893 Paul Hartwig tentò nel suo libro Meisterschalen di identificare vari pittori sulla base di iscrizioni di kalos, firme e analisi di stile. Edmond Pottier, curatore del Louvre, iniziò nel 1919 il Corpus Vasorum Antiquorum.

  Tutte le principali raccolte mondiali sono pubblicate in questa serie, che nel 2009 ammontava a oltre 300 volumi. La ricerca scientifica sulla pittura vascolare attica deve molto a John D. Beazley. Iniziò lo studio di questi vasi intorno al 1910, avvalendosi del metodo sviluppato dallo storico dell'arte Giovanni Morelli per lo studio dei dipinti, perfezionato da Bernard Berenson. Partiva dal presupposto che ogni pittore creasse opere originali a cui si potesse sempre attribuire un'attribuzione inequivocabile. Ha utilizzato dettagli particolari come volti, dita, braccia, gambe, ginocchia e pieghe di vestiti. Beazley studiò 65.000 vasi e frammenti, di cui 20.000 a figure nere.

 

  Nel corso dei suoi studi, durati quasi sessant'anni, riuscì ad attribuirne 17.000 per nome o utilizzando un sistema di nomi pragmatico, e classificarli in gruppi di pittori o botteghe, rapporti e affinità stilistiche. Ha identificato oltre 1.500 ceramisti e pittori. Nessun altro archeologo ha avuto un'influenza così decisiva sulla ricerca in un campo archeologico come quella di Beazley, le cui analisi rimangono in larga misura valide fino ai giorni nostri. Dopo Beazley, studiosi come John Boardman, Erika Simon e Dietrich von Bothmer hanno studiato i vasi attici a figure nere.

  La ricerca di base sulla ceramica corinzia fu compiuta da Humfry Payne, che negli anni '30 elaborò una prima classificazione stilistica che, in sostanza, è utilizzata fino ai giorni nostri. Classificò i vasi in base alla forma, al tipo di decorazione e ai soggetti dell'immagine, e solo successivamente fece distinzioni in base ai pittori e alle botteghe. Seguì il metodo di Beazley, tranne per il fatto che attribuiva meno importanza alla distribuzione dei pittori e dei gruppi poiché per lui era più importante un quadro cronologico. Jack L. Benson si assunse questo compito di assegnazione nel 1953 e distinse 109 pittori e gruppi.

  Infine, Darrell A. Amyx ha riassunto la ricerca fino a quel momento nel suo libro Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period del 1988. È tuttavia oggetto di controversia tra gli studiosi se sia possibile, nel caso della ceramica corinzia, attribuire pittori specifici. La ceramica della Laconia era conosciuta fin dal XIX secolo da un numero significativo di vasi provenienti da tombe etrusche. Inizialmente furono erroneamente attribuiti, essendo considerati per lungo tempo una produzione di Cirene, dove furono rinvenuti anche alcuni dei pezzi più antichi.

  Grazie agli scavi britannici effettuati nel Santuario di Artemide Orthia a Sparta, la loro vera origine fu rapidamente identificata. Nel 1934 Arthur Lane mise insieme tutto il materiale conosciuto e fu il primo archeologo a identificare diversi artisti. Nel 1956 le nuove scoperte furono studiate da Brian B. Shefton. Ridusse della metà il numero dei pittori distinti. Nel 1958 e nel 1959 fu pubblicato altro nuovo materiale tarantino. A Samo sono stati rinvenuti anche un numero significativo di altri vasi. Conrad Michael Stibbe studiò nuovamente tutti i 360 vasi a lui noti e pubblicò i suoi risultati nel 1972. Ha identificato cinque pittori maggiori e tre minori.

  Oltre alle ricerche sulla pittura vascolare attica, corinzia e laconica, gli archeologi sono spesso interessati soprattutto agli stili italiani minori. Le Hydriai Caeretan furono identificate e nominate per la prima volta da Carl Humann e Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff e altri archeologi sospettavano erroneamente che l'origine della ceramica calcidica fosse l'Eubea. Georg Ferdinand Dümmler è responsabile della falsa denominazione dei vasi del Ponto, che secondo lui provenivano dalla zona del Mar Nero a causa della raffigurazione di uno Scita su uno dei vasi. Nel frattempo, la ricerca su tutti gli stili viene condotta meno da singoli individui che da un ampio gruppo internazionale di scienziati. [Wikipedia].

  RECENSIONE: La ceramica greca dal 1000 al 400 aC circa fornisce non solo alcune delle forme di vasi più distintive dell'antichità, ma anche alcune delle rappresentazioni più antiche e diverse delle credenze e delle pratiche culturali degli antichi greci. Inoltre, la ceramica, con la sua durabilità (anche se rotta) e la mancanza di attrattiva per i cacciatori di tesori, è uno dei più grandi sopravvissuti archeologici ed è, quindi, uno strumento importante per archeologi e storici nel determinare la cronologia dell'antica Grecia.

  Qualunque sia il loro valore artistico e storico, però, la stragrande maggioranza dei vasi greci, nonostante siano ormai pezzi da museo polverosi, erano in realtà destinati all'uso quotidiano e, per parafrasare Arthur Lane, forse vale la pena ricordare che stando su un pavimento di pietra e inzuppati d'acqua , un tempo avrebbero brillato al sole del Mediterraneo. L'argilla (keramos) per produrre ceramica (kerameikos) era facilmente disponibile in tutta la Grecia, sebbene la migliore fosse l'argilla attica, con il suo alto contenuto di ferro che conferiva un colore rosso-arancio con una leggera lucentezza quando cotta e il pallido color cuoio di Corinto.

  L'argilla veniva generalmente preparata e raffinata in vasche di decantazione in modo da poter ottenere diverse consistenze di materiale a seconda della tipologia di vasi da realizzare. La ceramica greca veniva invariabilmente realizzata al tornio e solitamente realizzata in sezioni orizzontali separate: il piede, la parte inferiore e superiore del corpo, il collo e infine le maniglie, se necessario. Queste sezioni venivano poi unite tra loro con una “barbottina” di argilla dopo l'essiccazione ed è possibile in molti casi vedere le impronte del vasaio impresse all'interno del vaso.

  Il pezzo è stato quindi rimesso sulla ruota per levigare i segni di giunzione e aggiungere la modellatura finale. Pertanto tutti i vasi erano unici e le piccole variazioni nelle dimensioni rivelano che l'uso di strumenti semplici e non di sagome ritagliate era la norma. Successivamente, il piatto è stato decorato. Questo procedimento dipendeva dallo stile decorativo in vogue all'epoca, ma i metodi più diffusi prevedevano la verniciatura dell'intero o di parti del vaso con una sottile vernice adesiva nera aggiunta con un pennello, i cui segni in molti casi rimangono visibili. Questa vernice nera era una miscela di potassa alcalina o soda, argilla con contenuto di silicio e ossido ferroso nero di ferro.

  La vernice veniva fissata al vaso utilizzando un fissativo di urina o aceto che bruciava nel calore del forno, legando la vernice all'argilla. Un'altra tecnica, usata più raramente, consisteva nel ricoprire il vaso con una pittura a base di argilla bianca. In alternativa, solo linee o figure venivano aggiunte in nero utilizzando una versione più spessa della vernice nera sopra menzionata e applicata con un pennello rigido o una piuma; di conseguenza si è ottenuto un leggero effetto di sollievo. Dettagli minori venivano spesso aggiunti con una vernice nera diluita che dava un colore giallo-marrone, un bianco di argilla e un rosso scuro di ocra e manganese. Gli ultimi due colori tendevano a sfaldarsi nel tempo.

  Il vaso finito era quindi pronto per essere messo nel forno e cotto a una temperatura di circa 960 °C, che è relativamente bassa e spiega la "morbidezza" della ceramica greca (rispetto, ad esempio, alla porcellana cinese). Le pentole sono state cotte più volte (nello stesso forno) per ottenere la finitura e la colorazione richieste. Innanzitutto, la pentola veniva cotta in un fuoco ossidante dove una buona ventilazione del forno assicurava che il colore arancione/rosso dell'argilla venisse alla ribalta.

  Quindi la pentola veniva ricotta in un forno privo di ossigeno (processo di riduzione) aggiungendo acqua o legno umido all'interno del forno. Ciò garantiva che i colori dipinti, in particolare il nero, si scurissero. Una terza cottura, sempre ben ventilata, ha ridato rosso all'argilla del vaso mentre le zone dipinte, ora protette da una velatura sottile, hanno mantenuto la colorazione originaria. Questo complicato procedimento richiedeva ovviamente un'ottima tempistica da parte del vasaio per non rovinare il vaso con scoloriture indecorose.

  I vasai greci producevano pratici vasi per vino, acqua, olio e profumi. Pittore e vasaio (kerameus) erano solitamente, anche se non sempre, specialisti separati. Tuttavia esistevano collaborazioni durature, come quella tra il vasaio Ergotimos e il pittore Kleitas. Molti singoli ceramisti e, meno frequentemente, pittori, sono stati identificati con certezza attraverso le loro firme (più comunemente come "...hanno fatto questo") sebbene la maggior parte dei vasi greci non siano firmati. Tuttavia, il professor JD Beazley, operante nel XX secolo d.C., identificò più di 500 artisti non firmati distinguibili attraverso il loro stile particolare.

  La catalogazione sistematica e completa di Beazley della ceramica greca ha consentito anche di studiare la sua evoluzione nelle tecniche, nei disegni e nella decorazione. I pittori spesso lavoravano in laboratori collettivi, generalmente sotto la supervisione di un "maestro" vasaio (il che suggerisce che per i Greci la forma fosse in realtà più importante della decorazione). Sebbene gli artisti fossero liberi da restrizioni o controlli politici centralizzati, senza dubbio erano guidati dalla domanda del mercato per stili, soggetti e mode particolari. Molti ceramisti e artisti furono prolifici nella loro produzione e in alcuni casi oltre 200 vasi possono essere attribuiti a un singolo artista.

  La maggior parte dei ceramisti non veniva pagata più di qualsiasi altro lavoratore manuale e un buon vaso probabilmente costava solo la paga di una giornata. Certamente, però, alcuni artisti sarebbero stati molto richiesti e i loro prodotti sarebbero stati venduti non solo a livello locale ma in lungo e in largo in tutto il Mediterraneo. Gli stessi vasai a volte si trasferivano in altre città, in particolare nelle colonie, spesso portando con sé il loro stile regionale. C'era anche una certa rivalità tra artisti, come indicato da un commento firmato su un vaso, "meglio di quanto Eufronia avrebbe mai potuto fare".

  Sebbene la ceramica greca ci fornisca un'ampia gamma di forme, dalle tazze ai piatti fino alle enormi anfore, molte delle forme sono rimaste relativamente costanti nel corso dei secoli. Ciò è dovuto principalmente al fatto che i vasai greci producevano oggetti per uso pratico - contenenti vino, acqua, olio e profumi - e una volta che la forma pratica ottimale si era evoluta, veniva copiata e mantenuta. Tuttavia, nonostante questa restrizione formale, i ceramisti e i pittori greci poterono esprimere la loro versatilità nella decorazione del vaso.

 

  Le forme più comuni di ceramica erano anfore per conservare il vino, grandi crateri per mescolare il vino con l'acqua, brocche (oinochoai) per versare il vino, kylix o tazze a stelo con manici orizzontali per bere (particolarmente pratiche se si solleva una tazza dal pavimento quando si è sdraiati). un lettino per la cena), un'idra con tre manici per contenere l'acqua, skyphoi o ciotole profonde e vasi lekythoi per contenere oli e profumi. Proprio perché questi oggetti erano di uso pratico, le maniglie (quando presenti) sono generalmente robuste, eppure il vasaio, utilizzando forme attentamente studiate, spesso riusciva a fondere queste aggiunte nell'armonia complessiva del vaso ed era aiutato in questa impresa con sottili aggiunte decorative del pittore.

  La ceramica greca, soprattutto in termini di decorazione, si è evoluta nel corso dei secoli e può essere classificata in quattro grandi gruppi. Questi gruppi o stili, tuttavia, non passarono bruscamente dall'uno all'altro ma piuttosto in alcuni casi rimasero contemporanei per decenni. Inoltre, alcune città-stato e regioni furono lente nell'adattarsi ai nuovi stili o semplicemente preferirono le decorazioni in stile "vecchio" molto tempo dopo che erano uscite di produzione altrove. Inoltre, alcune città e regioni erano costantemente un po' eccentriche nella loro decorazione (in particolare Laconia-Sparta, Cipro, Creta e Beozia) e preferivano seguire il proprio percorso artistico piuttosto che imitare gli stili dei centri più dominanti come Atene e Atene. Corinto.

  Il primo stile distintivo della ceramica greca apparve per la prima volta intorno al 1000 a.C. o forse anche prima. Ricordando nella tecnica le precedenti civiltà greche della Creta minoica e della terraferma micenea, le prime decorazioni della ceramica greca impiegavano forme semplici, usate con parsimonia. La ceramica proto-geometrica, tuttavia, differisce da quella minoica e micenea nella forma. Il baricentro del vaso viene spostato verso il basso (creando un vaso più stabile) con i piedi e il collo più articolati.

  I disegni proto-geometrici più popolari erano cerchi dipinti con precisione (dipinti con più pennelli fissati su un compasso), semicerchi e linee orizzontali in nero e con ampie aree del vaso dipinte esclusivamente in nero. Un nuovo motivo sulle basi dei vasi erano le punte triangolari verticali che sarebbero durate per secoli e sarebbero diventate una caratteristica fondamentale del successivo design della ceramica a figure nere.

  A partire dal 900 aC circa apparve lo stile completamente geometrico che prediligeva lo spazio rettangolare sul corpo principale del vaso tra le anse. In questo spazio sono apparsi audaci disegni lineari (forse influenzati dagli stili contemporanei di vimini e tessitura) con decorazioni a linee verticali su entrambi i lati. Fu in questo periodo che apparve per la prima volta il disegno Maeander (forse ispirato alla pratica di avvolgere foglie attorno ai bordi delle ciotole di metallo), destinato ad essere associato per sempre alla Grecia e ancora oggi forte su tutto, dai piatti ai teli mare.

  La parte inferiore dei vasi geometrici era spesso dipinta di nero e separata dal resto del vaso mediante linee orizzontali. Apparve un'interessante forma in stile geometrico che era la scatola circolare con un coperchio piatto, sopra il quale da uno a quattro cavalli fungevano da maniglia. Dall'VIII secolo a.C., la decorazione geometrica della ceramica iniziò a includere figure umane stilizzate, uccelli e animali con quasi tutta la superficie del vaso ricoperta da linee e forme audaci dipinte in marrone e nero. Verso la fine del periodo, nel VII secolo a.C., a Corinto divenne popolare il cosiddetto stile orientalizzante.

  Con i suoi collegamenti commerciali con l'Oriente, la città si appropriò di piante stilizzate (ad esempio loto, palma e l'albero della vita), fregi di animali (ad esempio leoni) e linee curve della ceramica egiziana e assira per produrre la sua versione greca unica. Il resto della Grecia orientale seguì l'esempio, spesso preferendo il rosso su sfondo bianco. Anche Atene seguì la nuova tendenza e questa si diffuse, ad esempio, anche nelle Cicladi producendo ceramica in questo nuovo stile più libero, spesso su vasi molto grandi e con decorazioni più spaziose.

  Alla fine del VII secolo a.C., la ceramica protocorinzia raggiunse nuovi traguardi di tecnica e qualità producendo la ceramica più raffinata mai vista, nella cottura, nella forma e nella decorazione. Le figure stilizzate nere furono incise in modo sempre più preciso e ricevettero sempre più dettagli, grazia e vigore. Nasce il celebre stile della ceramica a figure nere. Sebbene prodotti prima a Corinto, poi con ottimi esempi realizzati in Laconia e nell'Italia meridionale (da coloni euboici), sarebbero stati i ceramisti e i pittori dell'Attica a eccellere sopra tutti gli altri nello stile a figure nere, e sarebbero andati a domineranno il mercato greco per i prossimi 150 anni.

  Non tutte le figure erano dipinte di nero poiché furono adottate alcune convenzioni cromatiche, come il bianco per la carne femminile e il rosso porpora per i vestiti e gli accessori. Caratteristico dello stile è un maggiore interesse per i dettagli fini come muscoli e capelli, che venivano aggiunti alle figure utilizzando uno strumento affilato. Tuttavia, sono le posture delle figure che caratterizzano anche la ceramica a figure nere come l'apice della pittura vascolare greca. Le figure più belle ricevono grazia ed equilibrio e spesso sono illustrate nei momenti che precedono il movimento effettivo o si riposano dopo lo sforzo.

  Il famoso vaso di Exekias, con Aiace e Achille che giocano a un gioco da tavolo durante la guerra di Troia, è un eccellente esempio della dignità e dell'energia che la pittura a figure nere poteva raggiungere. Inoltre, i vasi a figure nere spesso raccontavano, per la prima volta, una storia. Forse l'esempio più celebre è il Vaso Francois, un grande cratere a volute realizzato da Ergotimos e dipinto da Kleitas (570-565 a.C.) alto 66 cm (26 pollici) e ricoperto da 270 figure umane e animali raffiguranti una sorprendente gamma di scene e personaggi della mitologia greca. Altri vasi tipici dello stile a figure nere sono le anfore, lekythoi, le kylix, le coppe semplici, le pissidi (piccole scatole con coperchio) e le ciotole.

  La tecnica a figure nere fu sostituita dalla tecnica a figure rosse (figure rosse create dipingendo il loro contorno con uno sfondo nero) intorno al 530 a.C. che sarebbe durata per i successivi 130 anni circa. I due stili furono paralleli per qualche tempo e ci sono anche esempi "bilingui" di vasi con entrambi gli stili ma quello a figure rosse, con il vantaggio del pennello rispetto al bulino, poteva tentare di rappresentare più realisticamente la figura umana e alla fine divenne lo stile preferito della decorazione della ceramica greca.

  Forse influenzato dalle tecniche contemporanee di pittura murale, dai dettagli anatomici, dalle diverse espressioni facciali, dal maggior dettaglio nell'abbigliamento (soprattutto nelle pieghe, seguendo la nuova moda dell'abito di chitone più leggero che affascinò anche gli scultori contemporanei), dai maggiori tentativi di rappresentare la prospettiva, dalla sovrapposizione delle figure e la rappresentazione della vita quotidiana come scene educative e sportive sono tutte caratteristiche di questo stile.

  Le forme dei vasi a figure rosse sono generalmente quelle dello stile a figure nere. Fa eccezione la kylix che diventa meno profonda e con il piede più corto, diventando quasi una terza ansa. Inoltre la narrazione dipinta deve essere letta girando la coppa in mano. Altre modifiche minori sono l'idra, che diventa un po' più piena nella figura e il collo dell'anfora più snello. Lekythoi di questo periodo aveva comunemente uno sfondo bianco così come (più raramente) tazze e scatole.

  Nel IV secolo aC, forse nel tentativo di copiare le innovazioni prospettiche dell'affresco contemporaneo, lo stile a figure rosse rivelerà i suoi limiti e i vasi degenereranno in scene sovraffollate con strane prospettive fluttuanti. Significativamente, la pittura su ceramica non sarebbe più stata intrinsecamente legata alla forma che decorava e quindi avrebbe cessato di esistere come forma d’arte a sé stante. Di conseguenza, l’attenzione e l’eccellenza artistica si allontaneranno dai confini della ceramica verso altri mezzi più aperti come la pittura murale.

  In conclusione, quindi, possiamo dire che non solo la ceramica greca ci ha dato alcune delle forme e dei disegni più caratteristici, influenti e belli dell'antichità, ma ci ha anche dato una finestra sulla vita, le pratiche e le credenze di un popolo. scomparsi da tempo e di cui molto spesso non abbiamo alcuna documentazione scritta contemporanea. Questi oggetti di uso quotidiano, a differenza degli altri reperti archeologici sopravvissuti alla letteratura, alla scultura e all'architettura, ci permettono di sentirci un po' più vicini alla gente comune del mondo antico, coloro che non potevano permettersi belle arti o gioielli preziosi ma potevano concedersi il possesso di un oggetto finemente realizzato. oggetto come un vaso greco. [Enciclopedia della storia antica].

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CONDIZIONE: COME NUOVA. Copertina morbida di grandi dimensioni, apparentemente non letta (anche se leggermente macchiata). New York Metropolitan Museum of Art (1994 terza ristampa del 1987 copyright) 71 pagine. Presumendo che qualcuno abbia sfogliato il libro una o due volte... ma questa è una presunzione in quanto non vi è alcun segno di usura da lettura o addirittura da navigazione sul libro. L'interno del libro è immacolato; le pagine sono pulite, nitide, non contrassegnate, non modificate, ben rilegate, se lette, apparentemente sfogliate solo una o due volte (nessuna usura di lettura visibile). Dall'esterno le copertine evidenziano solo una leggerissima usura sui bordi e sugli angoli (praticamente impercettibile). TUTTAVIA, se tieni la copertina del libro davanti a una fonte di luce e
Original Language English
ISBN 0870994883
Dimensions 10¾ x 8¼ inches; ¾ pound
Author Dietrich Von Bothmer
Vintage Yes
Personalized No
Type Art Catalog
Topic Ancient Art
Topic Ancient Greece
Topic Anthropology
Topic Archaeology
Topic Art History
Topic Ceramics
Topic Collectibles
Topic Cultural History
Topic Cultural Studies
Topic Culture
Topic Paintings
Topic Regional History
Topic Social History
Topic Social Sciences
Topic World History
Ex Libris No
Book Title Greek Vase Painting
Personalize No
Publication Year 1987
Genre History
Publisher New York Metropolitan Museum of Art
Language English
Signed No
Era Ancient
Inscribed No
Features Illustrated
Number of Pages 71
Format Trade Paperback
Intended Audience Young Adults
Intended Audience Adults
Narrative Type Nonfiction
  • Condition: Come Nuovo
  • Lingua originale: English
  • ISBN: 0870994883
  • Dimensioni: 10¾ x 8¼ pollici; ¾ sterlina
  • Autore: Dietrich von Bothmer
  • Vintage:
  • Personalizzato: No
  • Tipo: Art Catalogo
  • Argomento: Art History, da collezionare, dipinti, Regionale History
  • Ex libris: No
  • Nome della pubblicazione: Greek Vaso Pittura
  • Personalizzare: No
  • Pubblicazione Year: 1987
  • Genere: History
  • Editore: New York Metropolitan Museum d'arte
  • Lingua: English
  • Autografato: No
  • Era: Ancient
  • Inscritto: No
  • Caratteristiche: Illustrato
  • Numero di pagine: 71
  • Formato: Permuta Libro In Brossura
  • Pubblico previsto: Adulti, Giovani adulti
  • Narrative Tipo: Nonfiction
  • Marca: - Senza marca/Generico -

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